05 février 2015

Marcel Gromaire 1892-1974

Celui là, chère Anthologie de la peinture (une de mes références vénérées) je l'avais oublié, certes une peintureLa Guerre 1925 Gromaire

'La Guerre' ne m'était pas inconnue, mais ne me donnait pas envie non plus d'aller plus loin, tant elle est rébarbative, par son sujet bien sûr, par le choix trop réaliste d'un style brut de pomme si j'ose dire, par ses couleurs un peu trop ternes. Bon, en même temps, ce sujet précis n'est pas fait pour faire envie ! alors c'est réussi Marcel, il n'y a rien à dire de plus. La guerre, il l'a faite Marcel Gromaire, blessé en 1916, il sera ensuite interprète auprès des américains à Saint Nazaire. Il peindra ces farouches soldats, automates pour tuer ou être tués, en 1925.  Et puis toujours au musée Carnavalet, un autre tableau de Marcel Gromaire ignoré de moi ou oublié je ne sais,Place Blanche Gromaire 1925

Place Blanche de la même année que La Guerre, aux couleurs plus éclatantes, au dessin un peu moins rude, mais tout aussi dérangeant par sa froideur figée; sa peinture reflète sa vision de la vie, où il dénonce : la guerre qui envoie les hommes à la mort, la misère ouvrière, les vices des bourgeois qui s'encanaillent la nuit, dans des bars aux bras d'une jolie femme indifférente et résignée à recevoir un hommage qui lui pèse mais qui la nourrit. Le corps de cette jeune femme irradie de clarté offert à la lumière et à tous, seul le visage fermé est assombri et désabusé. Marcel Gromaine se détendra d'ailleurs en peignant des nus féminins érotiques, aux formes fermes et rondes. Ses paysannes au bain, ressemblent plus à des naïades aguicheuses qu'à des paysannes, dans un décor digne du Douanier Rousseau.Les paysannes au bain

Personnalité multiple Marcel Gromaire. Il dénonce primitivement et rudement, il aime joliment presque mièvrement et oui, il aime les jolies femmes vénales ou pas; moins critique, plus bienveillant, plus décoratif, presque plus joyeux. Ses nus constitueront plus de la moitié de son oeuvre graphique. Un volcan sous un glacier, Marcel Gromaire. 

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30 janvier 2015

Robert Delaunay

Photo R Delaunay

Mari de Sonia Delaunay mais pas que .. elle c'est la pragmatique dans le couple, elle Disque (le premier disque) 1913utilise son art pour faire vivre le couple, elle assure les produits dérivés, reproduction de ses volutes multicolores sur tissus d'ameublements, manteaux, robes, lui Robert c'est le créatif obnubilé par la perception des couleurs par l'oeil humain qu'Eugène Chevreulcercle chromatique de Chevreul

(chimiste et directeur des laboratoires de teinture à la manufacture des Gobelins) étudia; ce dernier inventa la roue des couleurs qui représentent les trois couleurs primaires que sont le rouge, le jaune et le bleu, et les couleurs secondaires obtenues en mélangeant deux couleurs primaires. L'utilisation des couleurs fut transformée et ce sont les impressionnistes qui l'expérimentèrent. Robert Delaunay en fit son cheval de bataille, avec des carrés, des cercles colorés en faisant vibrer la couleur comme des notes de musique sur une partition, je vous l'accorde cette jolie phrase ne Soleil, Tour, Aéroplaneveut pas dire grand chose, mais je laisse la parole à notre peintre musicien ' je jouais avec les couleurs comme on pourrait s'exprimer en musique par la fugue. Son ami Guillaume Appollinaire invente à ce propos le terme orphisme, Delaunay préférera le terme de simultanisme : La juxtaposition de certaines couleurs crée une sensation que l'oeil interprète comme un mouvement. Et Delaunay donne du mouvement à ses toiles en les faisant parfois tournoyer; c'est intéressant et fort décoratif.Champ de Mars La tour rouge 1911 reprise vers 1923

Travail sur les villes  la tour Eiffel, la ville de Paris, l'église Saint Séverin.La ville de Paris 1912

Cela flirte avec le cubisme, mais c'est plus vivant et coloré et ça bouge plus, ça swingue ! Robert Delaunay qui est né en 1885 est une sorte de fils à papa en opposition à son père, ce qui est incontournable, alors il sera anticonformLa Ville 1911iste tout en gardant un dégoût certain pour tout ce qui concerne les contingences matérielles de la vie, Robert Delaunay est un esthète plus intéressé par le côté épique de la vie que par son côté matériel. Autoportrait 1906 Robert Delaunay

il est certain que Sonia le protégera toujours de la réalité de la vie. Il est passionné par les performances technologiques que permet entre autres la fée électricité; du côté pictural, il touchera à tout ce qui l'entoure, impressionnisme, fauvisme, divisionnisme, cubisme, il s'intéressera particulièrement à la lumière, au mouvement, à la couleur : ' La lumière dans la Nature crée le mouvement des couleurs.' Bon, l'exposition que lui consacre Beaubourg est une ébauche restrictive, pour plus de détails voir le message consacré à Sonia Delaunay. Robert Delaunay fut réformé en 1916 et passa 7 ans en Espagne.St Séverin 1 1909

Il me faudra attendre une exposition plus complète pour bien saisir le peintre. Bien sûr après guerre il continua à peindre un peu, beaucoup moins cependant que ses jeunes années et s'attela à la décoration du palais de l'air à l'exposition universelle de 1937, mais ce ne sont plus ses années fastes, un peu d'usure sans doute  due à des problèmes de santé qui causèrent sa mort prématurée en 1941.  Allez un petit peu encore pour terminer ce message pas vraiment réussi, j'en conviens, un peu de froideur de ma part, la rencontre entre Robert et moi ne s'est pas vraiment faite. Un rendez vous à re-provoquer ... Quand vous voudrez monsieur !Les trois fenêtres la Tour et la Roue 1912

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12 juillet 2014

Lucio Fontana 1899-1968

Lucio Fontana

Comment  dire ? me plaît-il cet artiste là ? sa sensibilité est elle proche de la mienne ? m'enivre t'il ? que nenni, mais il m'amuse, me fait échapper des petits tracas de la vie, me divertit, me fait évader quelque part, comme lui fait évader sa peinture de la toile, alors oui, j'en re-demande encore de ces plaisirs là ...

Colombine 1948

Lucio Fontana est un extrême, mais pas que, d'un classicisme assez ordinaire parfois, et puis soudain carrément génial dans ce dégoulinement sculptural qui me réjouit et me ravit, oui, oui, oui. D'origine italienne, Lucio Fontana naît en Argentine en 1899. Son père est architecte et sculpteur. Lucio débute dans son atelier. Il donne dans un certain académisme au début de sa carrière,Fontana 1Fontana 3

Signorina seduta

mais se démarque par la matière, du plâtre rugueux, par la polychromie et par un je ne sais quoi de modernisme. Puis il passe par une petite phase abstraite de sculptures  qu'il ne poursuivra pas, une sorte de passage obligé peut être.AbstractionUn éclatement total dans la céramique de 1936 à 1939 assez jouissif pour moi, où il donne du mouvement avec talent à la matière.Fontana 4

 Lucio Fontana fonde en 1947 le spatialisme (Abandon de l'usage des formes connues de l'art pour le développement d'un art basé sur l'unité de temps et de l'espace) et déclare dans le Manifeste de l'art spatial (1951) 'Je ne veux pas faire un tableau, je veux ouvrir l'espace, créer pour l'art une nouvelle dimension, le rattacher au cosmos, tel qu'il s'étend, infini, au delà de la surface plate de l'image' source : Les mouvements dans la peinture- Isabelle Majorel et Patricia Fride-Carrassat.Fontana 13

Il y a du baroque et du futurisme dans l'art de Fontana. Fontana troue ses toiles en suivant des figures géométriques cercles, spirales. Il perce la toile, la terre cuite, le métal.Fontana 1953

A partir de 1958, il fend au cutter ses toiles où il cherche ainsi, dit il à dépasser le cadre du tableau, à donner une nouvelle conception de l'art. Il parsèmera ses toiles de débris de verre, d'or, d'argentFontana 7

 il jouera à multiplier les matières en forant des plaques en cuivre, laiton ou aluminium qui déforment l'espace dans leur miroitementFontana 10 1961

New York 1962

 Il rendra hommage à son père qui réalisait des monuments pour les cimetières et réalisera des crucifix en 1949Fontana 5

et ne pouvant représenter Dieu comme un humain réalisera ce qu'il nommait des 'Oeufs célestes'.

Fontana 8

Fontana 9

Fontana, c'est surprenant, un peu décalé, parfois excessif, c'est surtout très éclectique, avec une constante dans les matières, les formes et la couleur toujours présente. Les fentes succèdent aux trous de façon répétitive, c'est toujours le même but, pénétrer l'intimité en multicolore, donner à la toile une dimension dans l'espace en libre sensualité, sacré Lucio !

Fontana 12

Fontana 15

Fontana 16

 

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25 juin 2014

Antoine Watteau 1684-1721

Watteau détail

Homme du nord, né à Valenciennes sous le règne de Louis XIV. Son père charpentier-couvreur le met en apprentissage chez un peintre Jacques Albert Guérin à l'âge de 11 ans. Antoine Watteau montre déjà une grande habileté à crayonner gens d'armées ou de foires. A 18 ans, soit aurait suivi à Paris un  peintre-décorateur de théâtre à l'opéra de Paris, soit aurait travaillé chez un peintre Abraham Métayer puis chez un peintre marchand Etienne Derais pour faire des petits tableaux en série pour survivre. Il rencontre en 1704 Claude Gillot 1673-1722 dont il sera le collaborateur-élève jusqu'en 1708. L'élève surpasse le maître et entre chez Claude Audran III 1657-1734 décorateur attitré des maisons royales et princières peintre spécialisé dans les décors d'arabesque. Antoine Watteau les surpassera tous. On connaît peu de choses sur sa courte vie. On le dit de caractère ombrageux et instable, on dit qu'il change aussi souvent de logements que de toiles qu''il aurait tendance à vouloir terminer au plus vite  en mettant trop d'huile sur son pinceau afin d'étendre plus aisément sa couleur. On le dit un peu souillon ne nettoyant pas sa palette, et changeant rarement son huile d'un pot qui se remplissait de poussière, on en déduit aujourd'hui que Watteau devait utiliser un vernis à base de copal et non d'ambre, moins onéreux, et que pour cette même pingrerie, il utilisait de l'huile de noix moins chère et de moindre qualité. Ce mauvais usage explique que l'assombrissement de ses peintures ait nécessité de nombreux nettoyages pratiqués à l'alcool qui ont terni, craquelé, abîmé les peintures de Watteau. De sa vie intime, on ne connaît pas grand chose non plus, de bons amis, de bonnes brouilles, un relatif attachement à sa région d'origine, une santé chancelante assombrie par une tuberculose qui le tuera à l'âge de 37 ans.Watteau

Mais indéniablement, il existe un style Watteau, qualifié de Fête Galante (terme qui qualifie un style pictural utilisé par les successeurs  de Watteau)  où une multitude de petits personnages habillés somptueusement à la mode du siècle précédent, constituent des petites scènes de théâtre où l'on joue à la carte du tendre, un jeu d'amour superficiel, une sorte d'illustration d'un roman du XVIIè L'Astrée expliquent certains auteurs, une continuité plus raffinée des pastorales pour d'autres. D'inspiration vénitienne et hollandaise, cet art séduira immédiatement les collectionneurs ce qui contribuera à faire de Watteau un homme nanti à défaut d'un homme heureux. Il meurt prématurément en 1721 laissant la place aux autres peintres qui reprennent à leur façon ces fêtes galantes ... 

Watteau 2

Bien sûr, il faut remarquer la finesse du trait, la virtuosité des couleurs, un véritable catalogue de soieries, bien sûr il faut noter le côté théâtral de ces personnages, où Watteau peut être manifestait ainsi qu'il n'était pas dupe de cette douceur de vivre qu'il représentait, peintre académique, en vogue chez la noblesse, il s'est sans doute soumis à ce que l'on attendait de lui, mais laissant sa marque,

Statue détail Watteau

assez facétieux en ce qui concerne ses statues, plus charnelles et vivantes que ses personnages en représentation, Monsieur Watteau qu'auriez vous produit si la mort ne vous avait pas fauché prématurément ? Vous seriez vous un peu plus libéré encore ?

Le délicieux musée Jacquemard-André propose un parcours de Watteau à Fragonard jusqu'au 21 juillet 2014.      

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28 mai 2014

Martial Raysse

Portrait à géométrie convexe

De lui, on connaît le portrait de son épouse, fort belle d'ailleurs et sa Grande Odalisque verte et borgneMade in Japan - La Grande Odalisque 1964

 si kitsch;  en recherchant un peu on connaît aussi ces mises en scène très artificielles :Martial Raysse Portrait of an ancient friend 1963

les belles années 60-70, deux décades prodigieuses d'une jeunesse prometteuse qui se perdra dans le superficiel, les années pop ... Il y a du Pop'Art chez Martial Raysse, mais il fait partie de la bande à Yves Klein, celle du nouveau réalisme qui fait de l'art un manifeste sociologique, protestataire, contestataire. Il fait partie aussi de ceux qui ont un humour tendre, mêlant le classique des grands maîtres comme Ingres, Cranach l'Ancien, Tintoret, à l'hétérogéneité des peintres modernes connus et inconnus.

Martial Raysse Made in Japan

Martial Raysse

Raisse Beach détail Martial Raysse 1962

  Ce peintre en vogue dans les galeries d'art, rompra pourtant avec le monde de l'art officiel et suivra sa propre route, en continuant à mélanger les genres, en se révélant un grand dessinateur, un coloriste talentueux, un peintre au final assez surprenant.

mouche détail

La mouche évoque bien sûr les mouches des belles Dames du XVIII utilisées pour faire ressortir leur teint de neige, ici elle rappelle que nous sommes périssables, un petit clin d'oeil au monde moderne qui impose une apparence de jeunesse et de beauté éternelles. Martial Raysse aime reproduire les visages féminins : portraits quasi académiques, mais d'un vert si vert qu'il ferait vomir les anti-Renoir qui qualifiaient alors les carnations du vieux Maître cadavériques, d'un goût douteux et déplorable; portraits plus modernes, malicieux, pleins de vitalité, racontant une petite histoire, mais toujours beaux; il les maquille de néon, petit symbole clinquant de la vie moderne. Peinture à haute tension 1965

  La laideur existe chez lui, mais re-visitée, carnavalesque, hors du temps, fantastique, belle au final. C'est un peintre du beau, presque tout le temps, il joue jusqu'en 70 avec le chic et le choc, est dans l'air du temps, est très à la mode.Life is so complex

Raysse 1976

Après les années 70, Martial Raysse se détache des galeries d'art et réalise des images au pastel et à la détrempe sur papier, assez proches de la bande dessinée, et précurseurs des grandes fresques qu'il aimera produire vers 90. Puis, Martial Raysse retourne à l'antique et nous livre quelques tableaux aux tons bronze et vert assez surprenants dans leur réalisation, atypiques en somme.Série Spelunca 1977

 entremêlés toutefois de tableaux variés qui n'ont plus rien à voir avec rien, mais qui témoignent d'un autre savoir faire.L'ami des nuages 1982

Le coeur quotidien 1978

Montsalvatché 1984

Le pain et le vinUn Bacchus contemporain joue avec une Diane-Barbie sculptée très dévergondée.Le Bacchus de Sainte Terre

Sculptures

Dans les années 90, Martial Raysse retourne encore au classique qu'il n'abandonne au fond jamais, au traditionnel, au paysage

Ceux du maquis 1992 M- Raysse

La Source M-Raysse détail 1990

 puis il nous étonne à nouveau avec ses fresques où l'on retrouve des femmes sexy, des animaux mythiques, des personnages de théâtre grimaçants

Le carnaval à Périgueux Martial Raysse

et parallèlement il produit des petits visages de femmes mutins, petites histoires drôlatiques

Martial Raysse 2007

Martial Raysse 2008

Martial Raysse Séraphine

 et poursuit en 2000 les peintures murales aux couleurs vives, aux personnages burlesques, sexy ...Ici plage 2012

Riche, divertissante, colorée, époustouflante, cette exposition. Martial Raysse né en 1936 n'a pas fini d'étonner, et cet article n'est qu'une facette de son talent. Très diversifié ce peintre, sculpteur; les fils conducteurs de cette oeuvre polymorphe, car il y en a malgré les apparences, sont le rappel continu des maîtres de la peinture, l'humour toujours présent, les couleurs. Allez une petite dernière pour le plaisir ...

Re mon cher maîtreOne more timeRaysse 2007

Martial Raysse 3

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03 janvier 2014

Zeng Fanzhi

IMG_0521

Né en 1964 en Chine. 4 ans à étudier l'art de la peinture à l'huile, occidentale et orientale. Marqué par Bacon, Pollock, Soutine.

Connaissais pas ce peintre, mais en lisant une revue d'art, mon regard fut attiré par une peinture, façon Pollock version très soft, façon Rosa Bonheur version modernisée (les critiques eux évoquent Le Lièvre de DürerHare détail mais ce n'est pas ce que j'avais retenu de lui, bien qu'effectivement cela se rapproche plus du lièvre de Dürer que ceux de Bonheur, donc une peinture qui me plut et attisa ma curiosité. Alors pour approfondir la chose, me suis rendue au Musée d'Art Moderne pour visiter monsieur Zeng Fanzhi. En ai profité pour découvrir aussi Serge Poliakof, ce qui constitue un autre petit moment intéressant mais plus intellectuel, me demandant plus d'effort !!! j'ai d'ailleurs commencé par Poliakof; et puis suis allée me délasser chez Fanzhi, oui c'est ça me délasser et me divertir.Zeng Fanzhi 2012

La première salle, ce sont les dernières toiles 2013 c'est donc Le Lièvre et des grands polyptyques où traits, brosses, pinceaux, projections se mêlent jusqu'à former un esthétique et gigantesque fouillis de branches qui laissent entrevoir des univers colorés que vous interprétez à votre façon, moi j'aime bien cet apparent désordre au final très ordonné pour celui qui veut y entrer.

Z Fanzhi

 

Untitled 2012

un petit paysage de neige, et un éléphant-licorne assez surprenant, un éléphant blanc

Tai ping you xiang détail

évocateur d'un poème d'un certain Lu You (1125-1210), sur la paix et l'abondance.

détail 2012

La seconde salle, des humains remplacent les animaux, une femme, un nageur dans une nature luxuriante

night 2005 détail

swimming 2006 détail

annoncent les polyptyques, un portrait de Mao où le visage de Mao se brouille de traits sur la place de Tian'anmen rouge sang.Zeng Fanzhi

 La troisième salle est l'époque des Masks de 94 à 2004, Fanzhi évoque peut être la difficulté  de ses compatriotes qui oscillent entre 2 mondes, européen avec les habits, chinois avec un masque reflet de leur culture qui impose un sourire affiché en permanence.

Masks 6 1996

A noter les mains grossières qui représentent le peuple ouvrier, paysan, soldat. il termine la série par un homme en imperméable rouge, les mains

Z Fanzhi (2)

sont rangées dans les poches, le masque ne rit plus mais affiche une gravité certaine. Idealism suit

Zeng Fanzhhi

le portrait se dilue, le masque va suivre ... un autoportrait où le masque a disparu avec des pastèques-souvenirs

ZF 2 1996

 clin d'oeil à sa jeunesse, à noter le foulard rouge que portaient les pionniers et qu'il n'eut pas le droit de porter; regret, fierté, on n'en saura rien !  un autre toujours en rouge, l'oeil regardant le regardeur, l'artiste s'est affranchi de toute contrainte, c'est mon interprétation, et revêtir un uniforme bouddhiste n'est pas anodin, je trouve.Self portrait 09-8-1 2009

La dernière salle marque les débuts de l'artiste où l'influence de Soutine est vive . Fanzhi

Ses scènes inspirées de ses passages à l'hôpital où il faisait ses ablutions quotidiennes ne sont pas celles que je préfère et de loin ni ses couleurs roses où humains et viande morte se mêlent même si je suis sensible au message. 

Zeng Fanzhi Dusk 1993

Meat

Ses personnages ne sont pas loin de ceux de Soutine. Et ce que j'aime chez Soutine ne me convient pas chez Fanzhi, je trouve qu'il y manque la grâce ! et oui.

Amusant ce parcours d'exposition à l'envers, une impasse qui vous fait aller des oeuvres récentes vers celles du commencement que je n'apprécie pas, et revenir alors lentement à celles qui me plaisent ...  

Et puis pour finir, un que j'avais oublié et qui me divertit par sa technique, Mao reproduit 3 fois en version de plus en plus brouillée de près, Mao si controversé mais pourtant ineffaçable.

ZF

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11 juin 2013

Gustave Moreau

Musée Gustave Moreau

On le nommait ' le solitaire de La Rochefoucauld', oui, il habitait rue de La Rochefoucauld à Paris, une maison atelier offerte par ses parents, bourgeois cultivés et aisés. Solitaire ? sans doute sur le tard, en tout cas, pas très mondain, le sieur Moreau, plutôt casanier, sa mère pour la tenue de la maison, son amour, un seul connu, qu'il installa dans un Gustave Moreau 2Gustave Moreau détailappartement à côté de chez lui. Les honneurs lui plurent pourtant, des médailles reçues lors des salons, une légion d'honneur, nommé au grade d'officier, reçu à l'Académie des Beaux Arts où il postula ... solitaire, mais aimant être reconnu pour son art, et désirant rester dans la postérité, touchant donc cet homme ...

Son atelier est sympa, grand, clair, avec un très bel escalier, le logement est constitué de pièces petites, sûr qu'il ne faisait pas salon, Moreau ! Un brin narcissique, un brin ombrageux, un artiste donc normalement constitué ! Sa particularité fut de ne vendre que 400 toiles,  a accumulé le reste chez lui : 850 peintures ou cartons, 350 aquarelles, et plus de 13000 dessins et calques.

Gustave Moreau 4

Panneau n°2 de La vie de l'humanité Gustave Moreau

Les Argonautes 1885

Gustave Moreau

C'était un excellent dessinateur, bon coloriste, qui adorait emplir le vide, un fourmillement de personnages, une curiosité avivée, un sacré homme ce Moreau, symboliste, mythologique, mystique ....  

Moreau 1826-1898 se voulait peintre d'histoire, la bible et la mythologie l'ont inspiré, il mélange les genres et travestit à sa façon ses personnages, il emprunte dans des ouvrages sur l'inde, la Perse, l'Egypte  les palais, les bijoux, les accessoires et laisse aller son imagination débordante. Ce qui donne des êtres un peu croquignolets, presque futuristes, semblables aux héros de nos films pseudo mythologiques comme la lignée des Percy Jackson,  particulier ce prétendant, ou bien est-ce Ulysse terrassant les dits prétendants de sa Pénélope tricotante ? Délicieusement kitsch sa petite Sphinx lovée, les griffes fort gentiment agrippées au chiffon qui couvre à peine la nudité d'un Oedipe androgyne.Gustave Moreau 5

 Trop exigeant, perfectionniste, il voulait toujours ajouter un détail, et nombre de tableaux dans cet atelier en chantier depuis plusieurs années ne furent pas achevés. Une légende parfois serait nécessaire pour lire les oeuvres de Moreau d'autant plus qu'il donnait à travers ses oeuvres un message très personnel, non dénué d'un certain hermétisme. 

Le musée devrait être fermé à partir de Juillet pour une durée estimée à 5 mois, un aménagement d'autres pièces qui permettra d'exposer d'autres toiles ...  J'aimerais y revenir dans ce musée et vous ?

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26 mai 2013

Marie Laurencin

Marie Laurencin 1883-1956 commence comme Renoir à peindre des porcelaines à la manufacture de Sèvres  de 1901 à 1903, elle se diversifie dans son style, se cherche, mais a trouvé son thème favori ' les jeunes filles'. Elle aime déjà les chats et les visages féminins. Elle peaufine son dessin en suivant l'Ecole de Dessins de la ville de Paris, puis suivra les cours de l'Académie Humbert. M-Laurencin AutoportraitElle commence son apprentissage de peinture à l'huile, classiquement au début, puis tour à tour, cubiste mais du bout des ongles,Le Pont de Passy 1912l

 à la manière d'un Rousseau mais laurenciséApollinaire et ses amis

un peu orientalisée en autoportraitM-Laurencin détail puis avec une prédilection pour les teintes doucesMédaillon pour la Maison Cubiste. Du fauvisme elle retiendra la liberté d'appliquer ses propres couleurs qui seront toujours son style même si sa palette s'élargira au cours de sa vie, couleurs un peu délavées à la térébenthine. Elle qui a trouvé un style reconnaissable à la manière des grands qu'on reconnaît sans se tromper, elle fera du Laurencin jusqu'au bout : Des yeux noirs, impénétrables, des nez à peine esquissés ou carrément absents et des bouches petites charnues et rosesCollection Combe... elles ressemblent souvent à Marie, ces jeunes femmes, petites soeurs fidèles, éthérées aux visages lisses, blancs et assez inexpressifs de geishas qui l'accompagneront tout au long de sa vie.La Danse - détail

  Marie Laurencin aura beaucoup d'amis, d'amants, d'amantes, des célèbres un peu pygmalions mais surtout tremplins comme Henri-Pierre Roché, Guillaume Apollinaire, des amantes comme Nicole Groult ou Yvonne Crotti, 1 mari allemand qui la contraindra à s'exiler durant la guerre de 14-18 en Espagne, mari dont elle divorcera en 21, en Espagne elle rencontre Rivera, les Delaunay, Kisling, Picabia qui la distrairont de ce triste exil. Braque lui a donné confiance en elle, Apollinaire l'introduira au Bateau Lavoir, elle y rencontrera Picasso, Max Jacob, le douanier Rousseau, Gertrude Stein, Villon, Derain, Matisse, Blaise Cendrars, Reverdy, André Salmon, Francis Carco etc ...  Après son divorce elle deviendra  une portraitiste fort demandée par les gens du Monde, hommes et femmesMadame André Groult née Nicole Poiret - détailCocteau 1921

La baronne Napoléon Gourgaud au manteau rose 1923

ce sont les années folles y compris pour Marie adulée qui dessinera des costumes de scènes, des décors  de ballets;  ses biches, ses fleurs, ses chiens, ses longues femmes trouveront leur place, opportuniste Marie ? sans aucun doute, elle devait avoir un sacré charme persuasif : Elle restera libre de toutes influences, prenant ce qu'elle veut, et laissant le reste. Elle fera du Laurencin, un point c'est tout. De tempérament mélancolique qu'elle cachera sous une espièglerie mutine, elle peindra son idéal féminin qu'elle choisira commeFemme à la guitare - détail

modèle, presque toujours, fin, aérien, de couleur tendre, les yeux souvent noirs où une légère mélancolie régnera aérienne elle aussi !! Les années de crise de 30  jusqu'à l'apojée de la seconde guerre mondiale feront paraître la peinture de Marie d'abord démodée et surtout en décalage avec l'actualité, elle se révélera un brin pro allemande et antisémite, vouera un culte au maréchal Pétain et continuera d'être mondaine durant l'occupation allemande, où elle peindra portraits et fleurs, optant pour son monde à elle idéalisé, celui qui lui permettra de supporter les années de la guerre. En 1943 son appartement est réquisitionné pour loger un pro du marché noir, elle commence alors à réaliser que la guerre n'est pas si jolie ! et quand Max Jacob  est emprisonné et meurt d'une pneumonie, elle est atterrée et tombe loudement dans la réalité des horreurs de la guerre, rejetée, alors, son indifférente bienveillance vis à vis des allemands; un peu inconséquente, Marie, parfois ou bien trop dans sa tour d'ivoire où tout n'est que rose, gris ou bleu.La Répétition 1936

Le Cheval noir ou la Promenade

Trois jeunes femmes - détail

A la fin de la guerre, Marie n'échappe pas à l'épuration, et séjournera au camp de Drancy une semaine, elle n'oubliera pas bien sûr cette semaine, et sa souffrance ancienne longtemps maintenue en laisse, va désormais prendre le dessus, elle va devenir sauvage, s'isoler un peu du monde, peindra encore, mais peu, 70 toiles durant les 11 dernières années de sa vie, du Laurencin un peu édulcoré. Sa peinture est fort appréciée des japonais un musée entier lui est consacré au Japon.  Peu d'aquarelles dans cette exposition, des huiles sur panneau, toile, bois, carton, environ 1400 qu'elle peignit  contre environ 1800 huiles. La peinture de Marie Laurencin, femme particulière, est entrée dans l'Histoire, une époque, une atmosphère. Marie, tu as résisté au temps, que l'on n'aime ou pas, tes tableaux font partie de l'Histoire.La Femme-Cheval

M-Laurencin Détail

laurencin_1916_nu_au_miroir

Mon portrait 1924

Collection Combe 2Sources :

Marie Laurencin de Flora Groult

Marie Laurencin de Bertrand Meyer-Stabley 

Commentaires Musée Marmottan où exposition jusqu'au 30 Juin 2013.

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15 avril 2013

Chagall rapidement ...

Vue de la fenêtre

On dit que les bouquets chez Chagall sont une image de lui même, on dit aussi aussi que ce sont des images allégoriques du bonheur, on dit aussi que les fleurs le renvoient à des évènementLe Paysage bleu 1949 détails familiaux heureux, en offrant ses bouquets il rend ainsi hommage aux Arts, à la vie, à la liberté, à la joie de vivre. J'aime  ces petits bouquets-fouillis, ébauchés, jetés, petits messages d'amourIMG_8866

de la part de Chagall qui fut amoureux

détail Monde rouge et noir

de ses femmes, de la vie.  Pour Chagall chaque figure raconte quelque chose de sa vie, et il n'oublie rien Chagall, ni son village de Vitebsk, ni le juif condamné à être errant, ni l'âne, le bouc, le coq, le coq symbole du renouveau (lever du jour), symbole de la repentance, référence à une tradition juive où un coq supporte les péchés des participants et est ensuite égorgé rituellement.Homme-coq au dessus de Vitebsk 1925 détail

C'est Chagall en homme-coq qui se repent de ne pas être resté dans son pays, d'avoir fui toujours. Chagall est un peintre  non militant à messages. Chagall en exil aux États Unis pense participer ainsi à la guerre en témoignant de la persécution des juifs avec ses nombreuses représentations du Christ en croix, symbole du martyr des juifs. En 1944, mort de sa femme Bella qu'il représenta souvent avec son voile de mariée. Chagall est un amoureux fidèle, Bella morte restera présente, même si après une relation avec Virginia Haggard dont il aura un fils Marc, il s'unira pour 30 nouvelles années avec Valentine Brodsky.  Chagall n'arrête pas de parler de lui, des siens, de la religion, dans ses toiles. Rarement à mon humble avis, un peintre n'a autant laissé de lui dans ses toiles jusqu'à l'obsession. Ses couleurs éclatantes, qui se suffisent à elles même nous font oublier ces répétitions un peu lancinantes à la longue. Rien n'est laissé au hasard dans ses toiles chaque couleur est symbolique et a une signification différente selon le thème exploité, le rougeLa Danse 1950-1952 détail peut être dramatique ou au contraire renforcer la puissance d'un lien amoureux ou du divin. Là c'est un hymne à l'Art, le rouge.Le Chandelier et les Roses Blanches 1929 détail

 Le blanc ? oui, parlez moi encore du blanc, encore, longtemps, toujours ... Moi, je vois là le blanc rosé sensuel des roses, le blanc viril des bougies éteintes, fête qui vient de s'achever ... pourquoi toujours lire les mêmes rengaines sur Chagall ? Chagall était un amoureux de la Vie, avec des inquiétudes bien sûr, des peines immenses, mais c'était un Phenix, Chagall. Il a toujours opté délibérément du côté de la vie, de sa vie.

A vous découvrir encore. 

A vous revoir encore, monsieur ..... on n'en n'a pas fini, ni avec les couleurs ... ni avec rien, du reste d'ailleurs.

Esquisse pour la Vie 1964 Chagall

Chagall - Musée du Luxembourg 21 février - 21 juillet 2013

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25 février 2013

Dali

Buste de femme rétrospectif

Difficile à cataloguer Dali tant au point de vue humain qu'au point de vue pictural, homme de tous les excès dans ses écrits, dans ses interviews, dans sa vie; c'est un homme qui dut affronter toute sa vie ses peurs, ses cauchemars, sa timidité extrême; il combattit ces obstacles en théâtralisant ses émotions à la manière des grands tragédiens dans la provocation et l'excentricité.

Dali 1961

Il se fabriqua très tôt une apparence qui le protégea, mais qui l'amena à confondre le personnage médiatique créé avec le craintif-timide qu'il était réellement. Et cela donna les débordements en tous genres qui firent sa réputation de quasi aliéné au détriment de son oeuvre qui reste une des plus géniales de son temps. Son intelligence, son ingéniosité ne faciliteront pas non plus les choses, car il aimait brouiller les pistes quitte à s'y perdre lui aussi. C'est un homme qui lut Freud très jeune, il s'y configura à sa façon très personnelle, ce qui  ne facilite pas non plus une interprétation aisée de ses oeuvres;

étude pour le miel est plus doux que le sang 1926

 il faut bien avouer que regarder un tableau de Dali sans indice n'est pas chose aisée. Dali était avant tout un individualiste convaincu, égocentrique. Il se tiendra en dehors de tout courant communiste, au contraire du groupe des surréalistes avec lequel il se brouillera. Dali, avec l'aide de Gala aura toujours foi en lui, uniquement.   

Il suivit des courants artistiques, Dali, s'inspira des autres, mais dès le début, trouva son style.

Autoportrait au cou raphaélesque 1921

 Post impressioniste : autoportrait au cou raphaélisque' 1921 d'après un autoportrait de Raphael 1506 est une peinture aux touches colorées, cou puissant où Dali joue à se transcender en Raphael.

cubiste inspiré par Nu descendant l'escalier n°2 de Duchamp, réalise Autoportrait cubiste enAutoportrait cubiste 1923

1923,

le « noucentisme »(qui commence entre 1906 et 1911 )  avec

Portrait de ma soeur 1925 détail

portrait de ma soeur en 1925  perçu comme un retour au classicisme méditerranéen

Pierrot jouant de la guitare 1925 Picasso

cubiste à nouveau en 1925 avec Pierrot jouant de la guitare (Peinture cubiste) 

 

 

 

Composition aux trois figures Académie néocubiste 1926

en 1926 néo cubiste inspiré par Picasso avec sa 'composition aux trois figures."Académie néo cubiste

Les Efforts stériles Petites Cendres 27-28 Picasso

en 1927-1928  surréaliste il est inspiré par Miro, Tanguy, 'Les Efforts stériles. Petites cendres' ce tableau commence à ressembler à du Dali  avec ses phobies, Vénus tronquée, têtes coupées, attributs sexuels, animaux morts.  

1929 rencontre Gala, sa première expérience sexuelle féminine, l'amour de sa vie .

  Dali a des thèmes récurrents qui deviendront des obsessions : les oeufs sur le plat viennent de sa vie utérine

Oeufs sur le plat sans le plat 1932

(paradis utérin couleur du feu de l'enfer orange et rouge, mou et gluant), ses yeux qui enfant l'emmènent déjà dans le monde du rêve, visages-rochers, coquillages-objets qui se mêlent aux images de ses livres d'enfant. Dali s'amuse avec les formes, les assemblent, les enchâssent l'une dans l'autre et émerveillent notre regard qui se démultiplie, découvre d'autres formes, d'autres images

Dali Apparition d'un visage et d'un compotier sur une plage 1938

 un tableau dans le

Buste de Voltaire détail Dali 1941

tableau. Il souhaite ainsi créer une autre réalité qui relaie celle où nous vivons estimée illusoire. 

scatologie, doigts phallus, lèvres vagins,

Guillaume Tell 1930 détail

lions qui symbolisent la terreur

G Tell détail fourmis et âne

 fourmis, sauterelles,

Bureaucrate et machine à coudre 1933 détail homard

homards ou langoustes, oeufs, oursins (symbole du dur pour sa carapace) qu'il adorait manger, montres molles( symbole du passage du temps) encrier avec plume, le dur et le mou, tout chez Dali est soit sexualité, soit pourriture, en gros, en gros !!!  Il est sacrément obsédé par le sexe, surtout phantasmé d'ailleurs plus que concrétisé, et par la mort sous toutes ses formes.  

Gala eut le talent de se faire aimer par 3 grands artistes, Paul Eluard, Max Ernst et Dali. Gala au port de tête altier, au corps superbe, au regard intense.

Gala et Dali

Assumpta corpuscularia lapislazulina détail Dali 1952

L'Ascension du Christ

 

Je terminerai avec 2 peintures que j'aime particulièrement, un hommage à Vélasquez

Vélasquez peignant l'infante Marguerite avec les lumières et les ombres de sa propre gloire 1958 Dali

La Madone de Raphael à la vitesse maximum 1954

que Dali admirait et une Madone raphaélique revisitée par l'extravagant peintre.

A vous revoir, encore, Monsieur, en plusieurs fois.

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