Marie Laurencin 1883-1956 commence comme Renoir à peindre des porcelaines à la manufacture de Sèvres  de 1901 à 1903, elle se diversifie dans son style, se cherche, mais a trouvé son thème favori ' les jeunes filles'. Elle aime déjà les chats et les visages féminins. Elle peaufine son dessin en suivant l'Ecole de Dessins de la ville de Paris, puis suivra les cours de l'Académie Humbert. Elle commence son apprentissage de peinture à l'huile, classiquement au début, puis tour à tour, cubiste mais du bout des ongles,

 à la manière d'un Rousseau mais laurencisé

un peu orientalisée en autoportrait puis avec une prédilection pour les teintes douces. Du fauvisme elle retiendra la liberté d'appliquer ses propres couleurs qui seront toujours son style même si sa palette s'élargira au cours de sa vie, couleurs un peu délavées à la térébenthine. Elle qui a trouvé un style reconnaissable à la manière des grands qu'on reconnaît sans se tromper, elle fera du Laurencin jusqu'au bout : Des yeux noirs, impénétrables, des nez à peine esquissés ou carrément absents et des bouches petites charnues et roses... elles ressemblent souvent à Marie, ces jeunes femmes, petites soeurs fidèles, éthérées aux visages lisses, blancs et assez inexpressifs de geishas qui l'accompagneront tout au long de sa vie.

  Marie Laurencin aura beaucoup d'amis, d'amants, d'amantes, des célèbres un peu pygmalions mais surtout tremplins comme Henri-Pierre Roché, Guillaume Apollinaire, des amantes comme Nicole Groult ou Yvonne Crotti, 1 mari allemand qui la contraindra à s'exiler durant la guerre de 14-18 en Espagne, mari dont elle divorcera en 21, en Espagne elle rencontre Rivera, les Delaunay, Kisling, Picabia qui la distrairont de ce triste exil. Braque lui a donné confiance en elle, Apollinaire l'introduira au Bateau Lavoir, elle y rencontrera Picasso, Max Jacob, le douanier Rousseau, Gertrude Stein, Villon, Derain, Matisse, Blaise Cendrars, Reverdy, André Salmon, Francis Carco etc ...  Après son divorce elle deviendra  une portraitiste fort demandée par les gens du Monde, hommes et femmes

ce sont les années folles y compris pour Marie adulée qui dessinera des costumes de scènes, des décors  de ballets;  ses biches, ses fleurs, ses chiens, ses longues femmes trouveront leur place, opportuniste Marie ? sans aucun doute, elle devait avoir un sacré charme persuasif : Elle restera libre de toutes influences, prenant ce qu'elle veut, et laissant le reste. Elle fera du Laurencin, un point c'est tout. De tempérament mélancolique qu'elle cachera sous une espièglerie mutine, elle peindra son idéal féminin qu'elle choisira comme

modèle, presque toujours, fin, aérien, de couleur tendre, les yeux souvent noirs où une légère mélancolie régnera aérienne elle aussi !! Les années de crise de 30  jusqu'à l'apojée de la seconde guerre mondiale feront paraître la peinture de Marie d'abord démodée et surtout en décalage avec l'actualité, elle se révélera un brin pro allemande et antisémite, vouera un culte au maréchal Pétain et continuera d'être mondaine durant l'occupation allemande, où elle peindra portraits et fleurs, optant pour son monde à elle idéalisé, celui qui lui permettra de supporter les années de la guerre. En 1943 son appartement est réquisitionné pour loger un pro du marché noir, elle commence alors à réaliser que la guerre n'est pas si jolie ! et quand Max Jacob  est emprisonné et meurt d'une pneumonie, elle est atterrée et tombe loudement dans la réalité des horreurs de la guerre, rejetée, alors, son indifférente bienveillance vis à vis des allemands; un peu inconséquente, Marie, parfois ou bien trop dans sa tour d'ivoire où tout n'est que rose, gris ou bleu.

A la fin de la guerre, Marie n'échappe pas à l'épuration, et séjournera au camp de Drancy une semaine, elle n'oubliera pas bien sûr cette semaine, et sa souffrance ancienne longtemps maintenue en laisse, va désormais prendre le dessus, elle va devenir sauvage, s'isoler un peu du monde, peindra encore, mais peu, 70 toiles durant les 11 dernières années de sa vie, du Laurencin un peu édulcoré. Sa peinture est fort appréciée des japonais un musée entier lui est consacré au Japon.  Peu d'aquarelles dans cette exposition, des huiles sur panneau, toile, bois, carton, environ 1400 qu'elle peignit  contre environ 1800 huiles. La peinture de Marie Laurencin, femme particulière, est entrée dans l'Histoire, une époque, une atmosphère. Marie, tu as résisté au temps, que l'on n'aime ou pas, tes tableaux font partie de l'Histoire.

Sources :

Marie Laurencin de Flora Groult

Marie Laurencin de Bertrand Meyer-Stabley 

Commentaires Musée Marmottan où exposition jusqu'au 30 Juin 2013.

Peintre, graveur, né en 1856 au Puy en Vélay mort en 1914 à Grasse, on le disait sympathisant des anarchistes, engagé, on dit qu'il mit ses idées dans ses thèmes ...  Ce tableau est à la gloire d'Emile Roux (1853-1933)

médecin, bactériologiste, qui découvrit le sérum antidiphtérique et qui le testa avec succès sur des enfants malades à Trousseau et aux enfants malades. Il suivit, enfant une partie de ses études au Puy en Vélay.

A vous revoir monsieur Maurin, au musée Crozatier quand il ouvrira ses portes d'ici un peu plus de 2 ans ou ailleurs ...

On dit que les bouquets chez Chagall sont une image de lui même, on dit aussi aussi que ce sont des images allégoriques du bonheur, on dit aussi que les fleurs le renvoient à des évènements familiaux heureux, en offrant ses bouquets il rend ainsi hommage aux Arts, à la vie, à la liberté, à la joie de vivre. J'aime  ces petits bouquets-fouillis, ébauchés, jetés, petits messages d'amour

de la part de Chagall qui fut amoureux

de ses femmes, de la vie.  Pour Chagall chaque figure raconte quelque chose de sa vie, et il n'oublie rien Chagall, ni son village de Vitebsk, ni le juif condamné à être errant, ni l'âne, le bouc, le coq, le coq symbole du renouveau (lever du jour), symbole de la repentance, référence à une tradition juive où un coq supporte les péchés des participants et est ensuite égorgé rituellement.

C'est Chagall en homme-coq qui se repent de ne pas être resté dans son pays, d'avoir fui toujours. Chagall est un peintre  non militant à messages. Chagall en exil aux États Unis pense participer ainsi à la guerre en témoignant de la persécution des juifs avec ses nombreuses représentations du Christ en croix, symbole du martyr des juifs. En 1944, mort de sa femme Bella qu'il représenta souvent avec son voile de mariée. Chagall est un amoureux fidèle, Bella morte restera présente, même si après une relation avec Virginia Haggard dont il aura un fils Marc, il s'unira pour 30 nouvelles années avec Valentine Brodsky.  Chagall n'arrête pas de parler de lui, des siens, de la religion, dans ses toiles. Rarement à mon humble avis, un peintre n'a autant laissé de lui dans ses toiles jusqu'à l'obsession. Ses couleurs éclatantes, qui se suffisent à elles même nous font oublier ces répétitions un peu lancinantes à la longue. Rien n'est laissé au hasard dans ses toiles chaque couleur est symbolique et a une signification différente selon le thème exploité, le rouge peut être dramatique ou au contraire renforcer la puissance d'un lien amoureux ou du divin. Là c'est un hymne à l'Art, le rouge.

 Le blanc ? oui, parlez moi encore du blanc, encore, longtemps, toujours ... Moi, je vois là le blanc rosé sensuel des roses, le blanc viril des bougies éteintes, fête qui vient de s'achever ... pourquoi toujours lire les mêmes rengaines sur Chagall ? Chagall était un amoureux de la Vie, avec des inquiétudes bien sûr, des peines immenses, mais c'était un Phenix, Chagall. Il a toujours opté délibérément du côté de la vie, de sa vie.

A vous découvrir encore. 

A vous revoir encore, monsieur ..... on n'en n'a pas fini, ni avec les couleurs ... ni avec rien, du reste d'ailleurs.

Chagall - Musée du Luxembourg 21 février - 21 juillet 2013

La peinture animalière ne m'attire pas trop et ne fait pas partie des genres que j'aime; chez Rosa Bonheur, ce qui me plaît avant tout, tout en remarquant son talent indéniable de peintre et de dessinatrice, c'est sa personnalité si forte, si étrangère à son monde, si rare pour l'époque.

Voilà Raymond Bonheur, beau chérubin inconséquent, peintre vivant à Bordeaux, vivotant de son art, amélioré par une charge de professeur de dessin, qui épousa une Sophie, fille naturelle (d'un Dublan de Lahet qui l'éleva comme sa pupille), qui emmena sa petite famille à Paris où devenu saint-simoniste, eut la riche idée de quitter femme et enfants pour rejoindre une communauté au service de l'humanité, les laissant ainsi sans ressource, Sophie y gagna la tuberculose et en mourut à l'âge de 36 ans dans le dénuement le plus complet. Le veuf récupéra alors ses 4 enfants, plaça 2 fils en pension, une fille dans une famille amie; voilà Raymond et Rose en tête à tête, indomptable Rose  de 11 ans qui refusa tout placement, et qui bénéficia, alors des cours de dessin du dit père. Ce fut à la réflexion, une chance pour Rose petite sauvage, sans Dieu ni maître qui parcourt la campagne aux alentours de Paris, où elle cotoie forêts et animaux qui font partie de sa famille, la seule qui ne lui causera jamais de problème. Dure la misogynie de l'époque, difficile l'émancipation des femmes qui n'ont aucun droit, qui du joug d'un père passent à celui d'un mari. Alors les plus vaillantes, les plus talentueuses, préférèrent choisir le célibat. Rosa qui ne se remit jamais vraiment de la mort de sa mère refusa de se marier, refusa même toute aventure masculine. Rosa sera peintre donc, et en vivra. Une des rares femmes de l'époque  à se libérer de la tutelle des hommes, en douceur qui plus est. Rosa militera d'abord pour elle même, ne défendra aucune cause, restera très individualiste mais un courant est né, un exemple s'inscrit dans l'Histoire . Elle coupe ses cheveux symboliquement (ni épouse, ni courtisane) et fréquente assidûment et solitairement le Louvre où elle copie, les femmes n'ayant pas accès aux Beaux Arts, Poussin, Rubens, Lesueur, Ruysdael. Le soir elle modèle des plâtres d'animaux du sculpteur Jules Mène. Elle puise aussi son inspiration au bois de Boulogne, forêt encore sauvage, elle croque sur le vif toutes les bêtes rencontrées. Un mouton, une chèvre, un écureuil, des cailles, des lapins logent dans son appartement.  Elle n'assure aucune intendance chez elle et laisse son père et ses 2 frères se gérer seuls. Rosa portera au salon de 1871 deux de ses oeuvres Chèvres et moutons et Deux Lapins.

Elle a 19 ans, et ses 2 tableaux sont acceptés, seront exposés au Louvre. Côté famille, le remariage de son père avec une jeunesse de 23 ans provoque la séparation. Elle s'installe dans son propre atelier avec Nathalie Micas, elles vivront ensemble jusqu'à la mort de Nathalie en 1889. Relation platonique ou pas, on n'en saura rien, alors on n'en dira rien. Elles seront complémentaires, Rose peindra de 6h du matin à minuit, et ira toujours chercher son inspiration  dans les quartiers alentours et Nathalie veillera au bien être de Rose, calquera ses dessins sur les toiles, lui préparera ses tableaux. En 1846, voyage en Auvergne. Salons de 42, 43 , 44, où elle obtient une médaille de troisième classe, et surtout elle commence à bien vendre ses tableaux. Elle loue une maison à Gentilly.  Rivale involontaire d'un autre peintre animalier Jacques Brascassat. Elle obtient autorisation de s'habiller en homme, se met à fumer cigarettes et cigares. L'état lui commande un tableau de bovidés Labourage nivernais qui sera présenté au salon de 1849. Rosa plaît à ses contemporains, en France comme en Amérique, elle aura peint vaches, taureaux, béliers, cerfs, sangliers, ours, isards, lions, chiens, ânes mulets bisons chèvres, oiseaux, elle les peint avec émotion leur reconnaissant une âme. En 1850 elle achète une ferme à Chevilly où elle installe ses animaux, change d'atelier et s'installe rue d'Assas. 1853 Le marché aux chevaux 5 m sur 2,5 m qu'elle prépare longuement par visites de haras, du marché d'Ivry, se plongeant dans livres d'anatomie. Elle a 31 ans. Napoléon lui commande La Fenaison en Auvergne achevée en 1855. Voyage en Angleterre où elle présente le Marché aux chevaux, elle en repart avec des esquisses, et des commandes de propriétaires anglais pour leurs châteaux. Passage en Écosse

où même succès qu'elle cultive avec plaisir, elle est son meilleur agent publicitaire, les anglais adorent ce bout de femme habillé en homme au franc parler, mais revendiquant toujours sa féminité.  Le marché aux chevaux refusé par sa ville natale Bordeaux sera acheté par un américain, et  sera offert au Métropolitain Museum de New York. En 1859 elle achète le château de By à Thomery. Nathalie femme plus discrète mais très intéressante elle aussi, met au point un frein à patin capable de stopper un train lancé à grande vitesse qu'elle tentera de vendre sans succès. Quelques critiques françaises la contrarient et Rose pas toujours facile décide de ne plus exposer à Paris. Séjour dans le midi avec la santé déclinante de Nathalie à Nice où elle rejoint Ernest Gambart, son marchand d'art, au début installée chez Gambart, elle achètera ensuite une villa au quartier de la Bornala.  Se lance dans le pastel . Y passe l'hiver. Fabrique elle même ses couleurs : terre de sienne, bleu de prusse = vert transparent. Terre de Sienne et vert cinabre foncé = tons transparents. Sculptrice d'animaux, lit beaucoup, écrit fort bien, chasseuse passionnée de lièvres ou de sangliers, a la faveur du couple impérial, reçoit la légion d'honneur. Rencontre Buffalo Bill,  Bill qui a fondé un cirque le Wild West Show se produit à Neuilly  à l'occasion de l'exposition universelle. Rosa décide de faire son portrait.

Elle se prend de passion pour les indiens qui font partie du show, elle les peindra  une petite vingtaine de fois devant des paysages américains nés de son imagination, avec la même précision que pour peindre ses animaux. Elle se sent proche de ce peuple décimé. La dernière rencontre importante de sa vie sera celle d'Anna Klumpke qui viendra vivre à By avec elle à qui elle lèguera By et son oeuvre. Dernier tableau en prévision de l'Exposition de 1900

'La Foulaison du blé en Camargue' restera inachevée, puisqu'elle meurt le 25 mai 1899. Anna le terminera. Ses neveux et nièces contestent le testament et Anna organise une vente où 2102 oeuvres de Rosa Bonheur sont dispersées. La moitié de la somme va aux neveux tandis qu'Anne consacrera l'autre moitié à l'entretien de By que les successeurs d'Anna ont conservé, jusqu'à ce jour, ouvrant l'atelier à la visite. Ont été exclues de la vente, 50 études léguées par Rosa au musée du Luxembourg , aujourd'hui au château de Fontainebleau. En 1908 Anna Klumpke publie une biographie de Rosa Bonheur. Première rencontre avec cette Dame qui s'achève. J'espère un jour la retrouver fortuitement pour approfondir cette prise de contact superficielle à ma façon cette fois ci, et pas uniquement selon les biographies lues.

Sources : 

Difficile à cataloguer Dali tant au point de vue humain qu'au point de vue pictural, homme de tous les excès dans ses écrits, dans ses interviews, dans sa vie; c'est un homme qui dut affronter toute sa vie ses peurs, ses cauchemars, sa timidité extrême; il combattit ces obstacles en théâtralisant ses émotions à la manière des grands tragédiens dans la provocation et l'excentricité.

Il se fabriqua très tôt une apparence qui le protégea, mais qui l'amena à confondre le personnage médiatique créé avec le craintif-timide qu'il était réellement. Et cela donna les débordements en tous genres qui firent sa réputation de quasi aliéné au détriment de son oeuvre qui reste une des plus géniales de son temps. Son intelligence, son ingéniosité ne faciliteront pas non plus les choses, car il aimait brouiller les pistes quitte à s'y perdre lui aussi. C'est un homme qui lut Freud très jeune, il s'y configura à sa façon très personnelle, ce qui  ne facilite pas non plus une interprétation aisée de ses oeuvres;

 il faut bien avouer que regarder un tableau de Dali sans indice n'est pas chose aisée. Dali était avant tout un individualiste convaincu, égocentrique. Il se tiendra en dehors de tout courant communiste, au contraire du groupe des surréalistes avec lequel il se brouillera. Dali, avec l'aide de Gala aura toujours foi en lui, uniquement.   

Il suivit des courants artistiques, Dali, s'inspira des autres, mais dès le début, trouva son style.

 Post impressioniste : autoportrait au cou raphaélisque' 1921 d'après un autoportrait de Raphael 1506 est une peinture aux touches colorées, cou puissant où Dali joue à se transcender en Raphael.

cubiste inspiré par Nu descendant l'escalier n°2 de Duchamp, réalise Autoportrait cubiste en

1923,

le « noucentisme »(qui commence entre 1906 et 1911 )  avec

portrait de ma soeur en 1925  perçu comme un retour au classicisme méditerranéen

cubiste à nouveau en 1925 avec Pierrot jouant de la guitare (Peinture cubiste) 

en 1926 néo cubiste inspiré par Picasso avec sa 'composition aux trois figures."Académie néo cubiste" 

en 1927-1928  surréaliste il est inspiré par Miro, Tanguy, 'Les Efforts stériles. Petites cendres' ce tableau commence à ressembler à du Dali  avec ses phobies, Vénus tronquée, têtes coupées, attributs sexuels, animaux morts.  

1929 rencontre Gala, sa première expérience sexuelle féminine, l'amour de sa vie .

  Dali a des thèmes récurrents qui deviendront des obsessions : les oeufs sur le plat viennent de sa vie utérine

(paradis utérin couleur du feu de l'enfer orange et rouge, mou et gluant), ses yeux qui enfant l'emmènent déjà dans le monde du rêve, visages-rochers, coquillages-objets qui se mêlent aux images de ses livres d'enfant. Dali s'amuse avec les formes, les assemblent, les enchâssent l'une dans l'autre et émerveillent notre regard qui se démultiplie, découvre d'autres formes, d'autres images

 un tableau dans le

tableau. Il souhaite ainsi créer une autre réalité qui relaie celle où nous vivons estimée illusoire. 

scatologie, doigts phallus, lèvres vagins,

lions qui symbolisent la terreur

 fourmis, sauterelles,

homards ou langoustes, oeufs, oursins (symbole du dur pour sa carapace) qu'il adorait manger, montres molles( symbole du passage du temps) encrier avec plume, le dur et le mou, tout chez Dali est soit sexualité, soit pourriture, en gros, en gros !!!  Il est sacrément obsédé par le sexe, surtout phantasmé d'ailleurs plus que concrétisé, et par la mort sous toutes ses formes.  

Gala eut le talent de se faire aimer par 3 grands artistes, Paul Eluard, Max Ernst et Dali. Gala au port de tête altier, au corps superbe, au regard intense.

Je terminerai avec 2 peintures que j'aime particulièrement, un hommage à Vélasquez

que Dali admirait et une Madone raphaélique revisitée par l'extravagant peintre.

A vous revoir, encore, Monsieur, en plusieurs fois.

Moi, Josephine Nivinson Hopper dite Jo, j'ai tenu à jour les registres d'Edward Hopper depuis 1924, date de notre mariage,  jusqu'au dernier jour d'Eddie en 1967; il s'agissait au début de tenir un inventaire de ses oeuvres, et des ventes.

 Une fois ses tableaux peints, Hopper en réalisait une esquisse et les annotait d'informations techniques, moi, je les commentais,  les agrémentais d'anecdotes sur notre vie. Avec le recul, je crois que c'était la façon de Hopper de m'intégrer à sa vie de peintre, et c'était ma façon à moi de communiquer avec lui. Je fus peintre moi aussi, de talent moindre que celui d'Hopper qui me fit de l'ombre, qui ne s'intéressa pas à ma peinture, ce qui rendit parfois nos relations tendues, ce qui me rendit parfois hargneuse, mais au final, je fus une excellente compagne pour Eddie. Il prit plaisir à la tenue de ces registres, et moi cela me permit de vivre à travers lui, par lui, pour lui.  Bien sûr mon tempérament excessif le fit souffrir, bien sûr son tempérament d'introverti me fit souffrir, mais au bout du compte, Eddie a laissé une belle oeuvre à la postérité où moi, Jo, je fus épouse,

 muse, coach, secrétaire, modèle, anti modèle et divertissante, oui car je l'ai amusé longtemps Eddie, lui le taciturne, l'introverti... Le reste, mes réflexions acerbes, ses silences qui me tuaient, l'incommunicabilité qui en résultait, tout cela a disparu avec nous. Hopper a fait ce qu'il aimait le plus, peindre, moi je l'ai secondé du mieux que j'ai pu, j'ai continué à peindre aussi toujours. Notre mariage tardif ne laissa aucune place à une descendance, les registres furent nos enfants.

Lui, Edward Hopper est né en 1882 dans une famille dont le père commerçant assure une vie agréable, passionné de lecture, il transmettra ce goût de lire à son fils, quant à la mère, elle l'initiera  à l'art et au théâtre. Il dessine depuis toujours, il aime la solitude très tôt, c'est un contemplatif qui observe minutieusement les êtres, la nature ville, campagne, mer. Il est un géant perdu au milieu des autres, il construit son monde à lui. En 1900, à 18 ans, il entre à la New York School of Art où il restera 6 ans. Les cours d'illustration suivis l'année de ses 17 ans lui permettront de gagner sa vie en temps que dessinateur publicitaire de 1910 à 1924; 1924 année où le succès arrive enfin, il a 42 ans, il vient d'épouser Jo, âgée de 41 ans. Ce n'est pas le grand amour entre lui et Jo, mais heureuse association où lui peut se reposer pour tous les détails pratiques sur Jo, où elle trouve un autre sens à sa vie, assurer la promotion de son peintre de mari, tout en espérant pouvoir donner à sa peinture une notiorété qui lui manque; ce sera moins réussi de ce côté, mais qu'importe, Jo peindra, vendra ses toiles pour rien, arrivera à tenir une petite galerie un temps.

A Paris Hopper découvre ou redécouvre les peintres comme Courbet, Degas qu'il apprécie,  l'ensemble des impressionistes et ceux qui les suivent, mais sans grand intérêt de sa part. Lui, Hopper, c'est un indépendant, un qui suit seul sa route, ne tient compte d'aucun courant. A Paris, il croquera au propre, comme au figuré les parisiennes, les sites parisiens, Le Louvre, les ponts, les quais ... De retour à New York 

il illustre pour s'alimenter ... il prend plaisir aux gravures qu'il exécute entre 1915 et 1928, 26 images.

En 1914,

Soir Bleu sera décisif pour Hopper, c'est à la fois un adieu à Paris et un prémice au monde d'Hopper tel qu'il le conçoit, lui clown blanc grimé, eux, faces inexpressives maquillées à outrance pour les femmes, Hopper aime ce côté féminin canaille qui le fait fantasmer, décor minimal, importance des Eléments, ici l'air dans un ciel-mer-air. Cette toile n'aura aucun succès, contrairement aux gravures qui se vendent bien. En 1921, il commence à dessiner des nus, y peint des femmes aux courbes voluptueuses, lui le timide s'extériorise par la peinture. Il aime opposer les rondeurs féminines aux angles des murs, il aime ouvrir les fenêtres ,Hopper, sur l'intimité des êtres  Il peint aussi Joséphine, souvent même si la caricature parfois n'est pas loin, pour la faire bisquer ? qui sait, Hopper a ses faiblesses lui aussi ! Il peint Hopper, le couple dans sa solitude, de toutes façons chez Hopper, tout est par nécessité, solitude,

il préfère les paysages naturels, la mer, les villas 'Maison près de la voie ferrée, dont Hitchcock s'inspirera pour la maison Bates de Psychose,

il aime le cinéma, la scène, le théâtre, et ses tableaux sont des mini représentations, les visages  sont vides, à nous de combler ce manque voulu à notre gré, et les critiques ne s'en privent pas : que d'interprétations sur les tableaux de Hopper ! 1941, il peint Girlie Show

 c'est Jo en effeuilleuse, c'est Jo rajeunie, grandie, plantureuse, c'est Jo fantasmée, c'est Jo et ce n'est pas elle. Hopper est un homme qui semble se suffire à lui même, son besoin des autres est utilitaire, mais pas que ...car rien n'est simple là non plus, il représente à nouveau Jo dans  11 ans plus tard dans Morning Sun, elle a 69 ans Jo, elle est encore belle, sans fard, naturelle comme elle

aime l'être, un peu seule, un peu triste, mais bien présente, hommage d'Eddie à sa femme. Il aime le silence, la solitude, Hopper, le vide d'une pièce au soleil qui joue avec les ombres, une pièce vide à remplir de ce que vous voulez.

 Hopper vieillit, il a des ennuis de santé, Jo l'aide fidèlement. Hopper prépare sa sortie, en 1966 Two Comedians

 clôt le théâtre de sa vie inauguré par le tableau de 1914 Soir Bleu. Jo et lui même font leur ultime révérence, Edward Hopper en 1967, Joséphine Hopper en 1968. Elle aura eu le temps de léguer au Whitney museum à New York l'intégralité des oeuvres, documents, régistres, journaux

intimes.  

Une oeuvre qui ne figure pas dans l'exposition du Grand Palais et qui donne, je trouve, une autre vision de la peinture d'Hopper, un autre chemin à suivre ...   comme quoi, tout n'a pas été dit sur Hopper, rien n'a été dit. Le silence, parfois, c'est bien. 

Peintre né en 1962 en Chine, a d'abord dû travailler pour une entreprise de pétrole, à 23 ans en 1985, il va étudier l'art à l'école normale de Heibei, puis s'installe dans un village d'artistes marginaux et contestataires près de Pékin. Il fait partie du courant dit réalisme cynique, courant en opposition à la peinture propagande du pouvoir politique, qui, après les évènements du printemps de 1989 de la place de Tiananmen qui engendrèrent un nombre important de victimes, figea le processus de libéralisation entamé dans les années précédentes. Yue Minjun choisit alors de mettre le rire en avant, démesuré, exagéré, outrancier, monstrueux, caricatural. Il dit exprimer ainsi le tragique et le douloureux par l'intermédiaire du rire qui devient rictus, grimace, masque.     

Un des tableaux les plus connus de Minjun, un qui a établi un record de vente pour un artiste chinois 

 Exécution est sans doute célèbre car il fait référence à ceux de Goya (1808), de Manet (1867), de Picasso (1951), revu, corrigé à la manière universelle en somme de Yue Minjun un seul visage pour n'importe quelle exécution, un seul visage qui associe les bourreaux aux victimes, un humain contre un autre humain, vous, moi, lui ...  ses tableaux de cette époque (90-2000) représentent toujours un rapport de force, l'humanité contre les armes, contre la dictature politique qui muselle la pensée.     

Yue Minjun peint dans un style comique des situations tragiques, douloureuses. Cela provoque au début le rire des spectateurs, mais si le regard persiste, on ne voit plus que le tragique qui s'impose.  Quand il était enfant, faire la queue, porter les mêmes habits que les autres, participer aux activités collectives lui était normal, en grandissant il s'est rendu compte que cette forme d'esclavage imposée par le régime était

insupportable à vivre, et c'est ce qu'il choisit de montrer en peignant ses tableaux qui sont une accumulation de ce qu'il a vécu. 

 Une évolution, le rire laisse place à un monsieur tout le monde qui rit encore, mais

prend un peu de liberté.

Une période où Minjun peint des labyrinthes vers 2007/2008,

 qui posent une question : Le peuple chinois arrivera t'il à s'extirper de sa propre culture ?

 Et puis, une période de tourment pour le peintre, alors il a peint une feuille, l'a froissée puis redéployée, Minjun exprime par son art le ressenti de son tourment, le disloque et s'en débarrasse ainsi, sinon il serait devenu une souffrance,

cet autre tableau qui rappelle un peu Bacon, est une autre manière de s'échapper, de cet art cynique peut être, qui risque de l'enfermer ... alors il recherche d'autres possibilités ... 

Le rire s'est peut être éclaté .... à voir à la Fondation Cartier. 

On a en général une vision fort réductrice de Van Gogh, ses troubles psychologiques, son oreille coupée lors d'une altercation avec Gauguin, sa relation fidèle à son frère Théo, Anvers sur Oise, Gachet, son suicide. La Pinacothèque choisit elle de réduire son inspiration et établit un parallèle avec l'oeuvre de Hiroshige pas forcément convaincant.

Le japonisant est bien sûr à la mode, et les peintres de l'époque vont plus ou moins japoniser, comme ils ont académisé avec les classiques,  les rois de l'académisme comme Thomas, Couture, Gérôme, avant de les rejeter ... et puis ceux qui sont plus talentueux, plus créatifs, plus doués, moins peureux, vont trouver leur style propre, celui qui nous fera reconnaître la patte du peintre. 

  Le pont supendu est il japonisant ?

Vincent séjourne après sa séparation avec Sien, à Nieuw Amsterdam, dans un pays qui lui ressemble à ce moment là, désolé, couleurs pâles, eau qui domine, lumière faible, Vincent réussit fort bien les aquarelles. Si le Japon doit l'influencer, ce n'est pas dans cette aquarelle là, quant au pont sur le canal, il ressemble à beaucoup de ponts suspendus qui ne manquent pas en hollande.  Van Gogh était très érudit, doté d'une famille cultivée aisée qui comptait outre des Vincent en pagaille, de nombreux marchands d'art, ajoutez à cela que la mère de Van Gogh avait un fort joli coup de crayon, et qu'elle initia son fils au dessin. Vincent naquit 1 an après un premier Vincent mort-né, première ombre au tableau. Plusieurs Van Gogh sujets à des dépressions, deuxième ombre au tableau. Le père, pasteur, médiocre dans sa fonction, ce qui ne le sortit pas de son austère et anxieuse tristesse naturelle, troisième ombre au tableau. Un caractère d'insoumis, un physique de roux fort peu apprécié à l'époque, un internat forcé considéré comme une exclusion du milieu familial, voila pour les ombres de Vincent. Ensuite, il y eut la difficulté constante à se faire aimer d'une femme, ensuite il y eut cette obstination à vouloir être pasteur comme son père, il y eut beaucoup d'échecs chez Vincent qui eurent un double effet, l'un négatif à s'isoler du monde, à ruminer, à "criser à la folie", mais l'autre positif, à extérioriser son amour de la nature, son amour des humbles dans la peinture (comme dans la vie d'ailleurs) puis à vivre au final le bonheur par sa peinture. Il fréquentera toute sa vie les peintres et les livres. Alors, tout l'a inspiré Vincent, les peintres hollandais, les français, les japonais, en vrac Israels, les 3 frères Maris, Mauve, les 3 Cuyp, Rembrandt, Millet, Corot, Hiroshige, Hokusai, Monticelli, Rubens,

Anquetin, Seurat, Signac etc etc ....  En  1887 Van Gogh rencontre Gauguin, en 1888 Vincent est en Arles, il y recherche la lumière, sans doute la lumière et les couleurs gaies, c'est un peu le Japon des fresques japonaises question atmosphère, lieu de plaisir pour la caserne de zouaves, le pont de Trinquetaille autre pont suspendu, les arbres fleuris. Van Gogh se met à peindre des tableaux de vergers en fleurs, car il a besoin d'argent, Van Gogh, et à juste titre puisque le Japon est à la mode, et bien il fait des arbres à coups de brosse, hachés, discontinus, son trait à lui.

Des japonais, il retiendra le trait fin, précis, qu'il fera lui, Van Gogh, haché, virevoltant, en mouvement perpétuel, tourmenté; des impressionnistes il apprit la couleur; de Monticelli, il retiendra le contraste des explosions de couleurs en pâte, il n'était pas bégueule Van Gogh, il prit tout ce qu'il pouvait prendre des peintres qu'il rencontra, il s'en imprégna, et aboutit à sa peinture si reconnaissable, si particulière. 

Un petit dernier, Le Bon Samaritain, copie de Delacroix est il plus japonisant que van goghien copie Delacroix ? 

Des paysages de Van Gogh dont les couleurs éblouissent, la lumière de Van Gogh ... l'exposition modeste de la Pinacothèque vaut le déplacement rien que pour cela. Elle nous vaut aussi une rencontre japonaise, alors on ne boude pas son plaisir, on en pense ce que l'on veut, mais on y va. 

Madeleine Lemaire 1845-1928, Louise Abbéma 1853-1927 ont étudié chez Charles Chaplin, Jean Jacques Henner, Carolus-Duran. Blanche Odin 1865-1957 sera une des élèves de Madeleine;  Femmes-peintres fort académiques (par nécessité) des fleurs, des femmes et des enfants, puisque rien d'autre ne leur était permis, puisque les écoles d'art leur étaient interdites. Rosa Bonheur 1822-1899, elle, choisit la peinture animalière et a ainsi une place à part, socialement d'abord, semblable à G Sand, elle aura l'autorisation de porter un pantalon, affichera son goût pour les femmes sans que cela pose trop de problème, elle bénéficiera donc d'un statut à part, comme G. Sand, comme quoi le port du pantalon était subversif !!!!  Un point commun pour toutes ces femmes, elles se rallient à l'ambiance très misogyne de l'époque, ce ne sont ni des suffragettes, ni des militantes, mais elles participent quand même, indirectement, au féminisme naissant, grâce à leur réussite sociale qui permettra aux féministes de mettre en avant le talent des femmes. Le trio Berthe Morisot 1841-1895, Eva Gonzales 1849-1883, et Mary Cassatt 1844-1926 associé au groupe des impressionnistes, fit entrer les femmes véritablement dans l'histoire de la peinture. Il restait encore un pas à franchir en ce qui concerne les thèmes, mais elles ont montré que les femmes bourgeoises étaient capables de sortir de l'académisme convenu, du carcan épouse-mère dans lesquels la société du  XIX siècle les avait emprisonnées. 

Mary Cassatt se dégage de ce trio qui deviendra duo, à la mort précoce d'Eva Gonzalès. Mais tout comme Berthe Morisot se distinguera du lot par sa modernité, Mary Cassatt se distinguera, elle, par sa singularité. Américaine, elle séjourne en France dés l'âge de 6 ans, de 1850 à 1855, date de la mort de son frère soigné à Paris. A l'âge de 16 ans en 1860, elle étudie à l'académie des Beaux Arts de Philadephie. 6 ans plus tard, elle revient à Paris où elle sera l'élève de Charles Chaplin, puis de Gérôme. Elle est libre Mary, la vie convenue d'une bourgeoise mariée ne l'intéresse pas, elle changera plusieurs fois de maîtres( Frère, Soyer, Couture, Bellay, Raimondi) voyageuse elle se rendra à Rome, à Parme, à Madrid, Séville, avec des retours aux USA. En 1877, elle rencontre Degas, Pissarro, Berthe Morisot avec lesquels elle sympathise. Lorsque Degas lui demande de participer à son projet de revue (qui ne se réalisera pas) consacré à la gravure avec Pissarro et Félix Bracquemond, Mary Cassatt se met alors à la gravure, aux dessins, eaux fortes, contre-épreuves. Célibataire, par choix semble t'il, elle peindra aussi pour vivre, des portraits, des commandes, comme 2 copies de Courrège pour la cathédrale de Pittsburgh. Ses oeuvres se vendront bien et lui assureront de confortables revenus. Elle achètera le château de Beaufresne au Mesnil-Théribus, où elle travaillera avec acharnement, les siens morts, libre, seule mais célèbre. ....

c'est donc ce que nous propose en ce moment le Mona Bismark American Center à Paris. Ambroise Vollard, marchand d'art, acquit  un grand nombre de ses dessins et gravures, et les conserva jusqu' à sa mort. Ce sont ces 67 dessins et gravures que l'on nous présente. 

Pointe-sèche

pointe sèche, vernis mou, aquatinte en couleurs

Contre- épreuve de pastel : Reproduction inversée obtenue en appliquant le pastel contre 1 feuille de papier japonais humide avant de le passer sous presse.

La Lutte pour la vie.

Un autre naufrage sans doute où il ne fait pas bon d'être femme ! Néo classique le style, si différent du radeau de la Méduse, naufrage dont  je ne connais pas l'histoire, les plus forts restent à bord, les femmes nombreuses au demeurant sont éjectées avec force mais s'échouent gracieusement, voluptueusement, charnellement, sensuellement ... toute peinture a son histoire, celle là mériterait que l'on en connaisse plus ... au diable les métaphores supposées, les symboles possibles ... bien sûr, il ne s'agit peut être que d'illustrer ainsi une des théories de Darwin 1809-1882( La loi du plus fort), peut être est elle sexualisée : hommes prédateurs se battant contre femmes proies et concurrents possibles ..... 

on constate quand même une certaine jouissance du peintre à manipuler les corps, à mettre en valeur les muscles masculins, les rondeurs féminines ...

  Henry Eugène Delacroix est né à Solesmes le 16 janvier 1845 de Henry Delacroix et d'Eugénie Ménard. Il fera les Beaux Arts à Paris et aura pour maître Cabanel, c'est dire qu'il est classique, il peindra moults fresques décoratives, pour la salle de mariage de L'Hay les Roses, pour la mairie de Solesmes, pour l'église Saint Julien de Saint Lys en Haute Garonne et sans doute pas mal d'autres lieux, ce peintre connut une notoriété certaine. Il meurt en 1930