27 octobre 2014

Thomas Couture à Senlis

Les romains de la décadence 1847

Rencontré par hasard à Senlis dont Thomas Couture 1815-1879 est originaire. Son tableau le plus célèbre est au musée d'Orsay ' Les Romains de la décadence' grand succès au salon de 1847. Couture a voulu critiquer ainsi la décadence de la monarchie de Juillet 1830-1848 sous Louis-Philippe. Si sa peinture est relativement oubliée à ce jour, il reste aussi célèbre pour son atelier ouvert de 1847 à 1862 qui verra défiler des peintres français et étrangers, Edouard ManetPuvis de Chavannes, Charles-Edouard Armand DumaresqCharles Monginot en sont les plus marquants. Il publia en 1867 un livre 'Méthode et entretiens d'atelier'. Il n'avait pas très bon caractère Couture, il affronta en Juin 1853 au café Divan Le Peletier le peintre Courbet, l'invectivant sur le réalisme de sa peinture, l'affaire fut calmée par la police. Mais ses élèves lui reconnaissent des qualités techniques particulières.  Il fut en son temps un portraitiste fort apprécié. Académique ou déjà moderne.Mme de Brunecke Thomas Couture

Baronne d'Astier de la Vigerie 1847 Thomas Couture détail

Sa renommée fut étendue aux Etats Unis notamment au Walters Art Muséum à Baltimore où il y a plusieurs toiles de lui. Souper à la maison d'or Thomas Couture 1855

Au canada, le Vancouver Art Gallery achète en 1931 la toile ' Souper à la maison d'or' où le modèle du jeune homme habillé de rouge fut un de ses élèves allemand le peintre ' Anselm Fenerbach 1829-1880. Cette toile récemment restaurée est en prêt à long terme au musée des Beaux Arts du Canada à Ottawa. Voilà qui réjouirait Thomas Couture un peu chagriné de ne pas avoir eu une notoriété durable, il quitta Paris un peu fâché vers 1860 pour résider en son pays de Senlis où le musée d'art et d'archéologie conserve plusieurs toiles de lui. Etude pour la Noblesse Thomas Couture

Thomas Couture 2

Il y installa son atelier dans la chapelle du palais épiscopal devenu musée. Il s'installa 10 ans plus tard à Villiers Le Bel où il continua à enseigner à des artistes américains jusqu'à sa mort. 

La Commandite entre 1860 et 1869

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19 octobre 2014

Street Art à l'espace Dali

Dali

 22 artistes donnent un coup de jeune aux oeuvres de Dali ... Les oeuvres d'art peuvent elles vieillir elles aussi ? pas toujours, mais toutes sont marquées par le temps qui passe et qui amène son lot d'artistes qui revisitent l'art des aînés .. C'est une bonne idée d'avoir demandé à des artistes Street Art de s'inspirer de Dali de près ou de très loin; L'art est aussi une Histoire en marche, et certains d'entre eux laisseront leur empreinte dans cette histoire là. C'est réjouissant et porteur d'espoir. En tout cas, moi j'aime bien cette idée, une sorte de transmission que Dali assure encore et toujours avec la jeune peinture. Son imagination créatrice puissante est relayée et motive la jeune génération, notamment celle qui a choisi de mettre l'art à portée de tous, car quoiqu'en disent certains critiques épris surtout d'eux même, l'art doit être accessible à tous et peu importe le chemin emprunté, celui de la rue vaut celui des musées.

Commissaire de l'exposition : Véronique Mesnager, Exposition jusqu'au 15 Mars 2015 à l'espace Dali.

Arnaud Rabier "Nowart" . Artiste plasticien vidéaste né en 1968. Site : http://www.rabiernowart.com/presentation.html Dali fait le mur Arnaud Rabier Nowart

Profil du temps

Dali avait un rapport particulier au temps qui passe et désirait y laisser son empreinte à jamais, une larme de Dali sur ce chemin obligé qu'est la vie.

L'homme en blanc est né il y a 30 ans créé par Jérôme Mesnager

Jérome Mesnagerné en 1961, l'un des premiers peintres de rue. St Antoine en son désert combat à coup de crucifix le pouvoir et la luxure, Mesnager le revisite à sa façon : http://jeromemesnager.com/?cat=3

La tentation de St Antoine par Dalila tentation de St Antoine Dali

Artiste Ouvrier

Artiste Ouvrier de son vrai nom Pierre-Benoit Dumont est un pochoiriste inspiré par les tableaux du XIXè siècle (Caillebotte, Klimt, Rosseti) et par la culture indoue. Il s'inspire de 2 tableaux de Dali. 

Les cygnes reflétant les éléphants 1937

Les éléphants 1948

Selfie

Codex Urbanus a utilisé le revêtement mural anti-graffiti qu'utilise la ville de Paris pour recouvrir les tags. La bête chimérique, c'est lui, le téléphone est un homard-scorpion, référence à Dali. Un selfie est un autoportrait photographique pris par un smartphone et posté sur les réseaux sociaux, mais quel est le selfie ici, la bête ou l'astre Dali ?

Sack est un artiste graffeur chinois qui étudie aux Beaux Arts à Aix en Provence.L'oeil du coeurAKIZA est un couple, lui Robinson artiste plasticien, une école d'arts appliqués à Toulouse, un prix spécial du jury à un concours de typographie international, elle c'est YoSHii sa muse, eux deux c'est AKIZA à l'origine un nom de poupée qui évolue en permanence, d'influence europééenne, japonisante un peu, d'art nouveau, de futurisme et de calligraphie, puis  devenue un nom d'artiste où il associe YoSHii. Une galerie des oeuvres et des produits dérivés : http://www.akiza.net/AKIZA

Rencontre entre AKISA et Dali où l'hermaphrodite escargot fait des siennes, référence à Freud pour la moustache dalinienne.                                                                                              

Kouka

Kouka est franco-africain, né en 1981 d'une mère comédienne, d'un père musicien et petit fils du peintre expressionniste Francis Gruber (1912-1948) diplômé des Beaux Arts d'Avignon il peint traditionnellement, en 1995 il adhère au street art. http://kouka.me/

 

Thomas Mainardi

Thomas Mainardi http://www.thomasmainardi.com/ né en 1983 à Lille. Vanité inspirée des thèmes daliniens.

L'homme mouton

Fred Calmets né en 1976 est peintre graviste et dessinateur a commencé par le street art. Son homme mouton créature chimérique inspirée d'un personnage crée par l'auteur japonais Murakami ne parle pas de Dali. 

Speedy Graffito, Olivier Rizzo peintre français né en 1961, école Estienne, travaille peinture, sculpture, installation, photos, vidéo. Wonder Woman se la joue éléphante dalinienne dans un décor fétiche de Dali (rochers du cap de Creus), dans l'univers de Speedy Graphito.Dans l'oeil de Dali

Nikodem de 1993 à 1996 étudie le dessin à l'école Emile Cohl à Lyon. A fait partie de plusieurs collectifs de graffeurs. Vit à Grenoble où il a son atelier.http://www.nkdm.com/bio/ infusion vidéoprojetée anamorphique

Rencontre au sommet du crâne de l'Infante

Paella, Michel Palacios est un artiste français d'origine espagnole né en 1962 http://www.paellachimicos.com/ en 1985 licencié d'Arts Plastiques il intègre le collectif des Frigos, lieu de création  (journées portes ouvertes au Printemps) .http://www.les-frigos.com/  Il revisite avec un humour décapant les classiques.

Kool Koor né en 1963 à New York, Charles Hargrove figure dans les musées et dans la rue http://koolkoor.wix.com/koolkoor. D'après Santiago del Grande de Dali Santiago el grande Dali

 Thunder, matez donc le crucifix ...pour le reste, c'est du Kool Koor, et c'est bien.

Kool Koor Thunder

Manser http://manser-fluxser.tumblr.com/ artiste plasticien qui privilégie la calligraphie et la photographie pour la sauvegarder.

 

Et à arpenter l'exposition, je me dis que ces artistes là n'ont pas besoin de Dali, ils sont tous déjà bien installés, ils sont preuves que la création est infinie, sans doute Dali est un grand, provocateur à l'extrême à une époque censurée, mais nul doute non plus que ceux là, catalogués artistes urbains ont déjà fait éclater les murs et que leur talent n'a plus rien à prouver.

Manser

 

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03 octobre 2014

Peintures flamandes à Montfaucon-en-Vélay en Haute Loire

Décembre

Décembre 2

Contemporain de Jan Brueghel (1568-1625) Abel Grimmer 1570-1619 né et mort à Anvers n'est jamais venu en Vélay, mais les hasards rigolos de la vie ont fait échouer ces 12 tableaux dans un village au nom qui ne manque pas de panache : Montfaucon en Vélay situé en Haute Loire à 46 km du Puy en Vélay. L'histoire de ces tableaux est assez rocambolesque, ces tableaux appartenaient au Marquis Melchior Mitte de Chevrières (1586-1649), seigneur de Saint Chamond dans la Loire, ambassadeur à Bruxelles qui reçut en cadeau ou acheta, on ne sait pas, cette collection. On ne sait trop non plus ce qu'il en fit, orna t'elle son château de Saint Chamond ou bien l'église nouvellement construite ? on les retrouva en tout cas à la révolution dans les dépendances de la dite église.

Janvier

janvier 2

Le curé de l'église Paul-François Régis Jamon natif de Montfaucon qui avait rejoint le club des jacobins à la révolution, chassé de l'église,  partit se réfugier en son pays natal avec la dite collection en 1794. Il confia ces tableaux à la chapelle de Notre Dame de Montfaucon en expiation, disent les bonnes âmes qui savent de quoi elles parlent, de ses péchés.

Grimmer 2

Grimmer détail

Ces tableaux furent volés en 1995 et retrouvés, ils ont ré-intégré la chapelle Notre Dame depuis 1999.

Juin

Détail Grimmer

Ces peintures sur bois abordent 2 thèmes, un religieux sur Jésus, et l'autre sur la vie flamande au XVI à travers les mois. Abel Grimmer les a peintes vers 1592. Les titres indiqués correspondent à des paraboles  dont la mention évangélique latine est signalée en bas à droite de chaque tableau.

Très belle balade à faire en voiture au pays des Sucs de la Haute Loire avec cette étape flamande à Montfaucon-en Vélay, un jour où le soleil est absent.

Grimmer Les vignerons meurtriers

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12 juillet 2014

Lucio Fontana 1899-1968

Lucio Fontana

Comment  dire ? me plaît-il cet artiste là ? sa sensibilité est elle proche de la mienne ? m'enivre t'il ? que nenni, mais il m'amuse, me fait échapper des petits tracas de la vie, me divertit, me fait évader quelque part, comme lui fait évader sa peinture de la toile, alors oui, j'en re-demande encore de ces plaisirs là ...

Colombine 1948

Lucio Fontana est un extrême, mais pas que, d'un classicisme assez ordinaire parfois, et puis soudain carrément génial dans ce dégoulinement sculptural qui me réjouit et me ravit, oui, oui, oui. D'origine italienne, Lucio Fontana naît en Argentine en 1899. Son père est architecte et sculpteur. Lucio débute dans son atelier. Il donne dans un certain académisme au début de sa carrière,Fontana 1Fontana 3

Signorina seduta

mais se démarque par la matière, du plâtre rugueux, par la polychromie et par un je ne sais quoi de modernisme. Puis il passe par une petite phase abstraite de sculptures  qu'il ne poursuivra pas, une sorte de passage obligé peut être.AbstractionUn éclatement total dans la céramique de 1936 à 1939 assez jouissif pour moi, où il donne du mouvement avec talent à la matière.Fontana 4

 Lucio Fontana fonde en 1947 le spatialisme (Abandon de l'usage des formes connues de l'art pour le développement d'un art basé sur l'unité de temps et de l'espace) et déclare dans le Manifeste de l'art spatial (1951) 'Je ne veux pas faire un tableau, je veux ouvrir l'espace, créer pour l'art une nouvelle dimension, le rattacher au cosmos, tel qu'il s'étend, infini, au delà de la surface plate de l'image' source : Les mouvements dans la peinture- Isabelle Majorel et Patricia Fride-Carrassat.Fontana 13

Il y a du baroque et du futurisme dans l'art de Fontana. Fontana troue ses toiles en suivant des figures géométriques cercles, spirales. Il perce la toile, la terre cuite, le métal.Fontana 1953

A partir de 1958, il fend au cutter ses toiles où il cherche ainsi, dit il à dépasser le cadre du tableau, à donner une nouvelle conception de l'art. Il parsèmera ses toiles de débris de verre, d'or, d'argentFontana 7

 il jouera à multiplier les matières en forant des plaques en cuivre, laiton ou aluminium qui déforment l'espace dans leur miroitementFontana 10 1961

New York 1962

 Il rendra hommage à son père qui réalisait des monuments pour les cimetières et réalisera des crucifix en 1949Fontana 5

et ne pouvant représenter Dieu comme un humain réalisera ce qu'il nommait des 'Oeufs célestes'.

Fontana 8

Fontana 9

Fontana, c'est surprenant, un peu décalé, parfois excessif, c'est surtout très éclectique, avec une constante dans les matières, les formes et la couleur toujours présente. Les fentes succèdent aux trous de façon répétitive, c'est toujours le même but, pénétrer l'intimité en multicolore, donner à la toile une dimension dans l'espace en libre sensualité, sacré Lucio !

Fontana 12

Fontana 15

Fontana 16

 

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14 avril 2014

Carl Larsson 1853-1919

Le Repos dominical 1900 Carl Larsson

 

Le Petit Palais propose en ce moment un petit voyage en pays enchanté et féerique, un univers où les enfants sont beauxLisbeth joue la méchante princesse dans l'oiseau bleu 1900 détailBrita et moi 1895 détail

 où les parents sont aimants, où les choses elles-mêmes participent par leur joliesse à l'harmonie d'un monde dans un                  Carl Larsson détail

bonheur cocoonant et ronronnant, au sein d'une famille aimante.  Bon, on en finit par être un peu écoeuré, c'est dire qu'il y en a du bonheur !!!La fenêtre aux fleurs 1894-1896 détail

et puis en s'attardant un peu, en se renseignant un peu, on s'aperçoit que tout n'est pas si rose. Que ce bonheur que l'on nous matraque n'est que l'image d'un bonheur incertain ...

Carl naît en 1853 à Stockholm, d'une famille pauvre il fréquente cependant l'école, et se distingue sans doute des autres puisqu'un professeur le dirige vers l'Académie Royale des Arts. Il deviendra peintre d'histoire et recevra une bourse qui lui permettra d'aller en 1876 à Paris. C'est un excellent dessinateur qui vit de ses illustrations et qui rêve de se distinguer en temps que peintre

Octobre Les potirons Carl Larsson 1882

il propose une toile au salon de 1881 qui sera refusée, il récidive avec une autre toile refusée elle aussi, ce qui le déprimera un brin et lui fera lacérer sa toile. Pas si joyeux que cela Carl, faut dire qu'expatrié, pas très riche, refusé des salons, n'ayant aucun appui, il y a de quoi fulminer, il y a de quoi déprimer. Gretz sur Loing et sa colonie de peintres scandinaves seront la chance de Carl; son amitié avec Karl Nordstrom qui sera un homme influent de la vie artistique suédoise va lui apporter une renommée certaine, même si la reconnaissance de grand peintre lui fera toujours un peu défaut.  Il est assez bon, comme peintre Larsson, mais pas mieux que les autres, le groupe des scandinaves à Grets, sa rencontre avec une peintre Karin BergööKarin 1898 détail

qu'il épousera, la reconnaissance de son talent par le musée national de Stockholm qui acquiert 2 de ses aquarelles, plus tard en 84 l'acquisition de L'étang par l'état français

L'étang 1883 Carl Larsson

puis l'achat de 4 autres par l'acteur Coquelin feront de cette période française un heureux moment de sa vie. De retour en Suède, il sera directeur et professeur de l'Ecole de peinture à Goteborg durant 2 ans, puis après un retour d'un an à Paris, Carl Larsson s'installe à Sundborn l'été. Son épouse qui a abandonné la peinture pour élever 8 enfants, est une excellente décoratrice d'intérieur, et Larsson mettra en image cet art de vivreLa veille de Noel 1904-1906 détail Bien sûr, tout ne sera pas si joyeux chez les Larsson. Il y aura des souffrances, des non-dits, des apparences. Larsson finira par se forcer un peu à peindre ces petites images de vie heureuse. Mais il lui faut bien nourrir sa nombreuse famille. Il s'essaiera aux fresquesFresque de Carl Larsson

mais n'aura pas le succès escompté.

Carl Larsson aurait aimé être un grand peintre de ceux qui créent un mouvement, mais il se distinguera par ses illustrations. Pas si mal après tout.

Jusqu'au 7 Juin. Les enfants apprécieront.Ma Mère 1893Carl Larsson 1910

 

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11 avril 2014

Saúl Kaminer

Saúl Kaminer

Las impermanencias son múltiples y son inherentes a la misma vida. Cada vida, es impermanencia.

En un artista, hay también une impermanencia de la obra, en función de sus maestros y tambièn  de su personal vida y de sus encuentros.

Forêt intérieure 1980 Kaminer

La Maison du souffle 2013 Kaminer

Saúl Kaminer nació, en une familia de origen ucraniana. Estudió architectura y se puso à pintar. Se relacionó con el grupo latinoamericano ' Magia-Imagen. Vivió en Paris durante 22 años. Ahora Viaja entre México y Francia.

Todo es impermanencia. Asi es la vida.

Galeria de arte Thessa Herold - Paris 3e - Impermanences Avril-Mai 2014

Espero que viva, otra vez este pintor, quizás, quizás, quizás. 

Dos otras pinturas que no son en la galeria.

Les trois nouvelles 2004Saúl Kaminer

 

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24 mars 2014

Vincent Van Gogh, Antonin Artaud à Orsay

Panier de pommes 1887

Van Gogh 1853-1890 a t'il vraiment besoin d'un défenseur, aujourd'hui ? Lorsque l'on regarde ses toiles, pense t'on à ses crises d'angoisse, ses débordements qui lui valurent quelques internements, volontaires le plus souvent ? Je n'en suis pas sûre. L'éclatante et vibrante peinture, les couleurs de Vincent, vous accrochent le regard et le captent, elles se suffisent à elles mêmes. Cohérentes, elles accompagnent avec une harmonie somme toute régulière la vie d'un peintre à l'humeur très irrégulière.sept 1889 Van Gogh

Ses autoportraits dont je ne mets que les détails, 43 au total ne nous expliquent rien, si ce n'est sa gravité lucide sur son personnage, son besoin de se peindre pour  se prouver qu'il existe, lui qui a des temps morts lors de ses crises, alors se regarder dans ses peintures le rassure sans doute, vérifier et garder en mémoire, lorsque le cerveau ne commande plus, que lui Vincent existe par, dans et pour sa peinture.1887 Van Gogh

1887-1888 Van GoghArtaud  1896-1948 est un tourmenté précoce, né, pourrait on dire, et peu importent les causes qui nous resteront dans l'ensemble inconnues.autoportrait

A l'âge de 18 ans, en 1915 ses premiers troubles psychiatriques le font hospitaliser, ses premiers dessins datent de cette époque, et l'écriture lui deviendra aussi indispensable que l'oxygène.  Contrairement à Van Gogh qui connut certains moments d'apaisement, Artaud mis sous laudanum en deviendra dépendant, ce qui fera de sa vie une cure de désintoxication permanente toujours commencée, jamais réussie. Un médecin pourtant l'aidera à s'échapper un peu en l'aidant à cultiver des dons artistiques réels, et il commencera une carrière de touche-à-tout dans le théâtre, puis il découvrira le surréalisme dont il se séparera. Il sera acteur, créera 4 spectacles, mais son phrasé, ses prestations ne plairont pas. Il continuera à écrire des poèmes, des articles dans des revues littéraires et il laisse une oeuvre assez hermétique, réservée à des initiés. Il sera bouleversé par une exposition Van Gogh en qui il se reconnaîtra et écrira 'Van Gogh, le suicidé de la société' un plaidoyer envers ceux qui pensent autrement, ceux qui sont différents comment peuvent l'être des esprits créatifs et talentueux mais hors des cadres fixés par notre Société.  La peinture de Van Gogh reste malgré tout aboutie, maitrisée, toujours dans une cohérente et constante évolution.Les Tounesols 1887

Vincent Van Gogh est un grand peintre et il n'a plus rien à prouver.  Artaud  restera un homme souffrant dont la maladie a bridé les talents, preuve cet excellent dessin, cet autoportrait qui signale que certains moments lui furent doux, que parfois aussi il fut libéré de ses angoisses, du moins en partie !Artaud

 mais dommage que la maladie ait été excessivement plus marquée chez Antonin et le traitement plus lourd donc plus nocif, ce fut un handicap à toute carrière chez lui. On évoque chez Vincent les hachures nerveuses, les couleurs terreuses de certains tableaux, comme signes d'un esprit malade, c'est une de ses marques, ces hachures, un signe de re-connaissancechamps de ble près d'AUVERS 1890

 Notre regard sur ces troubles du comportement a changé, nous sommes plus tolérants. La pharmacologie permet à beaucoup d'êtres hors normes de vivre tout à fait normalement. Cependant jumeler Vincent Van Gogh à la présence inquiétante d'Antonin Artaud est incontestablement une bonne idée marketing  preuve en est la foule qui s'y rend. L'accès aux toiles de Vincent est un pénible périple, Dieu merci, Vincent, tes toiles se voient même de loin !!!La nuit étoilée 1888

Antonin Artaud quand même attire moins, plus dérangeant, plus dérangé ou moins connu, on peut arpenter tranquillement ses dessins.détail Artaud

Et finalement, aujourd'hui, ce n'est pas Artaud qui vient au secours de Van Gogh mais le contraire. C'est Vincent qui nous permet ainsi d'accéder à l'artiste Antonin et de tenter de le comprendre, d'aller sur ses étranges rives; dure vie que celle de ce multitâche, poète, acteur incantatoire, pamphlétaire ou jeteur de sorts, dessinateur et malade souvent ce qui l'obligea très tôt à de lourds traitements, dont le plus doux fut peut être le laudanum qui le rendit dépendant, et le plus terrible, les électrochocs.

Les Souliers 1886 Van Gogh

Van Gogh perdure brillamment aujourd'hui, Artaud un peu moins, et c'est par Vincent aujourd'hui qu'il retrouve vie.     

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17 février 2014

Berlinde De Bruyckere - Philippe Vandenberg

 La Maison Rouge accueille un couple insolite qui joue un pas de danse sur 2 temps, la vie et la mort.

D'après l'ennemi intérieur 2003 détail

La mort, Philippe Vandenberg 1952-2009 se l'est donnée, et ce n'est pas inattendu, il se dégage une souffrance extrême de ses peintures ou dessins, une vision apocalyptique d'un monde bien réel où se mêlent diverses inspirations, qui naviguent entre crimes de guerre (tortures, viols)dessin extrait du carnet Indonésie 1996et illustrations possibles pour livre sado-maso, une ambiguïté dérangeante non pas par le thème lui même mais par le caractère obsessionnel qu'elle révèle annoté d'écrits qui parlent de roi,extrait carnet sur la faculté d'être lièvre 1997

de pendus, princes, démons, d'entrailles ... il manque un peu d'explications au fascicule qu'heureusement on vous remet avant d'entrer.

Philippe Vandenberg né à Gand est peu connu en France, jusqu'en 1990, il était un artiste à succès avec des peintures abstraites où la recherche picturale primait. Les 19 dernières années de sa vie, il change de style, introduit des personnages qui sont en général torturés, saignants, violés, et qui révèlent les tourments d'une âme souffrante, d'un esprit en conflit avec le monde qui l'entoure, et plus grave semble t'il, avec lui même. J'aurais bien aimé connaître le peintre à ses débuts, une cohésion certaine doit relier les 2 reflets de sa personnalité, il aurait été intéressant de le constater par nous même. Il fera des études de lettres, de philosophie et suivra un cursus d'histoire de l'art, il entre en 1972 aux Beaux Arts de Gand, il est attiré par Le Greco, Goya, aime Le Titien, Ingres, Courbet, Ensor et Freud, qui sont des personnalités fortes et particulières.Philippe Vandenberg 1998

En 89 il peint des croix gammées, des crucifixions, des scènes de tortures,Tke Kiss 1989 P

la torture chez lui est toujours un peu suspecte dans ses tableaux où il nous transforme en voyeurs, il peint avec son sang, il répète inlassablement sur ses toiles ' kill them all and dance' et ' il me faut absolument tout oublier' (titre de cette exposition à Maison Rouge), tags ou slogans  expressions de sa révolte contre l'ordre établi, contre la violence du monde qu'il met en scène dans ses dessins, mais avec lucidité il écrira En fait l'horreur que je tente d'attraper dans certains de mes travaux, a plus à voir avec mes conflits internes, mes combats qu'avec une grande compassion ou générosité pour la condition humaine.  Et de ce conflit interne il n'en sortira pas vivant.  Les 3 tableaux qui précèdent l'exposition dans le couloir sont intéressants et donnent une autre image de Philippe Vandenberg. La photo n'est pas bonne, mais elle montre une facette moins obsessionnelle du peintre.Philippe Vandenberg

  

Berlinde de Bruyckere, née en 1964 à Gand, part de la mort pour arriver à une autre forme de vie. Elle ne s'attarde par sur les supplices endurés, les causes de la mort, elle passe immédiatement à la reconstruction, la restauration une métamorphose en somme !! Des membres humains transformés en bois, bon il y a souffrance quand même en écho à celle de Philippe Vandenberg, mais modérée, adoucie. De plus, se mêle pour nous une curiosité amusée de la technique suivie, des méthodes employées et aussi de l'admiration envers son esprit créatif. Elle utiliseCripplewood 2012-2013 B de Bruyckere

pour ses bois, des moulages, puis les remplit de cire, les colore en bleu pour les veines, en rosé pour le sang, En pensant à Philippe Vandenberg, elle imagine un dialogue entre les mantras répétitifs sur des carrés de papier collés l'un à l'autre du peintre et 3 sculptures d'arbres  en cire prisonniers de constructions métalliques ou de liens qui les soumettent, les torturent, les arbres en cire deviennent membres un peu saignants mais ces arbres-membres presque humains rappellent notre fragilité d'humains et notre devenir sans que cela soit morbide, bon un peu quand même ! Voilà, les oeuvres de Berlinde de Bruyckère nous laissent avoir notre propre interprétation, et donnent un sens plus élargi à l'oeuvre d'art. Et puis elle traite des mythes des contes et légendes lus et relus de mon enfance où les Dieux se montrent plus cruels et injustes que les humains, et les transforment en animal, en arbre au gré de leurs plaisirs, tiens un Actéon transformé en cerf et dévoré par ses chiens, ne reste de lui que des bois en cire, des os en cire,Actaeon III - B de Bruyckere

des coussins pour apporter un peu de douceur et de tendresse, je trouve cela assez caustique et drôle : Actéon s'est métamorphosé et est devenu Marsyas, un satyre qui fut lui écorché, quand je vous dis que c'est drôle !! je suis un brin de mauvaise foi. Pour arriver à son sujet cette sculpture nommée Actaeon  Berlinde de Bruyckere a fait des études à partir d'un corps de danseur RomeuDessin série Romeu'my deer' 2010-2011 - B de Bruyckerere

Runa, qui en a fait une performance où il dansait ses membres mêlés aux bois. Des couvertures, des coussins, des misérables petits choses humaines qui accompagnent ces métamorphoses, ces nouveaux organismes mutants qui au gré des expositions n'en finissent pas de renaître. Un érotisme toujours présent chez Berlinde de Bruyckère, un collier de cheval détourné, un sexe en cire qui évoque le féminin et le masculin le tout sous cloche comme la couronne de mariée de nos grand-mères. Cela me réjouit assez.

 Pour moi, il n'y a pas franchement de dialogue entre les oeuvres des 2 artistes, un clin d'oeil de temps en temps, peut être, mais je préfère penser que Berlinde de Bruyckere a choisi de donner à Philippe Vandenberg une seconde naissance, un devenir en somme, en nous le faisant découvrir un peu, sous son aspect le plus sombre. A quand l'autre Philippe Vandenberg  avec vos oeuvres précédentes Madame ?  

   

A voir jusqu'au 11 Mai 2014. 

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03 février 2014

Mouvements contemporains

Il y va y avoir quelques mots indigestes à avaler, de ceux qui paraissent limpides dés que l'on vous les définit mais qui reprennent leur mystère une fois la définition échappée de votre cervelle, en tout cas, de la mienne !

Pop art est la forme abrégée de popular art et déjà c'est plus parlant, il s'agit donc d'une production artistique britannique et américaine inspirée par la culture populaire des années 1955 à 1970. Peinture acrylique, sérigraphie, inspiré par la publicité, les médias, la bande dessinée, il met en image la société de consommation, les couleurs sont vives et parfois dissonantes. Les représentants les plus célèbres sontlichtenstein

Roy Lichtenstein 1923-1997,

Andy Wharol

Andy Warhol 1928-1987, Tom Wesselmann 1931

Tom Wesselmann (2)

James Rosenquist

 James Albert Rosenquist 1933, Ronald Kitaj 1932Ronald Kitaj 1964

 Richard Hamilton 1922-2011

Richard Hamilton 1956

Peter Blake

Peter Blake 1931, Derek Boshier 1937Derek Boshier

En Europe  nous avons affaire au même moment  à un mouvement qui se nomme Nouveau Réalisme vers 1960. Pierre Restany critique d'art français exprime dans un manifeste que la peinture de chevalet a fait son temps. Le nouveau réalisme est une 'nouvelle approche perceptive du réel'. Ce texte porte la signature de 10 artistes sur les 13 du groupe Arman, Christo, César, Gérard Deschamps, François Dufrêne, Raymond Hains, Yves Klein, Marial Raysse, Mimmo Rotella, Niki de Saint Phalle, Daniel Spoerri, Jean Tinguely, Jacques de La Villeglé. Ce mouvement mérite un message entier, plus tard.k

Ce mouvement sera dissous en 1970. Pour compliquer un peu plus de 66 à 67, Daniel Buren, Olivier Mosset, Michel Parmentier, Nieke Toroni s'associent sous le nom de B.M.P.T constitué de leurs initiales. Ce mouvement éphémère est une forme d'art minimal où l'absence de sujet rend la toile neutre et muette, les artistes poursuivent à ce jour chacun leur propre carrière affranchis aussi de ce pseudo mouvement.

Arte Povera se situe lui en Italie et est dans la continuité de tous ces mouvements tout en s'y opposant, ce qui nous brouille un peu plus les pistes, je trouve !  Trois critères se dégagent:

-1 La réduction des moyens (matériaux bruts comme la terre ou les végétaux, bois graines) qui peut passer par un simple recyclage des objets de consommation.

-2 La recherche de lisibilité (un peu paradoxale cependant car pour lire une oeuvre, il faut qu'on nous l'explique un minimum)

-3 Exposer ses propres méthodes.

En 1967 le critique d'art Germano Celant organise la première exposition d'Arté Povera à Gênes.

Giovanni Anselmo 1934

Giovanni Anselmo 1968 sans titre

Sans titre ou structure à manger 1968

Bloc de granit poli et entouré d'une laitue, fils de cuivre hachés  au sol : opposition des matériaux et notion d'assemblage lié à l'éphémère. A noter la dimension humoristique qui peut échapper toutefois : la salade peut représenter une bouche ouverte vorace ...

Giuseppe Penone 1947Souffle 6 Penone

Souffle 6 1978 terre cuite de 158 cm de haut, l'artiste s'est précipité sur la terre et y a laissé son empreinte alors esquissée. C'est un rêve de sculpture, une révélation de la matière.

Penone va travailler le bois, en amont il y a des études préliminaires, où il va analyser le jeu des veines de bois, les dessiner.dessin 1970 Penone

Il fait des pièces monumentales comme l'arbre des voyelles dans le jardin des Tuileries, moulage en bronze d'un arbre déraciné.PENONE CEDRE DE VERSAILLES 2003

Ou comme celui exposé un temps aux Beaux Arts de Paris      

Jannis Kounellis né en Grèce en 1936

Kounellis 1969 Senza Titolo Plaque d'acier et cheveux

Sans titre : plaque d'acier peinte et mèche de cheveux.

 

Alighiero e Boetti est un artiste plasticien, peintre et sculpteur italien né en 1940 et mort en 1994 qui aimait l'ambiguité associée à ce e qui laissait entendre qu'il était double, d'un côté l'homme, de l'autre l'artiste.

Caisson lumineux 1966Alighero e Boetti

Une lampe de métal, du verre, un circuit électrique, une ampoule qui ne s'allume que 11 secondes une seule fois par an. Hasard d'une rencontre, choc visuel pour la personne ou le groupe qui la voit s'allumer.

L'Arte Povera est un processus créateur re-visité pour donner à voir l'impalpable, l'indicible qui si nous le voulons bien nous ouvre un monde parallèle, étrange, hors normes.

Libre à nous d'y entrer ou pas, il y a une incontestable ironie, un autre regard exigé, une ouverture d'esprit supplémentaire à acquérir.  

Liste d'artistes évidemment minimaliste ...

D'autres suivront peut être au hasard de mes rencontres.

Sources : Les Mouvements dans la Peinture chez Larousse Auteures Patricia Fride-Carrassat et Isabelle Marcadé Majorel. 

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13 janvier 2014

Serge Poliakoff

Orange et cyclamen 1949 détail

 Exposition, au musée d'art moderne, consacrée exclusivement à la peinture abstraite de Serge Poliakoff qui débute dans le genre dans les années 40; Serge Poliakoff est un coloriste talentueux qui aime superposer les couleurs, les travailler jusqu'à faire surgir une texture particulière, à couleurs tissées comme un tissu façon tweed.composition abstraite 1954

Il y a dans ses tableaux d'alors des formes sans forme, parfois cela tourne au niveau d'une couleur qu'il s'amuse à décliner comme ce rose à toutes les sauces,

Composition en rose 1954parfois c'est une juxtaposition criarde des couleurs quand elles sont vives, tiédasse quand elles sont ternes. Poliakoff ne mégote pas sur les couleurs.composition abstraite 1968

Composition rouge jaune blanc bleu aux traits 1952

Et puis il structure plus ses formes, les place en puzzle, les délimite par des traits noirs façon vitrail. Jolie idée de rassembler des petits tableaux aux couleurs différentes avec une bordure rouge qui en assure le lien, on dit que cela évoque cela lui évoquait les peintures assemblées ainsi dans les églises de son enfance où sa mère l'emmenait, on dit aussi qu'il superposait les couleurs comme les peintres d'icônes , c'est assurément très décoratif.

Composition murale 1965-1967

On parle de silence en ce qui concerne la peinture de Poliakoff, on peut le comprendre comme une invitation au silence comme le propose une église, où l'on s'assoit pour admirer longuement un vitrail dans une sorte de recueillement mais paradoxalement elles font aussi parler ses peintures, en mal, en bien, en incompréhension totale ou en acceptation entière sans rechercher d'interprétation particulière que la notion du beau qui comme chacun sait est une notion fort relative.. 

Les peintures de la dernière décennie s'épurent dans les formes et les couleurs.

Forme 1698

Pour ma part, je préfère cependant plus de débordement, pictural, thématique. Je n'aime pas trop les limites, y compris dans les formes. La peinture de Serge Poliakoff satisfait mon sens de l'esthétisme, mais ne provoque pas d'émotions en moi, et ne m'attire pas vraiment. Bizarrement, je reconnais que je pourrais vivre à côté d'un tableau de Poliakoff, dont la neutralité confortable me conviendrait alors. Une sorte d'apaisement se dégage de ces peintures.

Composition 1968

Serge Poliakoff est né à Moscou en 1900 dans une famille bourgeoise  où chevaux (père éleveur ce chevaux et propriétaire d'une écurie de course)), musique, littérature, peinture sont des passions familiales qui lui seront transmises. Poliakoff est un guitariste chevronné. Il fuit la révolution russe et trouve asile à Paris, ce Paris où exilés russes foisonnent. Il s'inscrit dans une académie de dessin, joue dans les cabarets russes. Il a 29 ans et décide de peindre. Il cessera de jouer de la guitare dans les cabarets en 1952 pouvant vivre alors entièrement de sa peinture. Il connaîtra alors un franc succès. Il meurt en 1969. 

 

 

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