Encore un fils à maman, Émile Bernard que la mère initiera à l'art et à la musique; doué d'un vif caractère, cela le rendra capricieux cet amour maternel. Un père classiquement hostile à ses projets artistiques qui finira pourtant par l'aider, une soeur Madeleine qui l'accompagnera un temps, laissée fort libre ce qui est assez étonnant pour l'époque, et voilà Émile Bernard né en 1868 lancé avec des noms que la postérité encensera comme Gauguin son aîné de 20 ans, Cezanne son aîné de 29 ans Van Gogh aîné de 15 ans, Toulouse Lautrec né 4 ans plus tôt que lui, et enfin Louis Anquetin qui lui a 7 ans de plus que lui. Bref c'est le plus jeune, Émile de tous ceux cités, il s'inspirera d'eux, des maîtres classiques aussi. A qui attribuer la paternité du cloisonnisme ?

Inspirée de la technique du vitrail avec aplats de couleurs, on parle aussi de synthétisme. Anquetin, Bernard, Gauguin ? C'est à Pont Aven résidence d'artistes américains, danois et français que Bernard âgé de 18 ans rencontre Gauguin âgé lui de 38 ans ... qui a créé le premier cette nouvelle tendance picturale ?

les historiens d'art ne sont pas d'accord sur le sujet, alors que dire de moi !!! en tous cas Émile Bernard, fougueux comme on peut l'être à cet âge en voudra toute sa vie à ce traître de Gauguin qui restera vague à ce sujet et ce fier ombrageux de Bernard en cultivera fort bêtement une amertume qui le distinguera toute sa vie de ses contemporains peintres. Ainsi est sa nature à ce Bernard qui fuira toujours ce qui le dérange. C'est un touche à tout qui testera tous les genres, qui sera critique d'art, poète. Amateur de femmes, il en aura plusieurs parfois deux en même temps, car à sa manière c'est un fidèle. Durant 10 ans il s'exile en Orient, il prouve

indéniablement qu'il sait peindre il excelle dans les drapés

 mais il hésite entre les riches couleurs d'un orientalisme et les peintures plus douces aux formes élancées d'un Puvis de Chavannes avec plus d'élégance d'ailleurs.

pour trouver au final les classiques Titien, Véronèse, Raphael et s'éclater dans les nus

où il balancera entre le vice et la vertu, l'amour sacré vertueux et l'amour profane charnel

 L'âge ne l'assagira pas, ni en ce qui concerne sa passion pour les femmes, ni son caractère toujours opposé aux autres, il dénigrera sans indulgence la nouvelle génération de peintres. Difficile pour lui de se trouver une place; un peu versatile, n'ayant au final pas trouvé véritablement son style

c'est cela sans doute qui lui donnera une petite notoriété mais ne le fera jamais sortir du peloton des bons peintres, car il y en a une flopée quand même. C'est dommage, il avait un potentiel mais ne cultiva peut être pas assez son imagination créative par peur, qui sait, de sortir des sentiers battus, par esprit peut être un peu borné parfois un peu trop sûr de ses idées. Pourtant il douta cet homme, parfois et pas longtemps. Preuve en est avec cet auto-portrait qui date de 1892 assez moderne je trouve, un peu tourmenté à la manière d'un Munch. Replié dit-on dans un sombre mysticisme, il ne suivra pas cette voie et préférera rester dans un classicisme confortable. C'était son droit. Au musée de l'Orangerie jusqu'au 5 Janvier 2015.

Propriété du Conseil général de l'Essonne, le domaine de Chamarande connu sous le nom de terre de Bonnes jusqu'en 1685  est consacré à la création contemporaine, outre son patrimoine paysager qu'il est agréable d'arpenter.

De style Louis XIII, le château conçu (sur un site ayant appartenu à François Miron 1560-1609, magistrat ancien prévôt des marchands de Paris) par l'architecte Nicolas de l'Espine en 1654 pour Pierre Mérault, ancien fermier de la gabelle (taxe royale sur le sel), fut racheté en 1684 par Clair Gilbert d'Ornaison dont la famille possède la terre de Chamarande en Forez, puis par le jeu d'alliance, le château passe à Louis de Talaru en 1737 qui mourut sans héritier en 1850. En 1857 Victor de Persigny (Jean Gilbert Victor Fialin) l'achète. En 1876 Antoine Boucicaut dont le père est fondateur du Bon Marché, en devient le propriétaire, il y mourra de tuberculose à l'âge de 41 ans en 1879. Veuve, sa mère épousera Laurent Amodru (député et médecin) qui devient ainsi propriétaire du domaine de Chamarande. En 1922, il vend en viager son domaine à Marthe Dervaux veuve d'un député André Thome qui le récupère en 1930 à la mort du médecin. Elle décède en 1948, et le domaine est mis en vente. En 1957, Auguste Mione 1898-1982 entrepreneur de travaux l'achète et en fait le siège de son entreprise de bâtiments. Des sculptures contemporaines, dont une tête grotesque, un peu à la manière de celles des jardins de la Renaissance italienne, sculpture d'Elmar Trenkwalder artiste autrichien né en 1959 en résidence à la manufacture de Sèvres depuis 2012 où sont exposées les pièces en grés émaillé réalisées par lui, visibles jusqu'au 1er Décembre 2014 à Sèvres.

Cette échelle de Philippe Ramette né en 1961 artiste plasticien et photographe peu classique, ludique et plein d'humour.

Quant aux deux sculptures de la fontaine, (copies du XIX  d'après deux sculptures d'Antoine Coysevox 1640-1720, représentant la Garonne et la Dordogne dans un des bassins de Versailles), elles restent indifférentes aux baigneurs pas fous, qui préfèrent les baignoires à l'eau du bassin.     

Depuis 2012 c'est l'association COAL (coalition pour l'Art et le développement durable créée en 2008 par des professionnels de l'art contemporain et du développement durable et de la recherche) qui collabore avec l'équipe de Chamarande à la programmation des expositions dans le château. (Entrée libre).L'exposition Vivre(s), lors de notre visite était basée sur l'alimentation

dont la production est une des raisons de la destruction de notre environnement. Pain, légumes etc ... glace à consommer avec modération

 à l'extérieur comment recycler les déchets verts en fabriquant de l'humus

Bon, cette exposition où se mêle art et écologie m'ennuie un peu, même si le mélange des genres peut être je le reconnais un moyen d'attirer l'attention de tous sur l'écologie. Alors ressortir et profitez longuement du domaine, magnifique.

L'exposition d'hiver au château de Chamarande qui débute fin novembre se nomme Personnages, rencontre entre un lieu riche d'Histoire et des personnages sculptés me plaît davantage et me correspond infiniment plus, à suivre donc. 

Rencontré par hasard à Senlis dont Thomas Couture 1815-1879 est originaire. Son tableau le plus célèbre est au musée d'Orsay ' Les Romains de la décadence' grand succès au salon de 1847. Couture a voulu critiquer ainsi la décadence de la monarchie de Juillet 1830-1848 sous Louis-Philippe. Si sa peinture est relativement oubliée à ce jour, il reste aussi célèbre pour son atelier ouvert de 1847 à 1862 qui verra défiler des peintres français et étrangers, Edouard Manet, Puvis de Chavannes, Charles-Edouard Armand Dumaresq, Charles Monginot en sont les plus marquants. Il publia en 1867 un livre 'Méthode et entretiens d'atelier'. Il n'avait pas très bon caractère Couture, il affronta en Juin 1853 au café Divan Le Peletier le peintre Courbet, l'invectivant sur le réalisme de sa peinture, l'affaire fut calmée par la police. Mais ses élèves lui reconnaissent des qualités techniques particulières.  Il fut en son temps un portraitiste fort apprécié. Académique ou déjà moderne.

Sa renommée fut étendue aux Etats Unis notamment au Walters Art Muséum à Baltimore où il y a plusieurs toiles de lui. 

Au canada, le Vancouver Art Gallery achète en 1931 la toile ' Souper à la maison d'or' où le modèle du jeune homme habillé de rouge fut un de ses élèves allemand le peintre ' Anselm Fenerbach 1829-1880. Cette toile récemment restaurée est en prêt à long terme au musée des Beaux Arts du Canada à Ottawa. Voilà qui réjouirait Thomas Couture un peu chagriné de ne pas avoir eu une notoriété durable, il quitta Paris un peu fâché vers 1860 pour résider en son pays de Senlis où le musée d'art et d'archéologie conserve plusieurs toiles de lui. 

Il y installa son atelier dans la chapelle du palais épiscopal devenu musée. Il s'installa 10 ans plus tard à Villiers Le Bel où il continua à enseigner à des artistes américains jusqu'à sa mort. 

Dominique Rolin  1913-2012 mêle dans ses romans quelques parcelles autobiographiques à une fiction où se confrontent le Temps, la Mémoire et l'Amour. Confrontation entre le Dessus et le Dessous, soit l'Aujourd'hui et l'Autrefois. Jim est l'amoureux depuis 30 ans, elle, est plus âgée d'une beauté toujours bouleversante. Entre eux de l'amour et de l'écriture. Elle a un double, celui que le miroir lui donne, elle entretient avec cet autre ego un rapport particulier, basé sur une bienveillante sympathie. Celle du miroir vieillit, Celle du miroir détient les temps anciens tantôt unissants, tantôt hostiles, mais qui permettent à l'autre elle de rester en toute plénitude celle qu'elle veut être, donc ce qu'elle est. Elle doit à Jim de ne plus être soumise à ses souvenirs, mais de les dominer. Ainsi elle les transforme à sa guise, ces souvenirs qui correspondent à la réalité qu'elle a recréée, à sa vérité qu'elle a rêvée, mythe ou réalité qu'importe après tout, cela devient de la belle écriture. Le présent ce sont ces 30 ans passés dans la présence d'un être aimé, pas à elle, ni même toujours à ses côtés, mais toujours là à l'aimer( livre écrit en 1988).

Ce sont en fait 55 ans passés à s'aimer, quand même et toujours, jusqu'à la mort de Dominique Rolin en 2013. Le passé rejoint ainsi le présent. 23 ans d'écart entre Jim et la narratrice, et l'amour qui résiste à tout, au temps qui la vieillit si bien, à d'autres amours de l'homme aimé, discrétion sur ses possibles autres amours à elle, et par dessus tout l'écriture qui leur est indispensable à tous les deux et qui les fait vivre autant que l'amour qu'ils veulent bien se donner. Jim est Philippe Sollers. 

Il y a plusieurs lectures possibles du livre de Dominique Rolin, et l'on peut choisir celle qui nous convient le mieux.

C'est pour moi un hymne à la vie, un hymne à l'amour, c'est aussi un hymne à l'écriture, aux mots, à l'inspiration.

La vie est bonne avec ses courbures irrésistibles, ses capricieux détours qui n'en sont pas et ses feintes, merci, merci, Vie ! Je peux tout juste commencer à entrevoir ce que, dès le début, elle a voulu de moi. extrait

Je vis parce que j'écris. J'écris parce que Jim est là vivant. extrait.

'J'ai été la dactylo de mes rêves' 15 Décembre 2005 'Interlocution' Dominique Rolin- Philippe Sollers

Sacrée femme cette Dominique Rolin et restée belle jusquà la fin de sa vie.

Body Art est un art de la modification corporelle, où l'artiste touche lui même à son image, adapte son corps à des pratiques extrêmes, dérangeantes, sources de souffrance pour l'acteur et pour les regardeurs. On parle alors de Performances pratiquées en public, filmées et photographiées en détail.

En 1960 avec la libération sexuelle, le corps se libère aussi  devient sujet et devient toile, à partir des années 1970, ces artistes souhaitent accéder au plus profond de l'humain. L'artiste souhaite provoquer une réflexion chez le regardeur, il n'est plus seulement artiste, mais éveilleur de conscience, l'oeuvre n'est plus une fin mais un passage qui amène le spectateur à un nouvel état de conscience. Le projet est ambitieux et permet toutes les dérives.  

Jana Sterbak née en 1955 à Prague émigre en 68 au Canada. Elle travaille avec des matériaux improbables comme le pain, le chocolat, la viande, plus classiques comme le bronze, la pierre, le métal ou les cheveux.

 Une robe de chairs crues Vanitas : Robe de chair pour Albinos anorexique en 1987 qui nécessite un travail de cousette, un atelier pourra sélectionner les pièces, les aplatir et enfin les coudre. Pas de provocation chez Jana Sterbak, uniquement définir par l'éphémère de cette oeuvre d'art, l'éphémère de la beauté et de la jeunesse : chair fraîche qui va vieillir se tanner et se dessécher.

Marina Abramovic est une artiste serbe née en 1946 qui va réaliser des performances sur plusieurs jours, filmée, photographiée, n'hésitant pas à se mettre en danger avec ces serpents venimeux qui évolueront autour de son cou, sur sa tête.

Elle se flagelle, se love nue contre un bloc de glace plusieurs heures, embrasse plusieurs heures jusqu'à l'étouffement son partenaire performeur lui aussi, brosse 4 jours durant des os de boeuf en chantant des comptines pour enfants. Son but est de perdre la conscience du moment pour toucher son inconscient, interroger les acquis et les valeurs qui nous ont formés et les remettre en cause si toutefois on en est capable, car ce n'est pas forcément évident ! Toujours en beauté Marina, elle veille sur son image.   

Daniel Buetti 1955 est un performeur plasticien qui se positionne en photographe, ses photographies fort belles d'ailleurs souvent remaniées, parties du corps dénudées, visages, où il critique, tout en en profitant aussi, l'univers des

marques.

Gina Pane française née en 1939 morte en 1990

va réaliser des transformations corporelles en public, elle marche dans les flammes se taillade la peau, les paupières, se pique des épines de rosier dans le bras; toutes ces mutilations sont rituelles, parfois mystiques et ont une signification forte pour l'artiste et un public averti dont je ne suis pas pour le moment ...il me faudra analyser plus.

Orlan artiste française née en 1947

C'est une rebelle Orlan qui semble l'être en permanence, jouant avec ses métamorphoses en les mettant constamment en scène, avec beaucoup d'humour dans une oeuvre comme le baiser de l'artiste, où contre 5 fr l'artiste donne un baiser, l'argent tombe dans son pubis tiroir-caisse, critique de la  société qui ne voit en la femme que la putain, ou la mère, avec une photo d'elle

en madone où il était possible de mettre un cierge pour 5 fr, comme quoi, Orlan veille à tout et montre aux hommes qu'elle peut être contre et profiter de cette opposition pour en vivre. Puis elle s'amuse à modifier chirurgicalement son visage par des implants, elle souhaite créer une image qui lui soit propre, non stéréotypée, comme l'image d'une beauté classique, la beauté est avant tout culturelle, alors elle s'est construit une image qui lui correspond à elle, elle dit avoir voulu que son visage soit sa carte de visite. C'est réussi. Pas de plaisir de la souffrance chez Orlan, toute souffrance est évitée par l'anesthésie, juste revendiquer le droit à la différence en faisant de son visage une oeuvre d'art unique.

Van Gogh 1853-1890 a t'il vraiment besoin d'un défenseur, aujourd'hui ? Lorsque l'on regarde ses toiles, pense t'on à ses crises d'angoisse, ses débordements qui lui valurent quelques internements, volontaires le plus souvent ? Je n'en suis pas sûre. L'éclatante et vibrante peinture, les couleurs de Vincent, vous accrochent le regard et le captent, elles se suffisent à elles mêmes. Cohérentes, elles accompagnent avec une harmonie somme toute régulière la vie d'un peintre à l'humeur très irrégulière.

Ses autoportraits dont je ne mets que les détails, 43 au total ne nous expliquent rien, si ce n'est sa gravité lucide sur son personnage, son besoin de se peindre pour  se prouver qu'il existe, lui qui a des temps morts lors de ses crises, alors se regarder dans ses peintures le rassure sans doute, vérifier et garder en mémoire, lorsque le cerveau ne commande plus, que lui Vincent existe par, dans et pour sa peinture.

Artaud  1896-1948 est un tourmenté précoce, né, pourrait on dire, et peu importent les causes qui nous resteront dans l'ensemble inconnues.

A l'âge de 18 ans, en 1915 ses premiers troubles psychiatriques le font hospitaliser, ses premiers dessins datent de cette époque, et l'écriture lui deviendra aussi indispensable que l'oxygène.  Contrairement à Van Gogh qui connut certains moments d'apaisement, Artaud mis sous laudanum en deviendra dépendant, ce qui fera de sa vie une cure de désintoxication permanente toujours commencée, jamais réussie. Un médecin pourtant l'aidera à s'échapper un peu en l'aidant à cultiver des dons artistiques réels, et il commencera une carrière de touche-à-tout dans le théâtre, puis il découvrira le surréalisme dont il se séparera. Il sera acteur, créera 4 spectacles, mais son phrasé, ses prestations ne plairont pas. Il continuera à écrire des poèmes, des articles dans des revues littéraires et il laisse une oeuvre assez hermétique, réservée à des initiés. Il sera bouleversé par une exposition Van Gogh en qui il se reconnaîtra et écrira 'Van Gogh, le suicidé de la société' un plaidoyer envers ceux qui pensent autrement, ceux qui sont différents comment peuvent l'être des esprits créatifs et talentueux mais hors des cadres fixés par notre Société.  La peinture de Van Gogh reste malgré tout aboutie, maitrisée, toujours dans une cohérente et constante évolution.

Vincent Van Gogh est un grand peintre et il n'a plus rien à prouver.  Artaud  restera un homme souffrant dont la maladie a bridé les talents, preuve cet excellent dessin, cet autoportrait qui signale que certains moments lui furent doux, que parfois aussi il fut libéré de ses angoisses, du moins en partie !

 mais dommage que la maladie ait été excessivement plus marquée chez Antonin et le traitement plus lourd donc plus nocif, ce fut un handicap à toute carrière chez lui. On évoque chez Vincent les hachures nerveuses, les couleurs terreuses de certains tableaux, comme signes d'un esprit malade, c'est une de ses marques, ces hachures, un signe de re-connaissance

 Notre regard sur ces troubles du comportement a changé, nous sommes plus tolérants. La pharmacologie permet à beaucoup d'êtres hors normes de vivre tout à fait normalement. Cependant jumeler Vincent Van Gogh à la présence inquiétante d'Antonin Artaud est incontestablement une bonne idée marketing  preuve en est la foule qui s'y rend. L'accès aux toiles de Vincent est un pénible périple, Dieu merci, Vincent, tes toiles se voient même de loin !!!

Antonin Artaud quand même attire moins, plus dérangeant, plus dérangé ou moins connu, on peut arpenter tranquillement ses dessins.

Et finalement, aujourd'hui, ce n'est pas Artaud qui vient au secours de Van Gogh mais le contraire. C'est Vincent qui nous permet ainsi d'accéder à l'artiste Antonin et de tenter de le comprendre, d'aller sur ses étranges rives; dure vie que celle de ce multitâche, poète, acteur incantatoire, pamphlétaire ou jeteur de sorts, dessinateur et malade souvent ce qui l'obligea très tôt à de lourds traitements, dont le plus doux fut peut être le laudanum qui le rendit dépendant, et le plus terrible, les électrochocs.

Van Gogh perdure brillamment aujourd'hui, Artaud un peu moins, et c'est par Vincent aujourd'hui qu'il retrouve vie.     

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Une sacrée vie, une sacrée bonne femme cette Cameron, bien sûr, elle naît chanceuse, d'un père anglais haut fonctionnaire, d'une mère aristocrate française dans une famille aisée, éclairée où les filles reçoivent une éducation digne de ce nom. Elle épouse un anglais juriste qui travaille à Calcutta et qui achète des plantations de café. Ils auront 6 enfants,  retourneront en Angleterre, l'époux de Julia lui laisse une rare autonomie pour l'époque, elle gère le patrimoine familial. Elle animera un cercle mondain et intellectuel. En 1863 suite à une dépression, sa fille lui offre appareil de photographie et matériel pour chambre noire. Elle a 48 ans et va connaître une seconde naissance, une vie de photographe à la mode qui gagnera ainsi sa vie. Étonnant destin même dans un milieu culturel privilégié.Elle fera des portraits officiels de célébrités comme Charles Darwinou le poète Robert Browning.

Mais elle se distinguera par ses mises en image où elle raconte des histoires. Elle aime la beauté, les effets de flou, et fait des photos qui évoquent l'art des Préraphaélites. Ses photos longuement préparées font d'elle une réalisatrice, avant l'heure, de films de chevaliers et de contes. 

 Ce sont des petites scènes de théâtre qu'elle met en scène longuement choisissant elle même décors, coiffures, costumes, entretenant une complicité avec ses modèles-comédiens, elle puise ses sujets dans les légendes, les mythes antiques, la Bible. Ses proches et sa famille lui servent de modèles. Julia Jackson en haut à gauche est l'une de ses nièces et sera la mère de Vanessa Bell (peintre) et de Virginia Woolf. Elle fera de la photographie un art, on est en 1863 ne l'oublions pas, les femmes photographes ne courent pas les rues, elle reste et ce n'est pas un hasard fort actuelle et l'une des pionnières dans cette spécialité nouvelle que les hommes se sont aussi octroyés.  

La rivière Ourzie ou Ourze prend sa source vers Charconac, hameau de Cayres, affluent de la Loire de 8km à peine, elle prend aussi le nom de ruisseau de la Beaume à la cascade de la Beaume. Le mot Beaume ou Baume viendrait du mot balma d'origine celte qui signifie grotte. Au pied de la falaise de basalte, des fouilles ont retrouvé des vestiges préhistoriques où les chasseurs s'installaient en position d'abri il y a plusieurs dizaines de milliers d'années. A proximité de la Nationale 88, située entre Solignac et Le Brignon, à côté d'Agizoux, la cascade se montre lors d'un virage à condition d'accéder au point de vue, et est accessible facilement après le pont quelques centaines de mètres plus loin, où un petit parking est à votre disposition. La promenade a été aménagée, des ponts permettent de passer sur la rivière, les derniers mètres sont pentus et caillouteux, les petits pieds nus sont déconseillés sauf aux coquettes irréductibles. Le chemin est assez fréquenté aux beaux jours !   Le son, avant la vue, bien sûr ..Sur la route qui longe la cascade, une petite merveille de colonnes prismées finement ciselées par Dame Nature, un petit travail d'orfèvre, d'orgues gardées par des abeilles.

Madeleine Lemaire 1845-1928, Louise Abbéma 1853-1927 ont étudié chez Charles Chaplin, Jean Jacques Henner, Carolus-Duran. Blanche Odin 1865-1957 sera une des élèves de Madeleine;  Femmes-peintres fort académiques (par nécessité) des fleurs, des femmes et des enfants, puisque rien d'autre ne leur était permis, puisque les écoles d'art leur étaient interdites. Rosa Bonheur 1822-1899, elle, choisit la peinture animalière et a ainsi une place à part, socialement d'abord, semblable à G Sand, elle aura l'autorisation de porter un pantalon, affichera son goût pour les femmes sans que cela pose trop de problème, elle bénéficiera donc d'un statut à part, comme G. Sand, comme quoi le port du pantalon était subversif !!!!  Un point commun pour toutes ces femmes, elles se rallient à l'ambiance très misogyne de l'époque, ce ne sont ni des suffragettes, ni des militantes, mais elles participent quand même, indirectement, au féminisme naissant, grâce à leur réussite sociale qui permettra aux féministes de mettre en avant le talent des femmes. Le trio Berthe Morisot 1841-1895, Eva Gonzales 1849-1883, et Mary Cassatt 1844-1926 associé au groupe des impressionnistes, fit entrer les femmes véritablement dans l'histoire de la peinture. Il restait encore un pas à franchir en ce qui concerne les thèmes, mais elles ont montré que les femmes bourgeoises étaient capables de sortir de l'académisme convenu, du carcan épouse-mère dans lesquels la société du  XIX siècle les avait emprisonnées. 

Mary Cassatt se dégage de ce trio qui deviendra duo, à la mort précoce d'Eva Gonzalès. Mais tout comme Berthe Morisot se distinguera du lot par sa modernité, Mary Cassatt se distinguera, elle, par sa singularité. Américaine, elle séjourne en France dés l'âge de 6 ans, de 1850 à 1855, date de la mort de son frère soigné à Paris. A l'âge de 16 ans en 1860, elle étudie à l'académie des Beaux Arts de Philadephie. 6 ans plus tard, elle revient à Paris où elle sera l'élève de Charles Chaplin, puis de Gérôme. Elle est libre Mary, la vie convenue d'une bourgeoise mariée ne l'intéresse pas, elle changera plusieurs fois de maîtres( Frère, Soyer, Couture, Bellay, Raimondi) voyageuse elle se rendra à Rome, à Parme, à Madrid, Séville, avec des retours aux USA. En 1877, elle rencontre Degas, Pissarro, Berthe Morisot avec lesquels elle sympathise. Lorsque Degas lui demande de participer à son projet de revue (qui ne se réalisera pas) consacré à la gravure avec Pissarro et Félix Bracquemond, Mary Cassatt se met alors à la gravure, aux dessins, eaux fortes, contre-épreuves. Célibataire, par choix semble t'il, elle peindra aussi pour vivre, des portraits, des commandes, comme 2 copies de Courrège pour la cathédrale de Pittsburgh. Ses oeuvres se vendront bien et lui assureront de confortables revenus. Elle achètera le château de Beaufresne au Mesnil-Théribus, où elle travaillera avec acharnement, les siens morts, libre, seule mais célèbre. ....

c'est donc ce que nous propose en ce moment le Mona Bismark American Center à Paris. Ambroise Vollard, marchand d'art, acquit  un grand nombre de ses dessins et gravures, et les conserva jusqu' à sa mort. Ce sont ces 67 dessins et gravures que l'on nous présente. 

Pointe-sèche

pointe sèche, vernis mou, aquatinte en couleurs

Contre- épreuve de pastel : Reproduction inversée obtenue en appliquant le pastel contre 1 feuille de papier japonais humide avant de le passer sous presse.

François Bégaudeau né en 1971, critique littéraire et de cinéma, romancier

Livre de souvenirs d'un adolescent qu'on appelle le Nantais, âgé de 15 ans au physique moyen; pour situer dans le temps, cela se situe au temps de la famille Barbapapa, série qui fut créée en 1974. L'époque est le règne de la Renault 18 voiture familiale moyenne, les boissons favorites sont le monaco, ou le demi panaché qui est un compromis à moitié satisfaisant pour un chico de 15 ans : 'La demi-teinte plutôt que le ridicule de la pleine assurance, c'est un autre choix perdant et c'est aussi le mien' Voilà, le ton est donné. Le Nantais est un demi perdant, pour tout. Il est aussi puceau. L'été 1986 sera la fin de cet état ou ne sera pas. Mais voilà 'Pas envie de dire oui, pas le courage de dire non'. Le Nantais est plutôt intellectuel, le beau gosse, car oui ya un beau gosse, Joe qui n'est pas très futé, pas, pas rien du tout d'ailleurs, pas délicat, pas raffiné, pas sentimental, juste baiseur à fond de petites nanas, pas d'état d'âme, juste 'tranquille serein cool.' Le Nantais est communiste tendance léniniste. Des filles, il pense que la catégorie assez fournie se situe autour d'un 9 sur 20, et sa question est de savoir si à 9 sur 20 elle sont baisables ou pas. Lui s'estime entre 9 et 12 sur 20, quoique avec un bouton, il penche plutôt vers le 9. Oui, il n'est pas qu'intellectuel pur le Nantais, il est un peu obnubilé par ses hormones, Et puis voilà t'y pas que surgit hors de la nuit une brune de Jupiter, une brune qui court vers l'aventure au galop (merde, j'écris comme Bégaudeau !), une brune qui pourrait devenir son amoureuse, oui amoureuse pas que baisée, amoureuse à baiser. Mais voilà t'y pas toujours, que la Céline de l'an dernier s'annonce, et voilà notre Nantais avec 2 brunes, 2 brunes à baiser. L'histoire se complique, d'autres brunettes sont là émoustillant les sens du Nantais puceau, brouillant les voies impénétrables (elles aussi) du destin. Notre Nantais a donc de cet été 86, une blessure d'amour, propre ou pas, mais une blessure dont il ne se remettra pas, 'une entorse incurable au bonheur'. Espérons qu'en nous la narrant, notre Nantais s'en portera mieux ! Parce que bon, il fait un peu schmir le Nantais, à se ressasser son problème  d'baisera, baisera pas. M'est avis que La mère Baquet, elle, doit avoir un autre avis sur la question.

C'est pourtant écrit, d'une écriture assez rigolote qui me plaît, qui se joue des mots et des expressions-clichés. Mais l'intrigue est un peu mince, un peu lassante à la longue. Dommage ! 

On a en général une vision fort réductrice de Van Gogh, ses troubles psychologiques, son oreille coupée lors d'une altercation avec Gauguin, sa relation fidèle à son frère Théo, Anvers sur Oise, Gachet, son suicide. La Pinacothèque choisit elle de réduire son inspiration et établit un parallèle avec l'oeuvre de Hiroshige pas forcément convaincant.

Le japonisant est bien sûr à la mode, et les peintres de l'époque vont plus ou moins japoniser, comme ils ont académisé avec les classiques,  les rois de l'académisme comme Thomas, Couture, Gérôme, avant de les rejeter ... et puis ceux qui sont plus talentueux, plus créatifs, plus doués, moins peureux, vont trouver leur style propre, celui qui nous fera reconnaître la patte du peintre. 

  Le pont supendu est il japonisant ?

Vincent séjourne après sa séparation avec Sien, à Nieuw Amsterdam, dans un pays qui lui ressemble à ce moment là, désolé, couleurs pâles, eau qui domine, lumière faible, Vincent réussit fort bien les aquarelles. Si le Japon doit l'influencer, ce n'est pas dans cette aquarelle là, quant au pont sur le canal, il ressemble à beaucoup de ponts suspendus qui ne manquent pas en hollande.  Van Gogh était très érudit, doté d'une famille cultivée aisée qui comptait outre des Vincent en pagaille, de nombreux marchands d'art, ajoutez à cela que la mère de Van Gogh avait un fort joli coup de crayon, et qu'elle initia son fils au dessin. Vincent naquit 1 an après un premier Vincent mort-né, première ombre au tableau. Plusieurs Van Gogh sujets à des dépressions, deuxième ombre au tableau. Le père, pasteur, médiocre dans sa fonction, ce qui ne le sortit pas de son austère et anxieuse tristesse naturelle, troisième ombre au tableau. Un caractère d'insoumis, un physique de roux fort peu apprécié à l'époque, un internat forcé considéré comme une exclusion du milieu familial, voila pour les ombres de Vincent. Ensuite, il y eut la difficulté constante à se faire aimer d'une femme, ensuite il y eut cette obstination à vouloir être pasteur comme son père, il y eut beaucoup d'échecs chez Vincent qui eurent un double effet, l'un négatif à s'isoler du monde, à ruminer, à "criser à la folie", mais l'autre positif, à extérioriser son amour de la nature, son amour des humbles dans la peinture (comme dans la vie d'ailleurs) puis à vivre au final le bonheur par sa peinture. Il fréquentera toute sa vie les peintres et les livres. Alors, tout l'a inspiré Vincent, les peintres hollandais, les français, les japonais, en vrac Israels, les 3 frères Maris, Mauve, les 3 Cuyp, Rembrandt, Millet, Corot, Hiroshige, Hokusai, Monticelli, Rubens,

Anquetin, Seurat, Signac etc etc ....  En  1887 Van Gogh rencontre Gauguin, en 1888 Vincent est en Arles, il y recherche la lumière, sans doute la lumière et les couleurs gaies, c'est un peu le Japon des fresques japonaises question atmosphère, lieu de plaisir pour la caserne de zouaves, le pont de Trinquetaille autre pont suspendu, les arbres fleuris. Van Gogh se met à peindre des tableaux de vergers en fleurs, car il a besoin d'argent, Van Gogh, et à juste titre puisque le Japon est à la mode, et bien il fait des arbres à coups de brosse, hachés, discontinus, son trait à lui.

Des japonais, il retiendra le trait fin, précis, qu'il fera lui, Van Gogh, haché, virevoltant, en mouvement perpétuel, tourmenté; des impressionnistes il apprit la couleur; de Monticelli, il retiendra le contraste des explosions de couleurs en pâte, il n'était pas bégueule Van Gogh, il prit tout ce qu'il pouvait prendre des peintres qu'il rencontra, il s'en imprégna, et aboutit à sa peinture si reconnaissable, si particulière. 

Un petit dernier, Le Bon Samaritain, copie de Delacroix est il plus japonisant que van goghien copie Delacroix ? 

Des paysages de Van Gogh dont les couleurs éblouissent, la lumière de Van Gogh ... l'exposition modeste de la Pinacothèque vaut le déplacement rien que pour cela. Elle nous vaut aussi une rencontre japonaise, alors on ne boude pas son plaisir, on en pense ce que l'on veut, mais on y va. 

Peintre né en 1962 en Chine, a d'abord dû travailler pour une entreprise de pétrole, à 23 ans en 1985, il va étudier l'art à l'école normale de Heibei, puis s'installe dans un village d'artistes marginaux et contestataires près de Pékin. Il fait partie du courant dit réalisme cynique, courant en opposition à la peinture propagande du pouvoir politique, qui, après les évènements du printemps de 1989 de la place de Tiananmen qui engendrèrent un nombre important de victimes, figea le processus de libéralisation entamé dans les années précédentes. Yue Minjun choisit alors de mettre le rire en avant, démesuré, exagéré, outrancier, monstrueux, caricatural. Il dit exprimer ainsi le tragique et le douloureux par l'intermédiaire du rire qui devient rictus, grimace, masque.     

Un des tableaux les plus connus de Minjun, un qui a établi un record de vente pour un artiste chinois 

 Exécution est sans doute célèbre car il fait référence à ceux de Goya (1808), de Manet (1867), de Picasso (1951), revu, corrigé à la manière universelle en somme de Yue Minjun un seul visage pour n'importe quelle exécution, un seul visage qui associe les bourreaux aux victimes, un humain contre un autre humain, vous, moi, lui ...  ses tableaux de cette époque (90-2000) représentent toujours un rapport de force, l'humanité contre les armes, contre la dictature politique qui muselle la pensée.     

Yue Minjun peint dans un style comique des situations tragiques, douloureuses. Cela provoque au début le rire des spectateurs, mais si le regard persiste, on ne voit plus que le tragique qui s'impose.  Quand il était enfant, faire la queue, porter les mêmes habits que les autres, participer aux activités collectives lui était normal, en grandissant il s'est rendu compte que cette forme d'esclavage imposée par le régime était

insupportable à vivre, et c'est ce qu'il choisit de montrer en peignant ses tableaux qui sont une accumulation de ce qu'il a vécu. 

 Une évolution, le rire laisse place à un monsieur tout le monde qui rit encore, mais

prend un peu de liberté.

Une période où Minjun peint des labyrinthes vers 2007/2008,

 qui posent une question : Le peuple chinois arrivera t'il à s'extirper de sa propre culture ?

 Et puis, une période de tourment pour le peintre, alors il a peint une feuille, l'a froissée puis redéployée, Minjun exprime par son art le ressenti de son tourment, le disloque et s'en débarrasse ainsi, sinon il serait devenu une souffrance,

cet autre tableau qui rappelle un peu Bacon, est une autre manière de s'échapper, de cet art cynique peut être, qui risque de l'enfermer ... alors il recherche d'autres possibilités ... 

Le rire s'est peut être éclaté .... à voir à la Fondation Cartier. 

Michel Rostain 1942 Maîtrise de philosophie, DEA d'histoire de la musique, metteur en scène de théâtre lyrique et musical, directeur de la Scène nationale de Quimper. Écrit son premier livre en 2011 : Le Fils

Bien sûr, je fus attirée, d'abord par le titre, forcément.

Lion, Le fils raconte le chagrin des ses parents lors de sa mort brutale due à une méningite foudroyante.

Quand vous avez de l'humour, l'humour reste, quand vous aimez la vie, l'amour de la vie demeure ...  Cela prend du temps, des larmes, des nuits sans sommeils, des regrets, des remords. Et au final, comme avec tout ou presque, on arrive aussi à trouver un petit arrangement avec ses morts. On oublie rien, on souffre toujours, mais on apprend à vivre sans.   

C'est bien écrit, cela se lit aisément, rapidement, les mots plaisent, les images qui découlent de ces mots aussi.

Mais je reste sur ma faim, un peu !

Forcément, madame Freud, forcément.

Berthe Morisot est née la même année que Renoir en 1841. Mallarmé naît l'année d'après en 1842. Monet l'année d'avant en 1840. Voilà pour la maternelle. Dans la cour des grands, il y a Degas âgé de 7 ans, Fantin Latour âgé de 5 ans et Manet âgé de 11 ans. Rien que du beau monde qui se côtoiera rapidement. Si les hommes ont suivi plus ou moins d'ailleurs des cours aux Beaux Arts, les femmes n'y ont pas accès, mais Berthe apprendra tôt le dessin, 12 heures par semaine, puis aura un élève d'Ingres et de Delacroix comme professeur, Guichard, qui lui fera faire des copies au Louvre et lui fera rencontrer Fantin Latour, puis Camille Corot qui deviendra son professeur, et lui fera connaître  Charles Daubigny.  Berthe sera entourée rapidement de jeunes talents,ceux qui sont du même âge qu'elle et les plus âgés comme les Manet. Pas une facile, Berthe, pas une commode, elle sait ce qu'elle veut, peindre avant tout, Elle doit se battre en permanence contre les idées reçues, contre son père, contre sa mère qui aimerait la marier, comme elle a marié ses 2 autres filles, mais Berthe persiste, quitte à manifester de la mauvaise humeur, quitte à se morfondre dans la mélancolie et à se replier sur elle. Pas aisé d'être libre pour une jeune fille de bonne famille à cette époque, alors que l'on rêve d'être peintre, alors que l'on a un talent qui vaut bien celui d'un homme. En 1863, sa soeur Edma la peint, en peintre .. Berthe a alors 22 ans. On parlera de rivalité entre les 2 soeurs, il n'y en aura pas, pas en ce qui concerne la peinture en tout cas. Edma a pour but de se marier. Berthe se liera d'amitié avec la duchesse de Castiglione Colonna sculptrice connue sous le nom de Marcello, femme libre. Elle fréquentera aussi Mary Cassatt.    

On a tout dit ou presque de Berthe, pour moi, elle représente la victoire d'une femme sur une époque où seul l'homme avait des droits , malgré sa classe sociale si misogyne, si sclérosante pour les femmes. Il lui en fallu de l'obstination pour persister à peindre, pour contrer les volontés opposantes, d'abord celle de son père heurté sans doute par cette fille ombrageuse et fantasque, puis celle de sa mère qui l'encouragea souvent, mais qui  interprète mal la sensibilité de Berthe plus préoccupée par son art que par la recherche d'un mari pour fonder un foyer, sa mère qui s'inquiète de sa maigreur et la voudrait grasse et fertile, et je ne parle pas des critiques qui la traitent de peintre de ménage, qui la disent folle.

Bien sûr, elle bénéficia d'un mari précurseur dans sa modernité, qui lui facilita la vie pour l'aider au mieux à exercer sa peinture, qui lui donna une fille Julie, qu'elle aima passionnément, cet amour maternel qui combla certainement ce manque d'amour réel de sa vie. Et puis, elle eut beaucoup d'amis, Berthe, en vrac, Manet l'amour manqué, Degas, Mallarmé, Renoir, Monet elle aimait briller Berthe, et brilla souvent grâce à cette petite cour de fidèles fort respectueux, toujours, qui gravitèrent autour d'elle. 

Berthe Morisot, une peintre qui osa la modernité plus que toute autre, une belle femme, une peintre de talent, une putain de sacrée de bonne femme !  Elle avait un coup de pinceau, puissant rageur, parfois, les traits des visages flirtant avec l'abstraction, elle  joue avec les couleurs et les décline dans tous les tons.

Elle peint la nature par petites touches, un petit fouillis de fleurs et branches mêlées au vent, au flou, à un je ne sais quoi d'inachevé 

La vie ne l'épargne pas, lui enlève Edouard Manet en 1883, puis son second beau frère Gustave en 1884, et sa belle mère un mois plus tard. Eugène son mari a une tuberculose et végétera 5 longues années soigné tendrement par Berthe. Il meurt en 1892. La soeur aînée de Berthe meurt elle aussi cette année là. Berthe se consacre à Julie âgée de 14 ans et à sa peinture. Elles sortent avec Renoir, Mallarmé, vont à Giverny, reçoivent à nouveau les habitués, dont Rodin. Elle s'occupe de ses nièces, orphelines, Paule et Jeannie Gobillard. Berthe peint ces jeunes filles assez classiquement, puis se met à peindre des nus, d'après des jeunes modèles, des femmes à leur toilette. Berthe Morisot semble avoir trouvé la sérénité, mais ce n'est qu'une apparence, elle doute toujours de son talent, recommence plusieurs fois ses tableaux, les reprend et ne les achève pour ainsi dire jamais. Le dernier tableau sera celui de Marcelle, toujours ces petits traits de pinceaux qui la caractérisent.  Julie est grippée en ce début d'année 1895, Berthe est atteinte à son tour et meurt lucide, le 2 Mars. Elle avait 54 ans.  

Marmottan nous propose jusqu'au 1ier Juillet 2012, une belle rencontre avec cette peintre. La dernière, en France remonte à 50 ans, alors si vous aimez, et n'être plus très jeune, c'est l'occasion ou jamais !

Le musée de Vulaines sur Seine, ancienne maison occupée  par Mallarmé offre jusqu'en Juin 2012 une exposition autour des femmes, des amis, des relations de ce dernier. J'y ai retrouvé avec un certain plaisir des noms déjà cités dans ce blog, et petit à petit le puzzle de l'élite intellectuelle du milieu du 19ème jusqu'au début 20 ème se reconstitue, milieu finalement assez restreint où peintres, littéraires, musiciens que je n'évoque pas souvent, par méconnaissance, se mêlent. 

Orphelin, j'errais en noir et l'oeil vacant de famille (Réminiscence). Stéphane Mallarmé est né en 1842, sa soeur Marie en 1844. Leur mère meurt 3 ans plus tard. Leur père se remarie rapidement. Et Mallarmé a la douleur de perdre Marie âgée de 12 ans. Depuis que Marie m'a quitté pour aller dans une autre étoile .... j'ai toujours chéri la solitude. (Plainte d'automne). Mallarmé professeur d'anglais épouse en 1863 Maria fragile jeune femme qui ne se remettra pas de la mort, encore une, de leur fils Anatole à l'âge de 8 ans. Leur fille Geneviève veillera sur elle et sera proche de son père. 

Mallarmé, il faut reconnaître que pour te lire, on a besoin d'un décodeur. Tu es carrément hermétique, parfois, souvent; certes tu estimes, à tort je trouve, que la poésie est réservée à une élite initiée, tu écris dans L'artiste  ' Toute chose sacrée et qui veut demeurer sacrée s'enveloppe de mystère ... l'art a les siens ... Les premiers venus entrent de plain-pied dans un chef- d'oeuvre, et, depuis qu'il y a des poètes, il n'a pas été inventé, pour l'écartement des importuns, une langue immaculée, des formules hiératiques dont l'étude aride aveugle le profane ...  et de fait, Mallarmé, tu t'y tiendras à cette idée fixe de vouloir écarter le profane, le non initié, le courant, presque tout le monde quoi !!! de quoi enorgueillir les intellectuels qui se pencheront sur toi et tu as raison, il y en aura de rares ... il faut reconnaître Mallarmé que pour compenser, ou pour donner le change ou par pur plaisir, tu fus un être sociable, tu aimas les femmes, tu adoras briller en salon avec l'élite artiste et intellectuelle de l'époque.  

 Mallarmé poursuit sa carrière littéraire en même temps qu'un professorat d'anglais avec beaucoup de doutes  et de découragement. Il se lie d'amitié avec les félibres (Mistral), avec Leconte de Lisle, Cazalis, Coppée, Mendès, Manet, qui lui fera rencontrer Berthe Morisot, Degas, Renoir, Monet, Redon, les Natanson et bien d'autres encore, ce serait fastidieux de les énumérer tous. Mallarmé devait avoir un sens particulier de l'amitié qui lui a attaché de sincères relations avec l'élite intellectuelle toute confondue de l'époque. L'exposition nous montre des dessins, des pastels, des peintures, des gravures aux signatures prestigieuses aujourd'hui comme Manet, Morisot, Redon, Bonnard, Redon, Blanche etc .... Petit topo sur la vie de Mallarmé, les dates principales de sa vie, quelques écrits, correspondances, Monsieur Mallarmé avait un certain charme, un esprit brillant en société, une poésie pas aisée à aimer. Mallarmé portait en lui un tourment, inné, acquis ??? il avait une insatisfaction permanente en lui, que rien n'a vraiment comblé, même pas son art. Sur ce, il a bien vécu cet homme là, dans l'illusion, sans illusion !  Il publie 8 numéros d'un périodique assez étonnant 'La Dernière Mode', prétexte littéraire où s'affine son style dixit ses partisans, ou bien frivolité mystérieuse mais séductrice et nécessaire pour accepter, le reste, l'indicible, l'inaccessible réussite : Hérodiade restera un immense projet qui ne se finalisera pas, conçue pour être une tragédie théâtrale, Mallarmé en fera un poème ... inachevé. Hérodiade c'est en fait Salomé, la fille d'Hérodiade que Mallarmé célèbre, celle qui danse, celle qui demanda inconséquemment la tête de Jean Baptiste pour la donner à sa mère Hérodiade ( car Jean Baptiste ne reconnaissait pas son second mariage).  Salomé qui représente la femme , femme fatale et perverse connaîtra un succès fou avec ce 19ème siècle fort misogyne.     

Jeanne Jacquemin (1863-1938) relation amicale, se représenta en Salomé ( Saint Augustin la fait mourir décapitée par les glaces d'un lac gelé). 

Et l'on retrouve cette coquine de Méry Laurent née Anne Rose Louviot, modèle et amante de Manet, Gervex, Blanche, Nadar et d'autres encore ... muse et amante de Coppée, Mallarmé et d'autres encore. Méry était volage et fidèle à la fois, l'amour chez elle devint toujours amitié, on l'aima pour cela, pour son humour, sa culture, sa générosité, sa tendre amitié. Elle compta beaucoup pour Mallarmé et réciproquement.

Tu es une compagne unique ...Tu es plus neuve, et je crois que c'est cela rester jeune, non pas seulement de ta grande personne très belle; mais en idée.  Lettre de Mallarmé à Méry Août 1891.

Mallarmé cultiva l'amitié féminine, avec Berthe Morisot qui en fit le tuteur de sa fille. Avec Renoir il s'occupera donc de Julie Manet et de ses 2 cousines orphelines, elles viendront chez Mallarmé passer des vacances. Marie Cassatt illustrera un de ses poèmes. Nina de Callias la dame aux éventails de Manet  est une amie de jeunesse, Mallarmé fréquentera son salon. Augusta Holmès pianiste amie de Litz composera elle même un opéra. Misia Natanson muse des Nabis excellente pianiste s'installera avec son premier mari Thadée Natanson à Vulaines à côté de Mallarmé, Misia agrandira le cercle des relations de Mallarmé, avec Bonnard, Denis, Vuillard, Toulouse-Lautrec ....

Un jardin, une promenade le long de la Seine agrémentent cette visite et pour les gourmets un restaurant dont les menus sont sympathiques, où il faut sans doute réserver, comptez quand même 30 à 60 euros par personne.

Nulle trace d'écrit en ce qui concerne ce château avant le 13ème siècle.

Alphonse de Poitiers, frère de Saint Louis était suzerain de moults fiefs du Vélay, Entre 1250 et 1263 le recensement de ses vassaux auvergnats fit apparaître la seigneurie de Saint Romain. 

Du corps de garde, s'entendent encore les bruits de guerre, les pavois des Arbalétriers, le sifflement des flèches d'archers, les fléaux qui frappent les armures, les masses qui s'abattent sur les têtes, les miséricordes, les javelots, les cliquetis en tous genre mêlés aux cris de terreur et de souffrance, une odeur de sang où se mêle l'acide aigreur de la peur se mélange à celle du feu  ..

Nous sommes en 1361, autour du château, sur la butte, une église, des maisons et des humains, un seigneur voisin Etienne de Vissac voulant s'emparer du château, ses gens d'armes brûlent les maisons et l'église qui seront reconstruites à Siaugues.

Nous sommes en 1372, durant la guerre de 100 ans, Armand de la Roue en conflit avec le Seigneur de Polignac, en compagnie de Robert Dauphin seigneur de St Ilpize  donne l'assaut au château de Siaugues Saint Romain, ils ont d'abord tenté sans succès l'escalade des forteresses de Polignac et de Solignac et se sont donc rabattus sur ce château dont les Seigneurs seraient les Beaufort-Canillac et les Bertrand vassaux des puissants seigneurs de Polignac.

Ils occupèrent un temps le château et furent ensuites vaincus, les sources à ce sujet restent malheureusement fort rares et assez évasives.  

En 1415 Gilbert III Motier de Lafayette 1380-1464, Maréchal de France, acquiert le château et le restaure, on peut supposer qu'il ne l'occupa que par intermittence, ses états d'armes glorieux et nombreux le prouvent, il légua à l'un de ses fils Gilbert IV ( mort en 1527) ce château

celui ci se lia aux Polignac en épousant Isabeau de Polignac. Un des derniers descendants de la branche qui hérita du château fut le père Joseph conseiller de Richelieu, il ne dut pas l'occuper beaucoup non plus, une duchesse d'Uzès l'acheta mais il n'abrita que des gardes. Le château fut pillé à la Révolution et alla à l'abandon.

Très proche de nous, une bande de jeunes américains vint le délivrer de sa prison de ronces, et l'une d'entre eux épousa l'actuel propriétaire des ruines. 

Maintes fois détruite, maintes fois reconstruite, sort commun à beaucoup d'édifices religieux, la cathédrale de Nevers a été contrainte à un remplacement de tous ses vitraux, suite au bombardement par les alliés en 1944. De 1947 à 1967, restauration de la cathédrale, programme d'aménagement des vitraux à partir de 1973.

A l'ouest, dans le choeur roman, Vitraux dessinés par Raoul Ubac 1910-1985. Initialement photographe officiant dans le surréalisme, il expérimente le dessin, la gravure sur ardoise, la peinture, l'association des 2, la sculpture. Réalise aussi des maquettes de tapisseries, vitraux, et illustrent des livres. De 1977 à 1983 les Maîtres verriers Charles Marq et l'atelier Simon élaborent les vitraux.

Ondulations, bleues, jaunes et roses sont elles symboles des éléments terre, air, eau et feu ? Sillons de terre labourés ? Fleuves du Paradis ? ou mise en valeur de la fresque du Christ en gloire ? 

Et si ce n'était qu'une douce invitation à la méditation pour certains, à une rêverie harmonieuse pour d'autres, et pour ceux qui restent, à simplement un peu de repos bonheur entre 2 agitations.

Vous voilà prêt à affronter la violence des couleurs des croisillons du transept roman. Nous devons ces vitraux à Jean Michel Alberola (Figuration libre)  né en 1953 qui réalise des peintures, lithographies, dessins, sérigraphies, collages, maquettes de vitraux, sculptures. Il utilise dans ses oeuvres : photographies, cartes postales, objets trouvés, films, néons, textes. Les Maîtres Verriers sont Pierre Defert et Dominique Duchemin.

Apocalypse-vitraux : chaos, destruction et persécutions, puis triomphe des élus et béatitude céleste pour les survivants dans un monde nouveau avec la venue du Christ. Le blanc est la présence de Dieu, mystère invisible, le rouge est symbole de violence, sang, martyre...

Vous en prenez plein les mirettes, de ces couleurs éblouissantes au soleil, vous en restez bouche bée !

Le tau (lettre grecque t) en forme de croix est le signe des élus pour les protéger du mal. Le chiffre 144 000 symbolise la plénitude des élus, 1000 est grande quantité, 12 ce sont les 12 tribus d'Israel, 12x12 = 144. Élémentaire, non ? que ce soit limpide pour vous ou source de migraine, peu importe :

 laissez chanter les couleurs.

Les fenêtres hautes de la nef reposent les yeux, calment le tumulte des coeurs, apaisent les esprits tourmentés, dessinés par Gottfried Honegger peintre suisse né en 1917, collectionneur, sculpteur (Donation Albers-Honegger- Espace de l'art concret  à Mouans-Sartoux). Maître verrier : Jean Maure 

Les fenêtres basses de la nef sont dessinées par François Rouan : né en 1943 à Montpellier, travaille le dessin, la peinture, la photographie, réalisateur de films en dialogue avec ses peintures. Lié à Balthus, Jacques Lacan, Matisse.

Maîtres verriers : Benoît Marc et Atelier Simon

Symphonie de couleurs, qui scintillent et s'éclatent.

Dans le choeur gothique, les verrières hautes sont dessinées par Claude Viallat peintre né en 1936 à Nimes Elles évoquent les portes, de  la Jérusalem céleste de l'Apocalypse, serties de Lapis Niger, de rubis, de saphir, et d'or qui dansent, miroitent, papillotent sur les pierres.    

Dansez !

Dans le déambulatoire, Jean Michel Alberola, et Dominique Duchemin, le Maître verrier, exultent, jubilent .. c'est une débauche de couleurs, qui nous offre une relecture de l'évangile, figurée ou abstraite, débordante de couleurs jusqu'à saturation, si riche en personnages bibliques, en scénettes cathéchisantes, qu'elle nous ramène à l'enfance, au temps où l'on croyait tout ce que l'on nous disait. Et je choisis d'y croire encore.    

Gaston Duchamp est né en 1875, dans une famille bourgeoise, père notaire et compréhensif qui financera ses fils, mère sensibilisée à l'art par son père Emile-Frédéric Nicolle, dont la passion était la peinture et les eaux fortes. Sur les 6 enfants de cette famille, 4 furent célèbres, Gaston sous le pseudonyme de Jacques Villon, Raymond né en 76 sous celui de Duchamp-Villon, Marcel Duchamp l'extravagant né en 1887, Suzanne née en 89. Ils apprirent le dessin avec leur grand-père. 

Gaston se passionnera, tôt, pour le Traité de la peinture de Léonard de Vinci. Gaston prend le pseudonyme de Jacques Villon quand il devient dessinateur humoristique, pour ne pas entacher le nom de son père, dans des revues au nom suggestif comme Cocorico, le Frou-Frou  ou Le Rire. Jacques a un trait vif, précis, pertinent, mordant. Il croque bien Jacques avec délicatesse, humour et impertinence.  

Il excelle aussi dans les aquatintes et pointes sèches, progressivement, ses hachures deviennent plus drues, serrées, noires, construites.

Installé à Puteaux, cet homme demeure un peu en retrait du monde artistique, il s'intéresse de loin à Bonnard, Vuillard, Denis sans les approcher. Il passera par une période fauve, puis en 1910 sa carrière de dessinateur humoristique s'achève. Le groupe de Puteaux se constitue avec Kupka, Picabia, Mare, Léger,  face au groupe de Picasso et de Braque alors en pleine période cubiste. Villon s'y intéresse grâce à Kupka, il voit dans le cubisme une catégorie nouvelle de peinture, " une chose qui a les possibilités du rêve". Jacques Villon qui aime l'ordre et la discipline découvre que la technique cubiste peut lui servir.

 Il utilisera la construction géométrique pour faire du tableau une architecture de couleurs, que le sujet soit figure animale ou humaine, paysage, nature morte. Il synthétisera le mouvement avec le même procédé. 

Cubisme, mais à la façon d'un Villon qui quadrille de façon systématique, par un savant calcul, les formes en mouvement, qui juxtapose sur sa feuille les mouvements qui se succèdent frénétiquement jusqu'à obtenir une forme abstraite figurative .. 

Villon est un intellectuel, doublé d'un mathématicien, il dessine ses thèmes, géométriquement, mathématiquement, il structure, construit, trace, tire des traits .. voici 3 oeuvres qui montrent (un peu), sa façon de faire ... Villon fait énormément de dessins avant de peindre.   

Et puis, Villon joue avec les couleurs, classiques dans ses débuts, puis criardes à la fin de sa vie, il s'éclate dans les verts, les roses,les mauves. Il pointille parfois,, en fait Jacques Villon expérimente aussi les couleurs, les marie entre elles avec plus ou moins de bonheur, arrive à les faire hurler ses couleurs, puis nous surprend à peindre des demi-tons plus doux, sentimentaux, romantiques.

A la fin de sa vie, enfin reconnu, vivant largement de sa peinture, il simplifiera ses dessins, fera du Villon, mais assagi, rassuré, serein enfin, n'ayant plus rien à se prouver.

Je le préfère dans ses eaux fortes, ses dessins, Jacques villon, un petit dernier pour le plaisir. 

Bon, on ne s'est pas tout dit, je suis allée à Angers vous voir, mais où nous reverrons nous monsieur Villon ? vous êtes rare en France ... quelques oeuvres à Beaubourg, mais où êtes vous ailleurs ? mis à part les US, bien sûr.

Sacré Odilon (1840-1916) excellent dessinateur, partagé entre le rêve et sa réalité souvent endeuillée, se passionnant pour les sciences grâce à la rencontre avec Armand Claveau (botaniste) en 1857, il a alors 17 ans, pour la littérature grâce à sa rencontre avec Joris-Karl Huysmans écrivain et critique d'art en 1882, il a alors 42 ans. Il publie des albums où il interprète à sa façon les textes d'Edgard Poe, de Gustave Flaubert, de Baudelaire. Il ne met pas en image les textes choisis mais en tire inspiration et prétexte pour dessiner des noirs fantastiques où satyres, chimères, sirènes, têtes coupées, yeux volants, sphères lui permettent de se libérer de ses rêves les plus romantiquement symbolistes. Monet est né la même année que lui, et Gauguin est né 8 ans plus tard.

Fusains qu'il nommera ses noirs,  pastels, peintures ... Redon donne aussi avec un certain bonheur dans la décoration avec des fresques décoratives pour le château de Sermizelles  et la bibliothèque de l'abbaye de Fontfroide. A cette période de sa vie, vers 1900 il semble laisser ses nombreux deuils derrière lui, s'ouvre à la vie et laisse éclater les couleurs. Il excelle dans le jaune et dans le bleu. Ses relations se nomment Gauguin, Denis, Bonnard, Vuillard, Signac ...   

Il y a du nabi en vous monsieur Redon, et vous japonisez un moment en leur compagnie.

Il y a du symboliste en vous monsieur Redon, vous qui avez de l'imagination à revendre, vous qui êtes précis dans vos dessins, et quand vous mettrez un peu de couleur dans vos noirs, il y aura une sensualité suave qui s'en dégagera. Vous vous arrêterez à temps,

juste avant que cela ne devienne un petit peu trop ...

Il y a du fauve en vous, aussi, il y a du Turner parfois, il y a une ébauche d'abstraction, il y aussi et curieusement quelque chose parfois qui ressemble à du naïf  ....

Il y a beaucoup de monde en vous monsieur Redon .... mais il y a ce je ne sais quoi qui fait que l'on reconnaît votre facture en dépit de toutes les influences qu'aucun peintre ne peut éviter.

J'ai pris grand plaisir à me promener dans votre oeuvre monsieur Redon. Vos couleurs tour à tour douces, éclatantes m'ont procurée émotion d'autant plus surprenante que je ne m'y attendais pas.  

Ce n'est pas la plus jolie des églises romanes( de mon point de vue) mais elle réunit deux artistes de l'art sacré, le sculpteur Philippe Kaeppelin et le maître verrier Henri Guérin. Créés entre 1966 et 2006, les vitraux en dalle de verre illuminent cette église assez sombre et montrent l'évolution de l'oeuvre. Les églises, je n'aime pas trop, mis à part celles qui sont des puits de lumière comme la basilique St Julien ou l'église St Joseph du Havre quand le soleil donne. J'ai par contre un gros faible pour les vitraux qui racontent une histoire, un pays, une religion ou tout simplement comme ici la beauté du monde.

Quant à Philippe Kaeppelin, c'est l'un de mes chouchous, j'aime son style épuré et joyeux qui toujours rend plus chaleureux l'ambiance tristounette de nos églises dont l'austérité n'est, en général, franchement pas attirante.

Au delà de la signification religieuse dont je vous laisse libre, car elle m'importe peu, les vitraux de Retournac témoignent de l'environnement géographique de la Haute-Loire que les artistes en tous genres mettent en valeur à leur manière. Site : http://www.henri-guerin.com/articles.asp?idpage=37&idrubrique=5 et le site de son petit fils Pierre Guerin : http://pjsguerin.wixsite.com/vitrail

Château fort encore impressionnant que celui de Domeyrat qui a curieusement échappé au pillage de ses pierres. C'est une ruine qui se porte plutôt bien.

Reconstruit au XVe siècle pour défendre Marguerite Gouge épouse de Jean de Langeac des attaques des écorcheurs qui sévissaient sous Charles VII, ce château passa aux La Rochefoucauld Langeac dont une partie aux Beaune de Montagu. La famille de Fargès l'acheta en 1773. Et les premiers acquéreurs furent les Pataboeuf. Pour plus de détails cliquer sur ce site : http://tcfontannes.free.fr/tourisme/domeyrat.htm

Acheté par le Conseil Général tout comme son voisin le château de Chavaniac Lafayette, et géré par une association qui organisait visites et spectacles, le château de Domeyrat a fermé ses portes depuis Juillet 2015, suite à une décision du tribunal de commerce. 

Aux dernières nouvelles, les fées, les fantômes et les lutins ont repris possession du château.

La Senouire, indifférente, continue seule son show automnal pour notre plus grand plaisir.

Petite balade tranquille qui offre un panorama inhabituel sur la Loire; se rendre à Chaspinhac en Haute Loire à 13km du Puy, puis se diriger vers un petit hameau Chassaure. Deux accès possibles à cet ancien petit village médiéval, celui par la croix des Las est le plus facile et rapide. Nous avons pris le second, soit une boucle de 6 kms qui nous a fait passer par le Pouzat petit lieu dit avec une croix qui fait face au lointain mont Bar.Passage dans un bois moussu fort agréable par grosse chaleur mais chemin assez pentu, pierreux et raviné. Un arrêt sur un paysage de Loire et sur la gauche un petit éperon rocheux domine la Loire où une ruine et un toit neuf attirent notre regard, serait-ce St Quentin que l'on reconstruit fort lentement ? La suite nous prouva que oui !

Du vieux village qui comptait une église, un cimetière et un château, ne restent que quelques pans de murs. Le château était fief des Polignac qui en firent hommage aus évêques du Puy. Des familles qui l'occupèrent, (à l'origine avant 1200, un Guillaume de St Quentin) suivirent des familles illustres comme les seigneurs de Fay, de Vedeyres, de Mons, de La Tour Vidal, des Rochefort d'Ailly et pour terminer la famille de Gerentes qui céda la seigneurie aux chartreux de Brives qui furent les derniers seigneurs jusqu'à la révolution. Le château fut abandonné au XVII siècle, sans doute l'isolement et la pénurie d'eau en furent les premières causes.

 Petite forteresse sur la Loire, les seigneurs de St Quentin avaient seuls droit de pêche mais délivraient des autorisations monnayées bien sûr.Vendus en l'an 13 comme bien national, les édifices servirent de carrière aux villages voisins. En 1808, on comptait encore une douzaine de maisons, mais en 1891 on note une construction nouvelle au milieu du village ruiné, quelques maisons la rejoignirent.

En 1866, Saint Quentin fut rattaché à la commune de Chaspinhac, en 1955 la dernière habitante Séraphie quitta la dernière maison habitée, et le village se ruina à nouveau. Depuis 2012 une association aidée par la municipalité de Chaspinhac reconstruit le village, un café associatif est ouvert au public chaque dimanche d'été de 14h à 18h.

Pour en savoir plus sur l'histoire de St Quentin : http://www.saintquentinchaspinhac.fr/histoire/historique/

Les veillées anciennes avaient triple emploi, en premier la necéssité d'accomplir les petits travaux impossibles à faire dans la journée déjà bien remplie, en second, la diffusion des potins du village, et enfin, il n'était pas rare qu'un conteur ou une conteuse ne s'en mêle pour apporter un peu de fantastique grâce aux légendes, contes, récits effroyables ou narrations descriptives, proverbes ou chansons populaires, car la transmission aux générations se faisait alors par l'oralité avec je suppose des apports personnels des conteurs. Henri Pourrat en fit d'ailleurs de ces contes un monument  qui parut sous le nom de Trésor des Contes. Une note d'Henri Pourrat à propos des contes et légendes populaires :

Mais la France n'a pas su se préférer elle-même en ses contes à Cicéron et à Boileau. Pour elle, depuis la Renaissance, il n'y a lettres que de lettrés. Elle a salué l'imagination populaire d'un peu loin, avec un certain sourire. Et elle a passé. La grande fée verte lui a semblé avoir une odeur un peu sauvage ou un peu fade, de fagot de pin ou de petit-lait. Ne restait à la fée que de se cacher sous la chaise des nourrices et sous le tabouret des bergères.

C'est à Monastier sur Gazeille, petite ville aux trois musées que le plasticien et peintre Patrice Rey a sculpté une multitude de petits personnages issus de contes et légendes de nos ancêtres qu'il nous présente dans un château typique de la région, ce musée des croyances populaires a été créé par l'association L'oeil de la Salamandre. Le château abbatial qui appartient à la mairie leur sert d'écrin. Patrice Rey est lui aussi un conteur mais je ne vous dirais rien à ce sujet car ma première visite en ce lieu ne fut que pour ses petits personnages fort caricaturaux et drolatiques. Ce musée là et Patrice Rey méritent plusieurs visites. Et j'y reviendrai.

Pour l'heure, retenues les légendes que je connais autour de Saint Privat d'Allier, la légende de la pucelle injustement condamnée d'avoir fauté qui se jeta du rocher d'Aiguilhe pour prouver sa pureté et se releva indemne. Dieu y consentit encore pour le second saut, mais au troisième  laissa la vierge s'écraser, car péché d'orgueil mérite aussi d'être puni !

 Au lac du Boucher, la vieille et sa chèvre furent sauvées des eaux (qui engloutirent le village) pour avoir nourri et logé Jésus déguisé en mendiant, mais las, la vieille qui ne devait pas se retourner, pécha par désobéissance et fut pétrifiée avec sa chèvre, seule reste la tête de chèvre au bas d'une croix de Philippe Kaeppelin.

Un arrêt à Montbonnet où tremper sa main dans une source guérit des verrues

et puis un peu plus loin à Saugues, on peut certains soirs voir le Draye, cheval dont la croupe s'allongeait pour accueillir les petits enfants qu'il précipitait dans la Seuge ou l'Allier.

Le musée est ouvert du 1er Mai au 30 Septembre de 14h30 à 19h.

Un hommage à nos grand-mères dentellieres.

Dans son atelier du Puy en Vélay où des élèves talentueuses travaillent sur le site de Polignac, cet architecte altiligérien à la retraite  qui peint depuis toujours vous parle avec passion de sa peinture. Sa notoriété qui date depuis de nombreuses années déjà ne cesse de grandir auprès des Ponots.

  Peintre de la ville du Puy en Vélay, Auguste Boudignon se projette dans diverses manifestations du Puy où on le sollicite : une icône qui célèbre le jubilé. Une peinture que j'aime particulièrement en vitrine se démarque des autres.

Dans la famille Pelez, originaire de Cordoue, il y a d'abord le père Raymond Pelez (Jean Louis Raymond Pelez Fernandez de Cordoba) 1815-1874 dessinateur et illustrateur, puis il y a l'oncle Fernand Pelez de Cordova 1820-1899 peintre naturaliste et pour finir il y a le premier fils Raymond Pelez dit Chalumeau 1838-1894 , peintre et illustrateur, alors pour Fernand le second fils né en 1848, il n'y a pas d'autre voie que de suivre. Il fera les Beaux Arts, sera élève de Cabanel puis débutera comme peintre d'histoire. Il se rapproche du mouvement dit naturalisme (qui s'intéresse au monde laborieux paysan et ouvrier) sans connaître une notoriété comme certains de ses confrères. C'est un peintre des humbles qu'il côtoie dans son quartier à Montmartre où il avait son atelier. C'est un peintre à la Zola englouti par la grande vague soulevée par les impressionnistes, oublié comme tant d'autres mais le monde de la peinture est assez vaste pour tous les contenir. Deux toiles vues au Petit Palais, Les saltimbanques qui sera exposé au salon de 1888, La vachalcade

qui représente un défilé carnavalesque à Montmartre organisé en 1896 et 1897, défilé qui se moquait du traditionnel défilé du boeuf gras qui consistait entre autres à faire promener un boeuf décoré par la confrérie des bouchers, fête carnavalesque dont l'origine est ancienne qui connut un grand succès au XIX. Cette vachalcade ou cavalcade d'une vache enragée( en rapport avec la misère des artistes) s'accompagna d'une tombola et d'un concert au Moulin rouge au profit des artistes déshérités de Montmartre. 

 Une autre toile vue dernièrement à Senlis au musée d'art et d'archéologie qui célèbre une jeune asphyxiée par des émanations toxiques d'un poêle déficient.

Une dernière installée récemment à la place de la Vachalcade en balade  Sans Asile  qui met en scène des miséreux qui viennent d'être explulsés, réalisée en 1883.