25 février 2013

Dali

Buste de femme rétrospectif

Difficile à cataloguer Dali tant au point de vue humain qu'au point de vue pictural, homme de tous les excès dans ses écrits, dans ses interviews, dans sa vie; c'est un homme qui dut affronter toute sa vie ses peurs, ses cauchemars, sa timidité extrême; il combattit ces obstacles en théâtralisant ses émotions à la manière des grands tragédiens dans la provocation et l'excentricité.

Dali 1961

Il se fabriqua très tôt une apparence qui le protégea, mais qui l'amena à confondre le personnage médiatique créé avec le craintif-timide qu'il était réellement. Et cela donna les débordements en tous genres qui firent sa réputation de quasi aliéné au détriment de son oeuvre qui reste une des plus géniales de son temps. Son intelligence, son ingéniosité ne faciliteront pas non plus les choses, car il aimait brouiller les pistes quitte à s'y perdre lui aussi. C'est un homme qui lut Freud très jeune, il s'y configura à sa façon très personnelle, ce qui  ne facilite pas non plus une interprétation aisée de ses oeuvres;

étude pour le miel est plus doux que le sang 1926

 il faut bien avouer que regarder un tableau de Dali sans indice n'est pas chose aisée. Dali était avant tout un individualiste convaincu, égocentrique. Il se tiendra en dehors de tout courant communiste, au contraire du groupe des surréalistes avec lequel il se brouillera. Dali, avec l'aide de Gala aura toujours foi en lui, uniquement.   

Il suivit des courants artistiques, Dali, s'inspira des autres, mais dès le début, trouva son style.

Autoportrait au cou raphaélesque 1921

 Post impressioniste : autoportrait au cou raphaélisque' 1921 d'après un autoportrait de Raphael 1506 est une peinture aux touches colorées, cou puissant où Dali joue à se transcender en Raphael.

cubiste inspiré par Nu descendant l'escalier n°2 de Duchamp, réalise Autoportrait cubiste enAutoportrait cubiste 1923

1923,

le « noucentisme »(qui commence entre 1906 et 1911 )  avec

Portrait de ma soeur 1925 détail

portrait de ma soeur en 1925  perçu comme un retour au classicisme méditerranéen

Pierrot jouant de la guitare 1925 Picasso

cubiste à nouveau en 1925 avec Pierrot jouant de la guitare (Peinture cubiste) 

 

 

 

Composition aux trois figures Académie néocubiste 1926

en 1926 néo cubiste inspiré par Picasso avec sa 'composition aux trois figures."Académie néo cubiste

Les Efforts stériles Petites Cendres 27-28 Picasso

en 1927-1928  surréaliste il est inspiré par Miro, Tanguy, 'Les Efforts stériles. Petites cendres' ce tableau commence à ressembler à du Dali  avec ses phobies, Vénus tronquée, têtes coupées, attributs sexuels, animaux morts.  

1929 rencontre Gala, sa première expérience sexuelle féminine, l'amour de sa vie .

  Dali a des thèmes récurrents qui deviendront des obsessions : les oeufs sur le plat viennent de sa vie utérine

Oeufs sur le plat sans le plat 1932

(paradis utérin couleur du feu de l'enfer orange et rouge, mou et gluant), ses yeux qui enfant l'emmènent déjà dans le monde du rêve, visages-rochers, coquillages-objets qui se mêlent aux images de ses livres d'enfant. Dali s'amuse avec les formes, les assemblent, les enchâssent l'une dans l'autre et émerveillent notre regard qui se démultiplie, découvre d'autres formes, d'autres images

Dali Apparition d'un visage et d'un compotier sur une plage 1938

 un tableau dans le

Buste de Voltaire détail Dali 1941

tableau. Il souhaite ainsi créer une autre réalité qui relaie celle où nous vivons estimée illusoire. 

scatologie, doigts phallus, lèvres vagins,

Guillaume Tell 1930 détail

lions qui symbolisent la terreur

G Tell détail fourmis et âne

 fourmis, sauterelles,

Bureaucrate et machine à coudre 1933 détail homard

homards ou langoustes, oeufs, oursins (symbole du dur pour sa carapace) qu'il adorait manger, montres molles( symbole du passage du temps) encrier avec plume, le dur et le mou, tout chez Dali est soit sexualité, soit pourriture, en gros, en gros !!!  Il est sacrément obsédé par le sexe, surtout phantasmé d'ailleurs plus que concrétisé, et par la mort sous toutes ses formes.  

Gala eut le talent de se faire aimer par 3 grands artistes, Paul Eluard, Max Ernst et Dali. Gala au port de tête altier, au corps superbe, au regard intense.

Gala et Dali

Assumpta corpuscularia lapislazulina détail Dali 1952

L'Ascension du Christ

 

Je terminerai avec 2 peintures que j'aime particulièrement, un hommage à Vélasquez

Vélasquez peignant l'infante Marguerite avec les lumières et les ombres de sa propre gloire 1958 Dali

La Madone de Raphael à la vitesse maximum 1954

que Dali admirait et une Madone raphaélique revisitée par l'extravagant peintre.

A vous revoir, encore, Monsieur, en plusieurs fois.

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21 février 2013

Graffiti

Pour une exposition vente au profit de SOS Racisme, l'Art Graffiti s'est exposé au Palais de Tokyo pour notre plus grand plaisir durant 4 jours, couleurs vives et joyeuses, peinture à la bombe (Pressure Art ou Pressionnisme), marqueurs, collages, acryliques sur toile, pastels, peintures à l'huile, aérosols, encres sur lin, feutres, laques, craies à l'huile sur toile de lin, charbons ... Le graffiti est sur les murs, mais acquiert ses quartiers de noblesse grâce aux toiles. L'art né de la rue est dans les musées et participe pleinement à l'Histoire de l'art.

Peace in tle new 2012 EZO

Ezo né en 1963 à New York commence à peindre les métros, intègre une école d'art et de design.

Magnification in color 2012 COCO 144

Roberto Gualtieri dit Coco 144 est né en 56 à Harlem, il est l'un des premiers artistes graffiti à entrer dans le monde de l'art.

LADY PINK Breakdancing mom ans don

Sandra Fabara dit Lady Pink née en 1964. Se consacre en 85 à des fresques sur commande et à des peintures sur toile. Dirige sa société de fresques à New York avec son époux graffeur, Smith.

Drippin Martin Luther King 2012 LAZOO

Lazoo est né à Paris en 1969. Il utilise des pochoirs sur les murs dès 86. Sa peinture est visible aujourd'hui en galerie dans plusieurs pays.

La France est colore NEBAY

Nebay né en 1973  en région parisienne commence  par le tag (au marqueur) puis découvre le graffiti (bombe). Passage à Berlin et New York. Exposé depuis 2003.

La fleur du mal NEL

Nel né en Seine Saint Denis en 1971. Fonde avec Arem le collectif TAP composé de tagueurs issus de Stain et de la Courneuve.

PSYCKOZE Tranformoz

Psyckoze né en 1969 tague dans les rues, les catacombes.

Cité of dream dyptique 2012 SONIC

Sonic  américain  connu pour ses lettres pliantes qui peuvent se transformer en personnages, l'un des pionniers.

Best friends 2012 Ramon Martins détailBreak The Wall 2012 BRUCE

Décrochons la lune SAN ONE détailCOLORZ inefacable détailCOPE 2 Limelight détail

How it would be tomorow TINHOdétail2Some thoughts 2012 KASHINKDIZE Human Race 2012Exotica 2012 KOOL KOOR

Yves Saint Laurent ASHMarron glacé FLIPSilver piece HERBERT BAGLIONESpot 2012 CYCLESpot détail CYCLEHerbert Baglione né a Sáo Polo me plaît partiSans titre BLADEPlay-ball 2012 REVOLT

culièrement, Flip avec son marron glacé, lui aussi né à Sáo Paulo joue comme Baglione avec l'abstraction, le jeu des couleurs et des ombres. Tinho né au Brésil d'un père japonais a commencé comme tous d'ailleurs dans la rue, a suivi une école d'art, est professeur d'art et utilise tout son talent pour montrer ce drôle de monde où nous vivons 

Cette exposition éphémère m'a mise en joie, soleil et couleurs, elle place l'art urbain au même rang que les autres courants. Bien sûr, tous ne sont pas aussi talentueux, beaucoup ne sortiront pas de l'anonymat, beaucoup n'utilisent cet art (pas si nouveau d'ailleurs) que comme moyen de protestation, sans aucun don, mais au final, presque tous s'en sortent, les années passant, d'une façon ou d'une autre, les talentueux arrivent à percer, les autres s'assagissent; une vision assez réconfortante au fond qui dans notre 21ème siècle très tourmenté ne fait pas de mal.       

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07 janvier 2013

Edward Hopper 1882-1967

autoportrait Jo Hopper 1956

Moi, Josephine Nivinson Hopper dite Jo, j'ai tenu à jour les registres d'Edward Hopper depuis 1924, date de notre mariage,  jusqu'au dernier jour d'Eddie en 1967; il s'agissait au début de tenir un inventaire de ses oeuvres, et des ventes.

Croquis d'un régistre , commentaire de Jo

 Une fois ses tableaux peints, Hopper en réalisait une esquisse et les annotait d'informations techniques, moi, je les commentais,  les agrémentais d'anecdotes sur notre vie. Avec le recul, je crois que c'était la façon de Hopper de m'intégrer à sa vie de peintre, et c'était ma façon à moi de communiquer avec lui. Je fus peintre moi aussi, de talent moindre que celui d'Hopper qui me fit de l'ombre, qui ne s'intéressa pas à ma peinture, ce qui rendit parfois nos relations tendues, ce qui me rendit parfois hargneuse, mais au final, je fus une excellente compagne pour Eddie. Il prit plaisir à la tenue de ces registres, et moi cela me permit de vivre à travers lui, par lui, pour lui.  Bien sûr mon tempérament excessif le fit souffrir, bien sûr son tempérament d'introverti me fit souffrir, mais au bout du compte, Eddie a laissé une belle oeuvre à la postérité où moi, Jo, je fus épouse,

 Hopper détailSummertime 1943 Hopper détail

 muse, coach, secrétaire, modèle, anti modèle et divertissante, oui car je l'ai amusé longtemps Eddie, lui le taciturne, l'introverti... Le reste, mes réflexions acerbes, ses silences qui me tuaient, l'incommunicabilité qui en résultait, tout cela a disparu avec nous. Hopper a fait ce qu'il aimait le plus, peindre, moi je l'ai secondé du mieux que j'ai pu, j'ai continué à peindre aussi toujours. Notre mariage tardif ne laissa aucune place à une descendance, les registres furent nos enfants.

Lui, Edward Hopper est né en 1882 dans une famille dont le père commerçant assure une vie agréable, passionné de lecture, il transmettra ce goût de lire à son fils, quant à la mère, elle l'initiera  à l'art et au théâtre. Il dessine depuis toujours, il aime la solitude très tôt, c'est un contemplatif qui observe minutieusement les êtres, la nature ville, campagne, mer. Il est un géant perdu au milieu des autres, il construit son monde à lui. En 1900, à 18 ans, il entre à la New York School of Art où il restera 6 ans. Les cours d'illustration suivis l'année de ses 17 ans lui permettront de gagner sa vie en temps que dessinateur publicitaire de 1910 à 1924; 1924 année où le succès arrive enfin, il a 42 ans, il vient d'épouser Jo, âgée de 41 ans. Ce n'est pas le grand amour entre lui et Jo, mais heureuse association où lui peut se reposer pour tous les détails pratiques sur Jo, où elle trouve un autre sens à sa vie, assurer la promotion de son peintre de mari, tout en espérant pouvoir donner à sa peinture une notiorété qui lui manque; ce sera moins réussi de ce côté, mais qu'importe, Jo peindra, vendra ses toiles pour rien, arrivera à tenir une petite galerie un temps.

Couple Drinking Aquarelle, mine de plomb

Parisian détail

A Paris Hopper découvre ou redécouvre les peintres comme Courbet, Degas qu'il apprécie,  l'ensemble des impressionistes et ceux qui les suivent, mais sans grand intérêt de sa part. Lui, Hopper, c'est un indépendant, un qui suit seul sa route, ne tient compte d'aucun courant. A Paris, il croquera au propre, comme au figuré les parisiennes, les sites parisiens, Le Louvre, les ponts, les quais ... De retour à New York 

Cowboy- Hopper 1906-1914

il illustre pour s'alimenter ... il prend plaisir aux gravures qu'il exécute entre 1915 et 1928, 26 images.

Summer Twilight 1920 Hopper

Train and Bathers 1920 Hopper

En 1914,

Soir bleu 1914

Soir Bleu sera décisif pour Hopper, c'est à la fois un adieu à Paris et un prémice au monde d'Hopper tel qu'il le conçoit, lui clown blanc grimé, eux, faces inexpressives maquillées à outrance pour les femmes, Hopper aime ce côté féminin canaille qui le fait fantasmer, décor minimal, importance des Eléments, ici l'air dans un ciel-mer-air. Cette toile n'aura aucun succès, contrairement aux gravures qui se vendent bien. En 1921, il commence à dessiner des nus, y peint des femmes aux courbes voluptueuses, lui le timide s'extériorise par la peinture. Il aime opposer les rondeurs féminines aux angles des murs, il aime ouvrir les fenêtres ,Hopper, sur l'intimité des êtres  Il peint aussi Joséphine, souvent même si la caricature parfois n'est pas loin, pour la faire bisquer ? qui sait, Hopper a ses faiblesses lui aussi ! Il peint Hopper, le couple dans sa solitude, de toutes façons chez Hopper, tout est par nécessité, solitude,

Ground Swell 1939

Corn Hill Truro 1930 Hopper

il préfère les paysages naturels, la mer, les villas 'Maison près de la voie ferrée, dont Hitchcock s'inspirera pour la maison Bates de Psychose,

Maison près de la voie ferrée

il aime le cinéma, la scène, le théâtre, et ses tableaux sont des mini représentations, les visages  sont vides, à nous de combler ce manque voulu à notre gré, et les critiques ne s'en privent pas : que d'interprétations sur les tableaux de Hopper ! 1941, il peint Girlie Show

Hopper

 c'est Jo en effeuilleuse, c'est Jo rajeunie, grandie, plantureuse, c'est Jo fantasmée, c'est Jo et ce n'est pas elle. Hopper est un homme qui semble se suffire à lui même, son besoin des autres est utilitaire, mais pas que ...car rien n'est simple là non plus, il représente à nouveau Jo dans  11 ans plus tard dans Morning Sun, elle a 69 ans Jo, elle est encore belle, sans fard, naturelle comme elle

Morning sun Hopper 1952 détail

Josephine Hopper

aime l'être, un peu seule, un peu triste, mais bien présente, hommage d'Eddie à sa femme. Il aime le silence, la solitude, Hopper, le vide d'une pièce au soleil qui joue avec les ombres, une pièce vide à remplir de ce que vous voulez.

sun in an empty Room 1963 Hopper

 Hopper vieillit, il a des ennuis de santé, Jo l'aide fidèlement. Hopper prépare sa sortie, en 1966 Two Comedians

two comedians 1966 Hopper

 clôt le théâtre de sa vie inauguré par le tableau de 1914 Soir Bleu. Jo et lui même font leur ultime révérence, Edward Hopper en 1967, Joséphine Hopper en 1968. Elle aura eu le temps de léguer au Whitney museum à New York l'intégralité des oeuvres, documents, régistres, journaux

photo de L Dahl-Wolfe 1932

intimes.  

Une oeuvre qui ne figure pas dans l'exposition du Grand Palais et qui donne, je trouve, une autre vision de la peinture d'Hopper, un autre chemin à suivre ...   comme quoi, tout n'a pas été dit sur Hopper, rien n'a été dit. Le silence, parfois, c'est bien. Reclining Nude 1924-1927 Hopper

    

 

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18 décembre 2012

Hokusai 1760-1849

Un autre nom est associé à Hiroshige, associé donc aux impressionnistes, alors je suis allée vers lui, au musée Guimet qui présente un tout petit échantillon de son immense production. Mais cela se déguste petitement, cela s'apprivoise petit à petit, l'estampe japonaise !

C'est un monde inconnu de moi, une culture mystérieuse, un voyage spirituel à faire, plusieurs rencontres à faire, à mon gré, à mon rythme, quand je veux, quand je peux. Hokusai né en 1760 est un enfant d'origine inconnue, adopté. Il acquit une culture en travaillant comme commis dans une bibliothèque, entra en apprentissage à 14 ans chez un graveur sur bois : une vie vouée à l'art où il devint l'un des principaux représentants de l'ukiyo-e dont il arriva à s'échapper, pourtant, un ukiyo-e à sa façon. Peintures, dessins, estampes, livres illustrés constitue une oeuvre gigantesque incalculable. Ses thèmes préférés seront le mont Fuji, la mer, les personnages et les plantes. Ses visages sont particulièrement expressifs pour l'époque, ses femmes souples et gracieuses. L'influence occidentale se manifestera par l'usage de la perspective, les effets de clair-obscur, les ombres. 

Le musée Guimet présente actuellement 40 des peintures, estampes, dessins d'Hokusai. 

Hokusai 1830 Guerrier détail

A l'encre de chine, veille un guerrier sur son cheval cabré, matez donc le visage au regard acéré et mystérieux (si, si)du guerrier, des yeux de faune.

La vague,  des 36  vues du mont Fuji.

Kajikazawa dans la province de Kai- Hokusai

La grande vague 1830-32 Hokusai

Hokusai 1833-1834

En réalité des mille vues, Hokusai n'en réalisa que dix, chacune mettant en scène la vie des pêcheurs.

Démon de la jalousie riant 1831 Hokusai

Spectre d'Oiwa 1831 Hokusai

Issus de la série Cent Histoires de fantômes,  2 aimables spectres.

Hokusai musée Guimet

De celui là, je ne me souviens plus du titre, une histoire de filles qui dansent pour les garçons, je crois, peut être ! mais j'aime le raffinement du trait des visages, vêtements ....

Hokusai peindra jusqu'à la fin de sa vie, il meurt en 1849.  

Hokusai Autoportrait à l'âge de 83 ans 1842

 

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12 décembre 2012

Yue Minjun

yue Minjun 2012

Peintre né en 1962 en Chine, a d'abord dû travailler pour une entreprise de pétrole, à 23 ans en 1985, il va étudier l'art à l'école normale de Heibei, puis s'installe dans un village d'artistes marginaux et contestataires près de Pékin. Il fait partie du courant dit réalisme cynique, courant en opposition à la peinture propagande du pouvoir politique, qui, après les évènements du printemps de 1989 de la place de Tiananmen qui engendrèrent un nombre important de victimes, figea le processus de libéralisation entamé dans les années précédentes. Yue Minjun choisit alors de mettre le rire en avant, démesuré, exagéré, outrancier, monstrueux, caricatural. Il dit exprimer ainsi le tragique et le douloureux par l'intermédiaire du rire qui devient rictus, grimace, masque.     

Un des tableaux les plus connus de Minjun, un qui a établi un record de vente pour un artiste chinois 

Manet

 

Goya

 

Picasso

Exécution

 Exécution est sans doute célèbre car il fait référence à ceux de Goya (1808), de Manet (1867), de Picasso (1951), revu, corrigé à la manière universelle en somme de Yue Minjun un seul visage pour n'importe quelle exécution, un seul visage qui associe les bourreaux aux victimes, un humain contre un autre humain, vous, moi, lui ...  ses tableaux de cette époque (90-2000) représentent toujours un rapport de force, l'humanité contre les armes, contre la dictature politique qui muselle la pensée.     

 

Yue Minjun peint dans un style comique des situations tragiques, douloureuses. Cela provoque au début le rire des spectateurs, mais si le regard persiste, on ne voit plus que le tragique qui s'impose.  Quand il était enfant, faire la queue, porter les mêmes habits que les autres, participer aux activités collectives lui était normal, en grandissant il s'est rendu compte que cette forme d'esclavage imposée par le régimeEverybody Connect to Everybody était

insupportable à vivre, et c'est ce qu'il choisit de montrer en peignant ses tableaux qui sont une accumulation de ce qu'il a vécu. 

 

Sky d'Yue -Minjun 1997

 Une évolution, le rire laisse place à un monsieur tout le monde qui rit encore, mais

Yue Minjun

prend un peu de liberté.

Une période où Minjun peint des labyrinthes vers 2007/2008,

mao xinglan

 qui posent une question : Le peuple chinois arrivera t'il à s'extirper de sa propre culture ?

      

 Et puis, une période de tourment pour le peintre, alors il a peint une feuille, l'a froissée puis redéployée, MinRe-Portrait 2012 Yue Minjunjun exprime par son art le ressenti de son tourment, le disloque et s'en débarrasse ainsi, sinon il serait devenu une souffrance,

 

 

  

cet autre tableau qui rappelle un peu Bacon, est une autre manière de s'échapper, de cet art cynique peut être, qui risque de l'enfermer ... alors il recherche d'autres possibilités ... 

Le rire s'est peut être éclaté ....yue 4 à voir à la Fondation Cartier

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11 décembre 2012

Van Gogh

On a en général une vision fort réductrice de Van Gogh, ses troubles psychologiques, son oreille coupée lors d'une altercation avec Gauguin, sa relation fidèle à son frère Théo, Anvers sur Oise, Gachet, son suicide. La Pinacothèque choisit elle de réduire son inspiration et établit un parallèle avec l'oeuvre de Hiroshige pas forcément convaincantHiroshige.

 

Le japonisant est bien sûr à la mode, et les peintres de l'époque vont plus ou moins japoniser, comme ils ont académisé avec les classiques,  les rois de l'académisme comme Thomas, Couture, Gérôme, avant de les rejeter ... et puis ceux qui sont plus talentueux, plus créatifs, plus doués, moins peureux, vont trouver leur style propre, celui qui nous fera reconnaître la patte du peintre. Pont basculant à Nieuw-Amsterdam 1883

  Le pont supendu est il japonisant ?

Vincent séjourne après sa séparation avec Sien, à Nieuw Amsterdam, dans un pays qui lui ressemble à ce moment là, désolé, couleurs pâles, eau qui domine, lumière faible, Vincent réussit fort bien les aquarelles. Si le Japon doit l'influencer, ce n'est pas dans cette aquarelle là, quant au pont sur le canal, il ressemble à beaucoup de ponts suspendus qui ne manquent pas en hollande.  Van Gogh était très érudit, doté d'une famille cultivée aisée qui comptait outre des Vincent en pagaille, de nombreux marchands d'art, ajoutez à cela que la mère de Van Gogh avait un fort joli coup de crayon, et qu'elle initia son fils au dessin. Vincent naquit 1 an après un premier Vincent mort-né, première ombre au tableau. Plusieurs Van Gogh sujets à des dépressions, deuxième ombre au tableau. Le père, pasteur, médiocre dans sa fonction, ce qui ne le sortit pas de son austère et anxieuse tristesse naturelle, troisième ombre au tableau. Un caractère d'insoumis, un physique de roux fort peu apprécié à l'époque, un internat forcé considéré comme une exclusion du milieu familial, voila pour les ombres de Vincent. Ensuite, il y eut la difficulté constante à se faire aimer d'une femme, ensuite il y eut cette obstination à vouloir être pasteur comme son père, il y eut beaucoup d'échecs chez Vincent qui eurent un double effet, l'un négatif à s'isoler du monde, à ruminer, à "criser à la folie", mais l'autre positif, à extérioriser son amour de la nature, son amour des humbles dans la peinture (comme dans la vie d'ailleurs) puis à vivre au final le bonheur par sa peinture. Il fréquentera toute sa vie les peintres et les livres. Alors, tout l'a inspiré Vincent, les peintres hollandais, les français, les japonais, en vrac Israels, les 3 frères Maris, Mauve, les 3 Cuyp, Rembrandt, Millet, Corot, Hiroshige, Hokusai, Monticelli, Rubens,Hiroshige Vue d'Ueno 100 vues célèbres d'Edo

Anquetin, Seurat, Signac etc etc ....  En  1887 Van Gogh rencontre Gauguin, en 1888 Vincent est en Arles, il y recherche la lumière, sans doute la lumière et les couleurs gaies, c'est un peu le Japon des fresques japonaises question atmosphère, lieu de plaisir pour la caserne de zouaves, le pont de Trinquetaille autre pont suspendu, les arbres fleuris. Van Gogh se met à peindre des tableaux de vergers en fleurs, car il a besoin d'argent, Van Gogh, et à juste titre puisque le Japon est à la mode, et bien il fait des arbres à coups de brosse, hachés, discontinus, son trait à lui.Pins au coucher du soleil 1889

 

 

 

 

 

Des japonais, il retiendra le trait fin, précis, qu'il fera lui, Van Gogh, haché, virevoltant, en mouvement perpétuel, tourmenté; des impressionnistes il apprit la couleur; de Monticelli, il retiendra le contraste des explosions de couleurs en pâte, il n'était pas bégueule Van Gogh, il prit tout ce qu'il pouvait prendre des peintres qu'il rencontra, il s'en imprégna, et aboutit à sa peinture si reconnaissable, si particulière. 

Delacroix Le bon samaritain

 

 

Un petit dernier, Le Bon Samaritain, copie de Delacroix est il plus japonisant que van goghien copie Delacroix ? 

 

Le Bon Samaritin Van Gogh

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Des paysages de Van Gogh dont les couleurs éblouissent, la lumière de Van Gogh ... l'exposition modeste de la Pinacothèque vaut le déplacement rien que pour cela. Elle nous vaut aussi une rencontre japonaise, alors on ne boude pas son plaisir, on en pense ce que l'on veut, mais on y va. Paysage aux gerbes de blé sous la lune 1889

Route de campagne en Provence la nuit Van Gogh

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03 décembre 2012

Hiroshige 1797-1858

L'ukiyo-e, terme japonais qui signifie images du monde flottant, le monde qui passe, est un courant artistique datant du 16ème siècle qui produit des estampes servant initialement à illuster des récits, et qui rapidement sera un art à part entière. La société japonaise évolue au profit d'une bourgeoisie citadine  qui va découvrir le tourisme. Les artistes peindront les lieux visités, tels les Monts Fuji et Oyama, les cultes religieux, les lieux de pélérinage. Cela génèrera un marché économique nouveau, où restaurants, maisons de thé, éditeurs d'estampes deviendront prospères.   

 Le XIX ème siècle dans sa seconde moitié artistique délaisse le clacissisme, va peindre en pleine nature, avec ses tubes de couleurs, puis en réaction préfère peindre en petites touches de couleurs, laisse place aux émotions et découvre aussi l'art japonais, avec ses paysages, ses personnages, ses scènes de vie délicatement dessinées, aux riches couleurs. Les impressionistes sont sensibilisés à cet art, et beaucoup s'en inspireront un temps, Monet, Renoir, Mary Cassatt, Degas, Van Gogh, Cezanne, Toulouse-Lautrec, Bonnard, Henri Rivière 1864-1951, Pissaro ...

La Pinacothèque nous illustre à sa façon un peu trop partisane à mon avis cette tendance japonisante chez Van Gogh ..2 lieux différents, l'un consacré à Van Gogh avec des reproductions des estampes de Hiroshige, l'autre consacré à Hiroshige.

Utagawa Hiroshige 1797-1858

5000 estampes, 120 livres illustrés; Issu d'une famille cultivée et aisée, Hiroshige a intégré un atelier d'estampes, élève d'un Utagawa Toyohiro,  spécialiste de vues célèbres. Sa notoriété commencera quand son oeuvreRive du fleuve ÖI à Kanaya

Les 53 étapes du Tôkaidô sera éditée en 1833-34. Le Tôkaidô est une route célèbre reliant Edo (Tokyo) à Kyoto, 500 km qui longeait la mer et nécessitait 15 jours de marche. A chaque étape, il y avait un temple, une auberge, une maison de plaisirs. Cerisiers du soir à Nakanochô dans le Yoshiwara détail

Cette bande dessinée en 2 volumes eut un succès immédiate. 

69ème station Kusatsu détail

 

 

 

 

 

 

 

Fort de ce succès il se mit aux 69 étapes du Kisokaidô, avec un ami Eisen.

 

 

 

 

 

Plus longue, plus difficile cette route 65ème station Takamiya détailétait empruntée par des moines, des pèlerins des samouraïs.  

Et puis pour terminer sa carrière, pour clore sa vie, et pour le plaisir, Hiroshigue réalisa les 2 dernières années de sa vie, les 100 vues célèbres d'Edo. Il privilégia la perspective, les couleurs, rouge et bleu de Prusse, les paysages, au détriment de la réalité historique.     

    

 

Pluie soudaine à Shôno détail

C'était pour moi une première vraie rencontre avec l'art japonais. La foule dont je faisais partie fut difficilement conciliable avec une étude même superficielle des oeuvres, je ne suis pas patiente, faire la queue pour voir une oeuvre m'insupporte !!! A refaire donc un autre jour, autre lieu, si l'occasion m'est donnée à nouveau.    

série des 100 vues célèbres d'Edo

 

 

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10 octobre 2012

Henry-Eugène Delacroix

La Lutte pour la vieHenry-Eugène Delacroix.

Un autre naufrage sans doute où il ne fait pas bon d'être femme ! Néo classique le style, si différent du radeau de la Méduse, naufrage dont  je ne connais pas l'histoire, les plus forts restent à bord, les femmes nombreuses au demeurant sont éjectées avec force mais s'échouent gracieusement, voluptueusement, charnellement, sensuellement ... toute peinture a son histoire, celle là mériterait que l'on en connaisse plus ... au diable les métaphores supposées, les symboles possibles ... bien sûr, il ne s'agit peut être que d'illustrer ainsi une des théories de Darwin 1809-1882( La loi du plus fort), peut être est elle sexualisée : hommes prédateurs se battant contre femmes proies et concurrents possibles ..... 

on constate quand même une certaine jouissance du peintre à manipuler les corps, à mettre en valeur les muscles masculins, les rondeurs féminines ...

 

    Détail

 

 

 

le repentir est une partie du tableau retouchée par le peintre

Henri-Eugène Delacroix  Henry Eugène Delacroix est né à Solesmes le 16 janvier 1845 de Henry Delacroix et d'Eugénie Ménard. Il fera les Beaux Arts à Paris et aura pour maître Cabanel, c'est dire qu'il est classique, il peindra moults fresques décoratives, pour la salle de mariage de L'Hay les Roses, pour la mairie de Solesmes, pour l'église Saint Julien de Saint Lys en Haute Garonne et sans doute pas mal d'autres lieux, ce peintre connut une notoriété certaine. Il meurt en 1930

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09 octobre 2012

Théodore Géricault

Pas aisé de voyager quand on est un tableau, fragile, qui mesure  7 mètres de largeur, pour une hauteur de 4m91, alors on ne voyage pas ! Le Radeau de la Méduse est donc resté au Louvre, seules les études préparatoires nombreuses ont fait le voyage, de Lille, de Paris, d'Angers, de Montauban , de Montpellier....

Tête d'étude d'après le modèle Gerfant

Pourquoi Géricault à Clermont ? Fin 1860, le duc de Morny donne à la ville de Clermont une étude de tête de Géricault pour le tableau de la méduse. Ce tableau connaîtra l'oubli jusqu'à même faire douter de son authenticité. Je passe les batailles d'experts .... Restauré, à nouveau attribué à Géricault, cette tête d'étude sert de prétexte à nous faire découvrir la démarche d'un peintre qui décida d'immortaliser un drame maritime scandaleux.

 

Géricault a longtemps travaillé à son tableau par une production de croquis, esquisses, tableaux réalistes de membres amputés provenant des cadavres de l'hôpital,

Fragments Anatomiques Etude musée Fabre

 

il a utilisé comme modèles, outre les cadavres, des rescapés du nauffrage comme Corréard et Savigny, des amis malades, des rapins et enfin des modèles professionnels . Son tableau final sera plus idéalisé, plus classique, mais les couleurs cadavériques, les expressions de Etude du pèreEtude du père tenant son fils sur les genoux mine de plomb et crayon noir

 

Tête d'étude pour le père du Radeau de la Méduse

Père du radeau de la Méduse

souffrance le distinguent d'un tableau néoclassique.     

 

Le drame maritime : En 1816, Louis XVIII est roi, les ultra-royalistes s'imposent et s'opposent aux libéraux. Le 17  juin 1816, La Méduse embarque  pour le Sénégal avec 396 personnes parmi lesquels, Savigny chirurgien, Corréard ingénieur géographe, 2 compagnies du bataillon d'Afrique où se mêlent Hommes de toutes les couleurs, cette frégate est sous les ordres d' Hugues Duroy de Chaumareys, ancien émigré officier de la vieille marine royale qui n'a pas vu un bateau depuis 25 ans. La Méduse est accompagnée de 3 autres bateaux L'Echo, l'Argus et la Loire.

Etude pour Corréard et Savigny

A la suite d'une erreur de navigation, La Méduse s'échoue sur du sable sur le littoral mauritanien, précisément sur le banc d'Arguin le 2 juillet.   Le 3 juillet pour suppléer au nombre insuffisant de canots, un grand radeau est construit, la Méduse le remorquera. Ordre est donné de couper les amarres et le radeau sur lequel 147 passagers se sont installés est laissé à la dérive. Dans la nuit du 6 au 7 Juillet, imbibés d'alcool, les nauffragés se battent, soldats contre notables dontEtude pour Savigny et Corréard

 Corréard et Savigny font partie. 45 passagers sont tués. Quelques naufragés affamés consomment des lanières de peau séchées des trépassés. Dans la nuit du 8 au 9 une nouvelle tuerie élimine une bonne soixantaine des sinistrés. Le cannibalisme se généralise et le 13 juillet, les valides jettent à la mer les blessés : la cantinière Marie Zaide seule femme à bord du radeau en fait partie. Le 17 juillet, l'Argus sauve les 15 survivants, 5 mourront peu après. Savigny fait un rapport du naufrage.  Chaumareys est mis aux arrêts en Octobre, il sera condamné à 3 ans de prison. Savigny et Correard publient un récit qui fera sensation en Novembre 1817.

La Mutinerie sur le radeau

Géricault le lit, rencontre les 2 rescapés. En 1818 il louera un atelier près de l'hôpital Beaujon, et commencera à faire plusieurs études,  il reconstituera une maquette du tableau. Fin août 1819, il expose son tableau au Salon, sous le nom de 'Scène de naufrage'. 

Scène de cannibalisme étude détail

Théodore Géricault est né en 1791. Père avocat. En1808, il hérite de sa mère. Il fréquente en secret l'atelier de Carle Vernet 1758-1836, peintre d'histoire et de chevaux durant 2 ans, puis celui de Pierre Guérin 1774-1833 autre peintre d'histoire néo classique, il rencontre dans son atelier Eugène Delacroix en 1815-16. En 1812, il hérite de sa grand mère ce qui lui assure son indépendance financière. De caractère ombrageux, il se fait exclure des Beaux Arts. 1814 c 'est sa période équestre, engagé dans la garde nationale à cheval de Paris, il peint en même temps plusieurs équidés. Puis balade à Florence, Rome, Naples. En 1817, il s'intéresse au naufrage de la Méduse.

Le Radeau de la Méduse L'Argus en vue (2ème esquisse)

 Fin août 1819, exposition du tableau au salon.  Côté politique, Géricault est tendance ultra-libérale, son tableau est une sorte de manifeste politique et social. Il est plus qu'un peintre d'histoire, il prend position pour les exclus, les indigents.  Après le Radeau, il envisageait une composition représentant la traite des noirs, mais l'état de santé de Géricault va se dégrader progressivement à partir de la fin de 1819, dépressif, atteint d'une tuberculose osseuse,  chutes de cheval qui entraineront des opérations mal supportées, Théodore Géricault connaîtra une fin de vie  longue et source de souffrances. Il meurt à 32 ans en Janvier 1824.

Etudes de Noir pour le Radeau de la Méduse (détail)

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28 septembre 2012

Lucien Gires

Son père était sabotier à Saugues, sa mère qui venait d'une famille de tailleurs de pierre sut cultiver les talents artistiques La Tour des Anglais Huile sur toile

de ses enfants, Joseph, Louis et enfin Lucien le dernier né en 1937 à Saugues.  Zélina Gires aida souvent son fils, à tirer des affiches, à coudre des vêtements pour les personnages du diorama de Saint Bénilde. Lucien Gires se disait artisan.

Lui qui savait tailler le bois, la pierre, lui qui savait peindre, dessiner,  commença à faire des affiches pour les bals, les fêtes votives, son premier vrai travail fut de participer à la réalisation du Diorama St Joseph à Espaly avant l'armée où il apprit la technique de la sérigraphie. Le maire de Saugues lui loua la Tour des Anglais La forêt nourricière

La Forêt nourricière détail

Les saisons

à charge pour lui de la rénover. Il en fit son atelier. 

Il peint les paysages saugains, il peint les anciens métiers. Il peint sur toile, sur jute pour l'église de Saugues, il sculpte des Christs. Il peint des portraits de saugains. Lucien Gires est avant tout un peintre de la mémoire de Saugues et de ses habitants. 

L Gires

En  1989, il s'attaque à son ultime projet :

 Le musée de la bête du Gévaudan qui lui demandera 5 ans de démarches diverses avant de commencer à le concrétiser  en 1995. Sa fille Blandine lui sera d'une aide précieuse. Le musée ouvrira en 1999.

A l'office du Tourisme de Saugues, cet été ont été exposés une dizaine de ses tableaux. Lucien Gires artiste altiligérien est mort en 2002.

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