05 février 2015

Marcel Gromaire 1892-1974

Celui là, chère Anthologie de la peinture (une de mes références vénérées) je l'avais oublié, certes une peintureLa Guerre 1925 Gromaire

'La Guerre' ne m'était pas inconnue, mais ne me donnait pas envie non plus d'aller plus loin, tant elle est rébarbative, par son sujet bien sûr, par le choix trop réaliste d'un style brut de pomme si j'ose dire, par ses couleurs un peu trop ternes. Bon, en même temps, ce sujet précis n'est pas fait pour faire envie ! alors c'est réussi Marcel, il n'y a rien à dire de plus. La guerre, il l'a faite Marcel Gromaire, blessé en 1916, il sera ensuite interprète auprès des américains à Saint Nazaire. Il peindra ces farouches soldats, automates pour tuer ou être tués, en 1925.  Et puis toujours au musée Carnavalet, un autre tableau de Marcel Gromaire ignoré de moi ou oublié je ne sais,Place Blanche Gromaire 1925

Place Blanche de la même année que La Guerre, aux couleurs plus éclatantes, au dessin un peu moins rude, mais tout aussi dérangeant par sa froideur figée; sa peinture reflète sa vision de la vie, où il dénonce : la guerre qui envoie les hommes à la mort, la misère ouvrière, les vices des bourgeois qui s'encanaillent la nuit, dans des bars aux bras d'une jolie femme indifférente et résignée à recevoir un hommage qui lui pèse mais qui la nourrit. Le corps de cette jeune femme irradie de clarté offert à la lumière et à tous, seul le visage fermé est assombri et désabusé. Marcel Gromaine se détendra d'ailleurs en peignant des nus féminins érotiques, aux formes fermes et rondes. Ses paysannes au bain, ressemblent plus à des naïades aguicheuses qu'à des paysannes, dans un décor digne du Douanier Rousseau.Les paysannes au bain

Personnalité multiple Marcel Gromaire. Il dénonce primitivement et rudement, il aime joliment presque mièvrement et oui, il aime les jolies femmes vénales ou pas; moins critique, plus bienveillant, plus décoratif, presque plus joyeux. Ses nus constitueront plus de la moitié de son oeuvre graphique. Un volcan sous un glacier, Marcel Gromaire. 

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30 janvier 2015

Robert Delaunay

Photo R Delaunay

Mari de Sonia Delaunay mais pas que .. elle c'est la pragmatique dans le couple, elle Disque (le premier disque) 1913utilise son art pour faire vivre le couple, elle assure les produits dérivés, reproduction de ses volutes multicolores sur tissus d'ameublements, manteaux, robes, lui Robert c'est le créatif obnubilé par la perception des couleurs par l'oeil humain qu'Eugène Chevreulcercle chromatique de Chevreul

(chimiste et directeur des laboratoires de teinture à la manufacture des Gobelins) étudia; ce dernier inventa la roue des couleurs qui représentent les trois couleurs primaires que sont le rouge, le jaune et le bleu, et les couleurs secondaires obtenues en mélangeant deux couleurs primaires. L'utilisation des couleurs fut transformée et ce sont les impressionnistes qui l'expérimentèrent. Robert Delaunay en fit son cheval de bataille, avec des carrés, des cercles colorés en faisant vibrer la couleur comme des notes de musique sur une partition, je vous l'accorde cette jolie phrase ne Soleil, Tour, Aéroplaneveut pas dire grand chose, mais je laisse la parole à notre peintre musicien ' je jouais avec les couleurs comme on pourrait s'exprimer en musique par la fugue. Son ami Guillaume Appollinaire invente à ce propos le terme orphisme, Delaunay préférera le terme de simultanisme : La juxtaposition de certaines couleurs crée une sensation que l'oeil interprète comme un mouvement. Et Delaunay donne du mouvement à ses toiles en les faisant parfois tournoyer; c'est intéressant et fort décoratif.Champ de Mars La tour rouge 1911 reprise vers 1923

Travail sur les villes  la tour Eiffel, la ville de Paris, l'église Saint Séverin.La ville de Paris 1912

Cela flirte avec le cubisme, mais c'est plus vivant et coloré et ça bouge plus, ça swingue ! Robert Delaunay qui est né en 1885 est une sorte de fils à papa en opposition à son père, ce qui est incontournable, alors il sera anticonformLa Ville 1911iste tout en gardant un dégoût certain pour tout ce qui concerne les contingences matérielles de la vie, Robert Delaunay est un esthète plus intéressé par le côté épique de la vie que par son côté matériel. Autoportrait 1906 Robert Delaunay

il est certain que Sonia le protégera toujours de la réalité de la vie. Il est passionné par les performances technologiques que permet entre autres la fée électricité; du côté pictural, il touchera à tout ce qui l'entoure, impressionnisme, fauvisme, divisionnisme, cubisme, il s'intéressera particulièrement à la lumière, au mouvement, à la couleur : ' La lumière dans la Nature crée le mouvement des couleurs.' Bon, l'exposition que lui consacre Beaubourg est une ébauche restrictive, pour plus de détails voir le message consacré à Sonia Delaunay. Robert Delaunay fut réformé en 1916 et passa 7 ans en Espagne.St Séverin 1 1909

Il me faudra attendre une exposition plus complète pour bien saisir le peintre. Bien sûr après guerre il continua à peindre un peu, beaucoup moins cependant que ses jeunes années et s'attela à la décoration du palais de l'air à l'exposition universelle de 1937, mais ce ne sont plus ses années fastes, un peu d'usure sans doute  due à des problèmes de santé qui causèrent sa mort prématurée en 1941.  Allez un petit peu encore pour terminer ce message pas vraiment réussi, j'en conviens, un peu de froideur de ma part, la rencontre entre Robert et moi ne s'est pas vraiment faite. Un rendez vous à re-provoquer ... Quand vous voudrez monsieur !Les trois fenêtres la Tour et la Roue 1912

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07 janvier 2015

Marcel Duchamp

Yvonne et Madeleine déchiquetées 1911 M

Pas facile d'être un Duchamp entre un Villon qui fait une belle carrière et un Duchamp-Villon qui s'illustre dans la sculpture, alors celui qui reste simplement Duchamp mais Marcel se marquera autrement et voilà comment sont nés les ready-made, voilà comment par provocation amusée mais déterminée Marcel Duchamp a marqué son siècle et est devenu le père de l'art contemporain. C'est bien la seule paternité qu'il aurait peut être aimé revendiquer, qui sait, avec Marcel si burlesque dans le choix du nom de ses peintures, si enclin au mystère qu'il déclenche ainsi Marcel Duchamp

la Mariée mise à nu par ses célibataires même ou grand verre, c'est rigolo, quand on pense à ses deux mariées à lui, la première mariée éphémère de sa vie épousée par erreurMariée 1912

 et la seconde épousée en 1954, joueuse d'échecs elle aussi,  bien sûr on galèje dessus aimablement en évoquant une mère plus proche de ses 3 filles que de ses 3 garçons, une soeur un peu trop aimée Suzanne A propos de jeune soeur 1911 M dont les 2 mariages auraient pu être à l'origine de cette réflexion sur la mariée, d'autres y voient aussi de l'érotisme, très anatomique quand même cet érotisme où la mariée est un jeu de tuyauteries fort compliqué et l'amour une histoire de chimie; ce Grand Verre a pris 10 années de sa vie à Marcel de 1912 à 1923.  mais sa dernière oeuvre découverte après sa mort Étant donnés : 1 la chute d'eau, 2 le gaz d'éclairage l'a occupé durant 20 ans de 1946 à 1966, cette oeuvre est encore plus énigmatique et provoque là aussi divers interprétations, le corps représenté est celui d'après moulage d''une amante follement aimée Maria Martins 1894-1973 repartie dans son Brésil natal, intéressante cette femme là d'ailleurs sculptrice qu'il connût à New York, elle tient dans la main un bec Auer allumé, certains y voient le mythe de Psyché, symbole de son amour impossible avec Maria mariée, d'autres y voient un être hybride à la manière de Rrose Sélavy, réalité ou Etant donnés 1° la chute d'eau 2° le gaz d'éclairageapparence trompeuse ? Lui seul aurait pu l'expliquer si tel avait été son désir, mais Marcel Duchamp reste une énigme, un talent indéniable de peintre stoppé volontairement, un talent plus discutable de plasticien paresseux et farceur avec ses zônes d'ombre. Marcel Duchamp est devenu un lent jouisseur de la vie, du temps qui passe, il aura pleinement vécu sa vie sans trop de contrainte, libre, je crois, avec ce don de s'inspirer des autres avec une originalité particulière. Né en 1887, il fréquente l'école Julian durant 1 an, ses premières toiles qui comptent  d'influence cézanienne sont La Partie d'échecs (jeu cher aux Duchamp) reprise en version cubisteLa Partie d'échecs 1910Joueurs d'échecs 1911

et le portrait de son père en 1910Portrait du père de l'artiste M

 en 1911 il réalise des nus d'inspiration fauvienne, Il s'essaie au symbolismePortrait du Dr Dumouchel 1910 Met trouve un mode d'expression assez plaisant dans le cubisme en mouvement, son Nu descendant l'escalierNu descendant dans l'escalier n°2 1912

en 1912 toile qui sera décriée par ses propres frères, ce qui le blessera un peu ou son jeune homme triste dans un train 1911-1912 sont intéressantes, tout autant que le sont les titres, comme Le roi et la reine entourés de nus vites en 1912Le Roi et la Reine entourés de nus vites 1912les corps chez Duchamp roulent mécaniquement sur eux même dans une lente chute qui n'appartient je crois qu'à lui. Et ce sont à mon avis ses plus belles créations. Il est à ce moment là très productif, il chemine vite et puis à partir de 1912-1913, il regarde d'un autre oeil l'art, en conteste les valeurs défendues jusque là, il revendique une liberté, celle de penser autrement et de relativiser les valeurs imposées. En 1913, il peint une broyeuse de chocolatLa Broyeuse de chocolat 1914 où dit-il le Célibataire broie son chocolat lui même, facétieux Marcel Duchamp qui ne songera plus alors qu'à provoquer par ses ready-meade, ce qui est pour l'époque scandaleux, impensable, voilà c'est presque terminé pour Marcel Duchamp sa carrière de peintre. Il commencera à réfléchir à sa mariée mise à nu qui ne reproduit rien de neuf d'ailleurs, par rapport à ce qu'il a déjà peint. Il donne vie en 1921 à sa Rrose Sélavy qu'on peut lire Eros, c'est la vie' Rrose Selavycar Duchamp aime les jeux de mots, calembours, ce double féminin qui ajoute du mystère ou qui témoigne de son humour dadaïste. Il vivra aux États Unis, reviendra, repartira, ira en Belgique, jouera aux échecs avec passion, ses amis seront Picabia, Man Ray, Peggy Guggenheim, en 27 sans le sou il épousera puis divorcera 6 mois plus tard. Il participera à plusieurs élaborations d'expositions. En 1954 il se remarie et sa toile Les joueurs d'échecs est achetée par le Musée d'Art moderne. En 1955 il adopte la nationalité américaine. Il meurt en 1968 à Paris auprès de sa seconde épouse.  

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18 novembre 2014

Les vanités

Vanité 1

Vain, du latin vanus qui signifie vide. Vaine la fragilité des biens terrestres avec une mort inéluctable. Quelles sont les solutions pour ne pas tomber dans une vaine dépression ? soit adopter une philosophie épicurienne ou stoïque telle les intellectuels grecs avec le Carpe Diem d'Horace : incitation à profiter des plaisirs simples de la vie avec modération, au jour le jour.(Le célèbre Vanité des vanités, tout est vanité daterait, lui, du III siècle avant Jésus Christ et est tiré d'un livre L'écclesiaste qui fait partie de la Bible hébraïque et qui très grosso modo donne le même message). Soit se retourner vers le christianisme qui offre une espérance en une vie éternelle. Les premières vanités sont des natures mortes qui datent du II et III siècles avant JC et qui ont disparu, ne subsistent que des fresques murales retrouvées à Pompei, Herculanum ou autres fouilles. Les mosaïques dites au sol non balayé (asaroton)sol non balayé

sol non balayé détail

sont les premières natures mortes en décomposition, prémices des futures vanités qui illustreront la finitude humaine. Durant 1000 ans, l'objet n'est qu'accessoire dans une scène toujours religieuse et la nature ne réapparaît qu'avec la Renaissance italienne, notamment avec Giotto. La mort omni-présente par les épidémies, les guerres est prise en main si j'ose dire par l'église qui propose aux pêcheurs de sauver leur âme, la mort est alors représentée par un squelette,

Danse macabre détail

les Danses Macabres à l'honneur montrent l'égalité sociale de la mort, on en arrive même à représenter la décomposition du squelette avec les Transis.

Le squelette

Les jésuites brandissent des têtes de mort, pour maintenir les âmes dans la peur de la mort, version moderne du Memento Mori (Souviens toi que tu vas mourir) qu'un esclave susurrait parait-il à l'oreille des généraux romains triomphants, ce qui avait moins d'effets que le christianisme nettement plus virulent dans ses actes. A partir du XVI  le crâne prend le pas sur le squelette. Le Golgotha (cité dans les évangiles, à l'emplacement demeuré inconnu) dont le nom signifie crâne était une colline située à l'extérieur de Jérusalem, colline où les romains crucifiaient leurs condamnés, où fut crucifié aussi Jésus. La tradition religieuse veut que l'on aurait aussi retrouvé en ce lieu le crâne d'Adam, ce qui explique que l'on retrouve des crânes d'Adam dans les toiles de crucifixion au pied de la croix.Hans Memling 1491 La crucifixion

Le crâne devient un must au XVII dans toutes les vanités qui fleurissent alors en Hollande et qui s'étendront ensuite en Europe. A ce crâne s'ajoutent des objets, des fruits, des fleurs à la symbolique forte comme le sablier, la bougie, la bulle de savon, les pierres qui se lézardent, objets symboles du temps qui passe, symboles de la fragilité de la vie, d'autres comme la pivoine symbolise la prospérité, la tulipe fleur hollandaise qui connaît un vif engouement au 17è est signe de richesse vaine, les livres sont vanité du savoir, la pipe, le vin représentent les plaisirs futiles, le miroir (qui peut se casser facilement comme le fil de la vie) où l'artiste contemple son reflet vieilli, etc

vanités aux portraits 1651

Et symbole suprême de la putréfaction, la mouche apparaît dans les vanités comme un mémento mori, elle peut aussi être servir de faire-valoir du talent de l'artiste, autre vanité plus subtile !

La vierge à l'enfant Carlo Crivelli 1480

Elle peut aussi symboliser la Passion du Christ comme dans le tableau de Crivelli.

Crivelli 1480 détail

Les vanités disparaissent du XVIII siècle pour ré-apparaître à la fin du XIX  jusqu'à nos jours. Mais elles ont perdu leur sens premier strictement religieux et moral. L'angoisse de vieillir a supplanté celle de mourir, une nouvelle angoisse collective face aux catastrophes naturelles, au terrorisme, aux crises financières et politiques nous ramène d'une autre façon à notre humble condition humaine et peut être nous protégeons-nous de nos peurs en nous riant de la mort en la portant comme colifichet (boucle d'oeille, tête de mort sur t-shirt etc ..) en essayant de l'apprivoiser cette mort à travers l'art contemporain qui re-visite d'une manière provocante, humoristique, les vanités du XVII siècle. Un message entier pourrait y être consacré d'ailleurs.    

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14 novembre 2014

Léon Lhermitte 1844-1925

Les Halles Léon Lhermitte

Vu au Petit Palais musée de la ville de Paris qui vaut vraiment le détour, donc vu récemment un tableau de ce peintre du mouvement dit  naturalisme qui peignit de grandes toiles célèbres en son temps, toiles qui témoignent aujourd'hui d'un Paris, d'une France disparus. Les Halles vers 1900

Les Halles (décor principal du Ventre de Paris d'Emile Zola) près de l'église Saint Eustache furent remplacées (ré-aménagées à Rungis)Les Halles 1970

dans les années 70 par la construction d'une gare RER Chatelet-Les Halles, d'un centre commercial souterrain le Forum des Halles et d'un jardin. Depuis 2011, ce quartier est à nouveau en rénovation jusqu'en 2018 où tous les travaux seront achevés.

Léon Lhermitte était un excellent dessinateur, il fera les Beaux Arts. Il vivra de gravures faites entre France et Angleterre puis à partir de 1874 il sera reconnu au salon, il fait partie de ceux qui sont aujourd'hui un peu oubliés. Cette famille compte 2 neurologues réputés et un acteur.

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09 novembre 2014

Le marché aux chevaux - Rosa Bonheur

Le marché aux chevauxAu musée du cheval à Chantilly qui a ouvert après restauration en Juin 2013, une rencontre avec une Dame dont la personnalité me séduit : l'artiste peintre Rosa Bonheur. Ce n'est pas un original, c'est juste une lithographie d'après une étude d'un tableau célèbre Le marché aux chevaux peint en 1853 qui appartient au Musée Métropolitan de New York. Rosa Bonheur réalisa plusieurs études de ce tableau durant 1 an et demi, effectuées dans les écuries ou marchés de la région parisienne. Cette toile connut un grand succès et fut largement diffusé grâce à la gravure. Elle connaîtra avec ce tableau une renommée internationale. Cette lithographie fut gravée en 1857 par Thomas Landseer à Londres.

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31 octobre 2014

Sonia Delaunay au Musée d'Art moderne

Dit Petit Flamenco détail 1915 Sonia Delaunay

De la couleur, du mouvement, du paraître, un goût certain pour les objets du quotidien, les marquer de son empreinte, décorer couverture, coffrets, abat jour, livres, vêtements et murs, une vitalité à toute épreuve.  Il y a un vide chez Sonia une rupture d'enfance qu'elle comblera par de la couleur, par une hyperactivité artistique et sociale.Sonia Terk 1901

Elle ne mentira jamais, elle éludera toujours, elle dissimulera ce qui l'ennuie. C'est une force de vie qui l'aidera tout au long de sa vie : éluder ce qui fâche et sourire toujours. Née en Russie en 1885 dans une modeste famille, Sarah Stern devient à l'âge de 5 ans Sofia ou Sonia Terk, du nom de son oncle maternel avocat à St Pétersbourg qui l'éduquera. Elle ne reverra jamais ses parents. Elle bénéficiera ainsi d'une éducation bourgeoise. Son oncle Henri Terk est un érudit féru d'art. Sonia dira de rares fois qu'elle n'aimait pas sa mère, ni sa tante non plus. Elle comblera ce manque d'amour donné, ce manque d'amour reçu, en se concentrant sur son devenir : émerger du lot et briller.  Sonia entre dans l'atelier de Schmidt-Reutter, en Allemagne en 1903 et y apprend les bases.Autoportrait 1904 Sonia Terk

Bord de l'eau 1906 Sonia Terk

En 1905, Paris où elle s'inscrit à l'Académie de la Palette, elle sera adoptée par la colonie russe. Elle se passionne pour les fauves,Deux fillettes finlandaises 1907 Sonia Terk

Cezanne, la gravure et se lie à Wilhelm Uhde collectionneur et marchand d'art. Philomène 1907 Sonia Terk détailElle commence à broder en 1908

Broderie

Objets réalisésCouverture

elle épouse Uhde en décembre, un arrangement confortable, elle y gagne le droit de rester à Paris et de connaitre ainsi tous les peintres qui percent : Braque, Derain, Dufy, Vlamink, Picasso, Robert Delaunay. Elle appréciait l'amour de l'art d'Uhde, elle découvre l'amour avec le peintre Robert Delaunay exalté, imprévisible, talentueux, fou de couleurs comme elle. Il y a chez Sonia une soif d'absolu, une exigence extrême où l'art est omnipotent. Robert Delaunay incarne cette particularité dont a besoin Sonia pour pouvoir aimer; il la stimule, comble son besoin d'énergie.Les Delaunay

 Qui est le maître dans ce couple ? Difficile à dire. Elle, est l'organisatrice, la gérante, la garantie de leur union. La peinture est leur façon de s'aimer jusqu'à la jouissance, lui se laisse guider par son besoin de peindre, elle, assure le tout. En 1910 elle l'épouse. En 1911 naissance d'un fils. Elle commence ses premiers abat-jour simultanés appliquant la théorie de Chevreuil sur le contraste simultané (contraste constitué par des couleurs perçues simultanément).Recherches pour PublicitésElle réalise ses premiers collages, des reliures en papiers appliqués et en déchets de tissu, elle fait des coussins, des gilets. 'La couleur l'excite' dit elle. Séductrice, Sonia Delaunay s'entourera toujours d'hommes talentueux et fragiles, Apollinaire, Blaise Cendrars, André Breton Louis Aragon, Philippe Soupault, Tristan Tzara, René Crevel, Joseph Delteil, Vladimir Maïakovski. Ces poètes seront un temps ses amis, mettront son art du costume en poèmes, beaucoup auront une destinée tragique, mais un temps ils auront traversé le ciel de Sonia, l'illuminant d'étoiles ... simultanées. Sonia aime s'amuser, le balBal Bullier 1913

Bullier est aussi un prétexte pour exposer ses robes qui bougent au rythme du tango ... simultanées bien sûr.Le bal Bullier détail 1913 Sonia Delaunay

1914 Robert réformé, ils partent en Espagne, puis au Portugal où les marchés de pastèques, melons, les costumes, la musique inspirent Sonia.PortugalMarché au Minho 1915 S DelaunayLes mouvements des corps et des couleurs  se contrarient et donnent un rythme.Chanteurs de flamenco 1915 S- Delaunay

 Cette guerre amènera pour Sonia la fin de sa rente provenant de biens immobiliers de Russie, en 1917 les bolcheviks nationalisent, Sonia est ruinée. Mais la rencontre avec Serge Diaghilev la sauve en lui proposant de créer les décors et costumes d'un ballet Cléopâtre.CostumeSonia décide alors d'arrêter de peindre pour gagner sa vie. Décor de théâtre, ouverture d'une casa Sonia en Espagne où elle vend ses objets, robes, chapeaux, meubles, tissus.Scène d'intérieur 1922 Sonia Delaunay gouache

La vente d'un tableau les aide à se ré-installer à Paris vers 1921. Sonia s'attèle aux costumes d'une pièce 'Coeur à gaz', d'une fête de charité. Sonia Delaunay crée sans arrêt tissus, robes et manteaux.Manteau

 L'exposition internationale des Arts décoratifs de 1925 la consacre avec sa boutique simultanée.S Delaunay

Atelier simultané

Robe du soir 1926 Delaunay

Elle créera même l'habillage d'une voiture. Financièrement cela dérape un peu, Sonia continue cependant ses travaux alimentaires. Lors de l'exposition Internationale de 1937 les Delaunay décorent 2 pavillons dont le Pavillon de l'Air.Décoration 1937Elle expose au salon des Tuileries, au salon des Réalités nouvelles des Rythmes qui rappellent un peu certaines toiles de Robert Delaunay . Et puis c'est la guerre et l'exode.Rythme couleur 1939

 La mort de Robert en 1941 la laisse désemparée. Elle se consacre à l'exposition rétrospective de son mari en 1946 et à son oeuvre. Elle renaîtra en 1953 à la peinture, la sienne. En 1960 elle peint un jeu de cartes esquissé lors de sa jeunesse.Composition

En 1966, elle rencontre son dernier poète Jacques Damase, elle réalisera autour de ses poèmes 11 pochoirs. Elle recrée des tapis, des lithographies, des décors, des costumes, des toiles

Rythme couleur 1965 Elle meurt en 1979.  

Sources : Sonia Delaunay de Dominique Desanti

Sonia Delaunay rythmes et couleurs

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27 octobre 2014

Thomas Couture à Senlis

Les romains de la décadence 1847

Rencontré par hasard à Senlis dont Thomas Couture 1815-1879 est originaire. Son tableau le plus célèbre est au musée d'Orsay ' Les Romains de la décadence' grand succès au salon de 1847. Couture a voulu critiquer ainsi la décadence de la monarchie de Juillet 1830-1848 sous Louis-Philippe. Si sa peinture est relativement oubliée à ce jour, il reste aussi célèbre pour son atelier ouvert de 1847 à 1862 qui verra défiler des peintres français et étrangers, Edouard ManetPuvis de Chavannes, Charles-Edouard Armand DumaresqCharles Monginot en sont les plus marquants. Il publia en 1867 un livre 'Méthode et entretiens d'atelier'. Il n'avait pas très bon caractère Couture, il affronta en Juin 1853 au café Divan Le Peletier le peintre Courbet, l'invectivant sur le réalisme de sa peinture, l'affaire fut calmée par la police. Mais ses élèves lui reconnaissent des qualités techniques particulières.  Il fut en son temps un portraitiste fort apprécié. Académique ou déjà moderne.Mme de Brunecke Thomas Couture

Baronne d'Astier de la Vigerie 1847 Thomas Couture détail

Sa renommée fut étendue aux Etats Unis notamment au Walters Art Muséum à Baltimore où il y a plusieurs toiles de lui. Souper à la maison d'or Thomas Couture 1855

Au canada, le Vancouver Art Gallery achète en 1931 la toile ' Souper à la maison d'or' où le modèle du jeune homme habillé de rouge fut un de ses élèves allemand le peintre ' Anselm Fenerbach 1829-1880. Cette toile récemment restaurée est en prêt à long terme au musée des Beaux Arts du Canada à Ottawa. Voilà qui réjouirait Thomas Couture un peu chagriné de ne pas avoir eu une notoriété durable, il quitta Paris un peu fâché vers 1860 pour résider en son pays de Senlis où le musée d'art et d'archéologie conserve plusieurs toiles de lui. Etude pour la Noblesse Thomas Couture

Thomas Couture 2

Il y installa son atelier dans la chapelle du palais épiscopal devenu musée. Il s'installa 10 ans plus tard à Villiers Le Bel où il continua à enseigner à des artistes américains jusqu'à sa mort. 

La Commandite entre 1860 et 1869

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24 octobre 2014

La Thébaïde de Fra Angelico à Chantilly

 Une thébaïde est, entre autres définitions, un ensemble de scènes de la vie monastique, en référence au lieu où se seraient retrouvés les premiers ermites chrétiens à Thèbes en Egypte.La Thébaïde reconstituée

L'italie du  XIII siècle est prospère grâce à l'essor de son commerce maritime, les villes s'agrandissent et induisent la construction de couvents et d'églises. Une seigneurie urbaine apparait, de riches commerçants essentiellement. Les peintres de l'époque sont sollicités pour décorer ces églises. On les désigne sous le terme de peintres primitifs (précurseurs de la Renaissance italienne). Parmi les grands on cite Cimabue 1240-1302, ses élèves Duccio vers 1260-1318/19 et Giotto 1266-1337, Simone Martini 1284-1344. Les sujets sont presque exclusivement religieux. Succèdera à cette période l'art gothique international entre 1380 et 1430 environ, aux scènes religieuses se mêlent des portraits, des enluminures, des décors profanes d'édifices publics ou villas de particuliers, on cite Pisanello 1394-1455, Gentile 1385 ?-1427, les frères Limbourg. La première Renaissance italienne commence vers 1420 et s'achève en 1500, c'est le quattrocento. Fra Angelico fait partie de ce mouvement.Thébaïde panneau indicatif

Guido di Pietro (né vers 1395-1455) en entrant chez les dominicains prend le nom de Fra Giovanni. Ses contemporains transformeront son nom en Fra Angelico. Religieux inspiré et fervent, il confère à ses peintures un rôle de prédication. La Thébaïde en question fut peinte vers 1430 pour le couvent de Santa Maria Degli Angeli, siège florentin d'un ordre religieux les camaldules qui était sous le patronnat de la famille Filicaia. Cette thébaïde sera morcelée (usage courant à l'époque) en 6 petits tableaux, fin XVIII début du XIX siècle.  La reconstitution se déroulera en 3 étapes. En 1974, un historien d'art anglais identifie comme Ensemble les 3 tableaux conservés à 

St Romuald Anvers

Anvers, CherbourgFra Angelicoet ChantillySt Benoit - Chantilly

En 1993 un américain rajoute au polyptique un tableau de Philadelphie.St Grégoire refusant la tiare pontificale

En 2005 Michel Laclotte (commissaire de l'exposition à Chantilly) identifie dans une collection privée française le 5 ème tableauScènes de la Thébaïde collection particulière

Manque le 6ème. Pour info le tableau central dit scènes de la Thébaïde- collection privée qui appartenait à une famille depuis le 19e a été vendu en 2012 à un collectionneur privé français 552 000 euros. Il en dirait quoi Fra-Angelico ?

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21 octobre 2014

lucien jonas 1880-1947

Douaumont 1916 Lucien Jonas

 J'ai découvert cet été, lors d'une exposition, ce peintre des Armées, à la Maison du Jacquemart à Langeac en Haute Loire où fusains et lithographies sur la guerre de 14-18 ont été exposés. Diffusés notamment ces dessins et affiches dans la revue L'illustration magazine hebdomadaire édité de 1843 à 1944.Lucien Jonas L'illustration

Mais il serait réducteur de ne limiter qu'à cette qualification, ce peintre prolifique au final peu connu. Il a peint beaucoup, Lucien Jonas, de croquignolets petits tableaux où familles modèles profitent de Dinard,

Lucien Jonas (Dinard)

1920 La récitation Lucien Jonas

des fresques religieuses dans les églises du nord, des fresques plus coquines notamment pour le casino ancien de Pougues Les EauxLucien Jonas Casino

Lucien Jonas 2

 il réalisa pour le restaurant et la salle des fêtes de la maison des centraux, rue Jean Goujon à Paris, des fresques proches de la caricature disparues vers 1949. Son fils a fait don au musée Carnavalet  de ses dessins préparatoires. des croquis diablement bien dessinés 

le jeune mineur

Né à Anzin près de Valenciennes en 1880, il fait les Beaux Arts de Paris. Second prix de Rome en 1905, il peint des tableaux réalistes sur les mineurs. En 1915 il est agrée peintre militaire attaché au musée de l'armée, en 16 attaché à la Marine, il croquera soldats et chefs, portraits célèbres comme Foch, d'autres inconnus.Lucien Jonas Portraits

Il effectuera toute sa vie des portraits, des paysages et des petites scènes de vie.Lucien Jonas Le rush final

 Il sera l'un des dessinateurs de billets de banque et sa collaboration avec la Banque de France durera plusieurs années, Sully, DescartesLucien Jonas Billet Descartes

 En 1937 il réalise des fresques pour l'exposition universelle pour le pavillon de l'aéronautique, mais il est un peu évincé par le couple Delaunay plus au goût du jour. Il parcourra la ligne Maginot en crayonnant toujours les soldats de la seconde guerre mondiale. Beaucoup de ses oeuvres ont été détruites et Lucien Jonas peintre d'histoire et de genre, paysagiste, portraitiste, décorateur- ici une pharmacie dans le nord-Lucien Jonas livre pharmacie

illustrateur, est un peu tombé dans l'oubli. Plusieurs sites sur ce peintre, l'un centré sur le peintre des armées.

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